Una vuelta a los barrios marginales habitados por personajes marginales. Esto es lo que vuelve a propone el director Tony Kaye después de que en 1998 rodase su título más emblemático, “American History X”, donde consiguió una nominación al Oscar para Edward Norton (El club de la lucha, Las dos cara de la verdad) así como lograr una notable interpretación del olvidado Edward Furlong (Terminador 2). Esta cinta y ahora “El profesor” toman como marco de actuación personajes extremos en situaciones extremas y que Tony demuestra un dominio absoluto.

   Un instituto cualquier en una ciudad cualquiera. Henry Barthes, al que da vida Adrien Brody (El pianista, Hollywoodland, Midnight in Paris), interpreta a un profesor suplente que acude para cubrir una vacante por un breve periodo de tiempo. A través de sus ojos somos testigos de las múltiples situaciones que pueden ocurrir dentro y fuera de esas paredes.

   El guión que escribe el debutante Carl Lund toma la forma de falso reportaje. Sus diálogos y situaciones respiran veracidad. Esta escrito de tal manera que da pie a que tanto actores principales como secundarios tengan sus escenas destacables o en algún caso enmarcables. Empezando por Adrien brody, un tanto olvidado desde que ganase el Oscar en 2002 por “El pianista”, regalando escenas como las del asilo o ese abrazo final a una alumna totalmente hundida que demuestran porque uno es merecedor de la preciada estatuilla. James Caan (El padrino, Misery) posee una única escena que consiste en diálogo tutor/alumna pero dificilmente olvidable. Marcia Gay Harden (La niebla, Mystic River), Christina Hendricks (Drive, Mad men) o Tim Blake Nelson (O Brother, Minority Report). La única capaz de compensar la balanza con respecto a la actuación de Brody es la jovencísima Sami Gayle (Contrarreloj) gracias a la construcción de un personaje que ayuda a crear una deliciosa trama paterno-filial muy similar a la de “León, el profesional”.

   Acostumbrado a conjugar las funciones de director/director de fotografía Kaye no sólo se apoya en un libreto que mediante testimonios a cámara finge ser un documento real. La cámara también favorece esa sensación mediante el uso de una fotografía que busca una luz realista, sin artificios, el uso de un zoom exacerbado y un inteligente uso del gran angular para aislar aún más a los personajes primero dentro de la historia y después entre sí. Por último, aunque la cinta se mueve en el terreno de lo real, esto se rompe en determinadas ocasiones con la inserción de fragmentos del pasado que otorgan a la escena un cierto lirismo.

   No nos encontramos ante una película más de “profesor suplente”. Es una cinta inteligente que si bien es cierto que se le puede achacar el hecho de utilizar excesivos blancos y negros con carencia de grises me parece que las interpretaciones/situaciones logradas aquí logran fácilmente atrapar al espectador y éste lo va a agradecer.

   Para rodar el Bond número 23 (que ha tardado dos años más de lo previsto en llegar a las pantallas) se ha apostado por un peso pesado del mundo de la industria, Sam Mendes (American Beauty, Camino a la perdición). En un película franquicia, como ésta de la saga Bond, que el director sea uno u otro suele tener una importancia relativa, ya que la persona que maneja la producción (Bárbara Broccoli) es quien toma todas y cada una de las decisiones (cuando son para bien y un poco menos cuando son para mal….)

   El acierto (o fortuna) que ha tenido esta entrega del agente 007 es precisamente el inconveniente del retraso que tuvo la producción por la quiebra de MGM. Esto hizo que toda la película estuviera muy, muy trabajada (cosa que se nota en cada plano o secuencia). Este tiempo extra hizo que el guion de la pareja Neal Purvis y Robert Wade (Plunket & Macleane, Casino Royal…Quantum of solace) pudiera ser retocado por John Logan (Rango, El aviador, El último samurái), logrando así mucha más consistencia entre los personajes y la historia, y se plagara el libreto de referencias y guiños a toda la saga. Los tres logran un perfecto equilibrio entre tensión, acción y drama…captando todos y cada uno de los adjetivos que hacen a James Bond ser James Bond y dejando en la retina del espectador un regusto cinéfilo como el que dejan en el paladar los mejores wiskis escoceses (;P).

   Sam Mendes entró por la puerta grande de Hollywood con American Beauty ganando cinco Oscars de la Academia, entre ellos: mejor Director, mejor Película, mejor Guion…. En esta ocasión hace aquello por lo que los hermanos Broccoli le han contratado…pero mejor de lo normal, de la media en este tipo de películas (mejorando a mi parecer la brillante Casino Royal). Mendes consigue su peculiar “Caballero oscuro” en esta entrega de Bond, logrando que el personaje se sumerja hasta los límites humanos a los que es capaz de llegar y entienda su propia naturaleza (por qué hace lo que hace y por quién lo hace). Mendes es capaz de dotar a Skyfall de un alma que se perdió en Quantum y marcar el camino por el que deberían ir el resto de entregas.

   Daniel Craig (Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres , Munich, Sylvia, Lara Coft: Tomb raider) sigue demostrando que es un Bond excepcional se mire por donde se mire y se nota que cada entrega se siente más cómodo con el papel y con el personaje. Le acompañan en la película la ya habitual Judi Dench (Shakespeare in love, Diario de un escándalo, Iris) , Naomie Harris (Ninja Assassin, Dueños de la calle, Piartas del Caribe. En el fin del mundo), Ralph Finnes (El jardinero fiel, Spider, Escondidos en Brujas, El lector), un irreconocible Albert Finney (Big Fish, El legado de Bourne, Tom Jones) y Ben Wishaw (El perfume, El atlas de las nubes, El intruso).

   Pero por encima de todos ellos se erige como un titán…Javier Bardem (Huevos de oro, Días contados, El detective y la muerte, Pasos de baile, No es país para viejos).  Sin ser muy defensor del señor Bardem, en esta ocasión (como ya en varias he hecho) me tengo que quitar el sombrero ante lo que es capaz de hacer con el villano que le ofrecen los guionistas y sobretodo Sam Mendes (por como trata el personaje y por donde le lleva durante todo el metraje y el mimo y cariño con el que le trata ya desde su presentación en pantalla). Bardem compone en los quince primeros minutos de la película uno de los malos más sobrecogedores que ofrece la saga Bond. Pese a las similitudes con otros villanos del cine (más que obvias en el tráiler y casi exclusivamente allí) y el aspecto tan “peculiar” que le dan en maquillaje Alessandro Bertolazzi (Babel, Biutiful) y en peluquería Francesca Crowder (United 93, Amor y otros desastres), Bardem logra cautivar al espectador y hace que se produzca, casi al instante, una necesidad de saber de él y de los motivos que le llevan a hacer lo que hace.

   Por último voy a destacar la magnífica segunda unidad de la película que corre a cargo del chileno Alexander Witt (American Gangster, The town, X-men:primera generación, El invitado) y que forma un equilibrado conjunto que se complementa a la perfección con la dirección de Mendes y a la fotografía del siempre cautivador Roger Deakins (Revolutionary Road, Casa de arena y niebla, Cadena perpetua).

   Una oportunidad de saborear toda la esencia de la saga Bond, destilando todo lo bueno que ha habido en la franquicia de James Bond y bebérselo concentrado en los casi ciento cincuenta minutos de amor al cine que suponen este Skyfall.

   Cuando un proyecto lleva en su cartel los nombres de estrellas en ciernes como Bradley Cooper (El equipo A, Resacón en Las Vegas, Sin límites), Zoe Saldana (Avatar, Colombiana) y Olivia Wilde (In time, Tron legacy, Cowboys & Aliens); y de estrellas consagradas como Jeremy Irons (Dragones y mazmorras, M. Butterfly, El misterio Von Bulow, La caja china), Dennis Quaid (Lejos del cielo, Gran bola de fuego, Frequency) y JK Simmons (Young adult, Quemar después de leer; saga Spiderman), lo que se espera de ella suele ser una buena película en la que depositas unas altas expectativas.

   Los noveles directores Brian Klugman y Lee Sternthal (tienen en su haber el guion de Tron legacy) han logrado reunir a este espectacular reparto para una película dividida en tres historias (el guion también está a cargo de Klugman y Sternhal), en la que un escritor de éxito  narra la historia de un escritor fracasado que tiene la fortuna de encontrar un manuscrito. Lo publica como suyo y obtiene un éxito espectacular que lo convierte en uno de los mejores escritores de su tiempo. El autor del manuscrito resulta ser un anciano que lo escribió durante su juventud, cuando estuvo destinado en París tras la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), época en la que encontró al amor de su vida.

   Partiendo de que la premisa no es demasiado original, sólo nos queda que lo original sea el planteamiento y la forma de contarnos las cosas; pero la poca destreza de los directores (inexperiencia obviamente) hace que durante todo el metraje las historias se entrecrucen sin un equilibrio, que es capital en este tipo de películas corales, que hace que el espectador no se pierda en la trama, pero si que pierda interés en parte de ella. Un desequilibrio que, además, deja en evidencia lo que cada vez más obvio: Bradley Cooper es un actor demasiado limitado para llevar el peso de una producción de estas características.

   Cooper interpreta permanentemente el mismo personaje y papel (en muchos momentos no se sabría decir si lo que se ve en pantalla es El ladrón de palabras o Sin límites o Qué les pasa a los hombres…) lo que acentúa más aún el desequilibrio entre las historias. Además, si como compañeros de reparto tienes a un excepcional Jeremy Irons y a un resultón Dennis Quaid, pues la película se queda en un curioso quiero y no puedo que te hace pensar que habría podido salir de manos de otro director una propuesta de estas características.

   Coincidiendo con las fiestas de Halloween llega “Sinister” cinta de terror que juega con la premisa del cine dentro del cine, ese miedo que surge de unas extrañas grabaciones que el protagonista de turno encuentra en el desván de la casa a la que se muda. Este detonante colocado en manos de un director cuanto menos interesante ya que consiguió con la cinta “El exorcismo de Emily Rose” dar un pequeño giro a la tema de las posesiones demoníacas, Scott Derrickson (Ultimátum de la tierra), podría haber dado más de si. El problema es que el guión que firma el propio Scott junto a C. Robert Cargill tiene un desarrollo muy pobre y una vez colocadas las fichas sobre el tablero las situaciones se vuelven repetitivas y algo monótonas. Pasillos oscuros, sustos provocados por la subida del volumen de la sala y un trailer de casi tres minutos de duración que desvela la mitad de ellos es lo que uno se puede encontrar tras su visionado. 

  
   A nivel de producción es interesante mencionar que detrás de todo esto están los productores de “Paranormal activity”, cuatro entregas hasta la fecha cuyo coste medio ronda los 3 millones de dólares pero que cuya recaudación en taquilla supera ampliamente los 150. “Sinister” sigue esta moda con un insignificante presupuesto de 3 millones y un desembolso en las taquillas americanas hasta la fecha de 40. Cifras de infarto en unas fechas tan apropiadas.

   Documental sobre la figura gay del cómic Ralf König (El hombre deseado, Lisístrata, El condón asesino), en el que se repasa tanto su carrera como su vida e intenta explicar al espectador como y por qué König llega donde está (es uno de los autores más vendidos de Alemania y todo un referente cultural).

   La cinta tiene un problema que, creo, viene de la mano de la experta directora de documentales Rosa Von Praunheim, que también firma el guion (New York Memories, Der Rosa Riese), y es que se centra demasiado en el personaje y muy poco en la obra. Se detiene demasiado en la forma de vida que lleva o ha llevado König (para explicar la forma de hacer los cómics). Si bien en determinado momento es interesante, llega un punto en que parece reiterativo y pierde interés para el espectador medio.

   Lo que resume la película es un comentario que se hizo al salir de la sala: “¿Qué te ha parecido?, - Es muy gay”. Y es que tanto sumergirse en el mundo gay de König hace que le reste peso a los efectos, la importancia y la liberación que supuso para una gran parte de gente. Ralf König es un autor mordaz, inteligente y satírico que va mucho más allá de su condición sexual.

   De cara a la, americana, fiesta de Halloween Sony nos trae un producto enfocado al público infantil y al no tan infantil. Si bien la película funciona muy bien como película para los más pequeños de la casa (aunque no para los pequeñitos…) hará las delicias de los adultos con algún tipo de recuerdo o afición al cine de terror clásico. Aquí es en donde el guion de Peter Baynham (Bruno, Borat, serie Friday Night) y Robert Smigel (Zohan, Saturday Night live) exprime lo mejor de la idea de Todd Durham, Dan Hageman y Kevin Hageman (ambos escritores de la serie Ninjago y en la preproducción de una película sobre los juguetes Lego) y juega con todos los típicos tópicos del cine de terror, haciéndonos ver que no hay que tener miedo a ser diferentes, puesto que en esa diferencia radica nuestra esencia y nos hace únicos y especiales.

   El director Genndy Tartakovsky (series The Clon Wars, Las supernenas, El laboratorio de Dexter) juega muy bien con esos tópicos y realiza una película amena y divertida sin caer en la ñoñería de otras películas infantiles. Si bien no se logra la caidad artística y técnica de las películas Pixar, si que está por encima de la media de las “otras” producciones infantiles.

   Como es habitual en este tipo de producciones lo más granado de la cómica norteamericana presta su voz, y sus rasgos, para crear los personajes principales. En esta ocasión tenemos como Drácula a Adam Sandler/Santiago Segura, como Jonathan a Andy Samberg/Dani Martínez, como Mavis a Selena Gómez/Clara Lago, como Frankenstein a Kevin James/Mario Vaquerizo y como Wanda a Molly Shannon/Alaska.  El doblaje hace que se pierda parte de la interpretación original de la cinta, pero también la acerca al público medio que entenderá mucho mejor los chistes y las gracias “españolizados”.

   Una agradable propuesta para ver en familia y humanizar los monstruos que de pequeño nos crearon tantos miedos y pesadillas.

   En el año 2007 el actor y ganador del Oscar junto a Matt Damon (Infiltrados, El caso Bourne) por el libreto de “El indomable Will Hunting”, Ben Affleck (The company men, La sombra del poder, Ases calientes), decide tomar la riendas de un proyecto pero esta vez detrás de las cámaras. “Adiós pequeña adiós” es el título y retrata el secuestro y posterior investigación de una niña de apenas diez años. Este debut llama la atención de la crítica por el buen pulso narrativo de Affleck, las interpretaciones que logra extraer del reparto pero sobre todo por una realización con aroma clásico que recuerda en determinadas ocasiones al cine de Eastwood. En 2010 vuelve a sorprender y con ello consolidando su figura de director con “The Town” una cinta cuyo telón de fondo son los atracos y cuya localización principal es Boston, ciudad natal del director, y que en palabras de él “es una carta de amor a la ciudad donde me crié”. Vuelve a demostrar que sabe desenvolverse muy bien a la hora de dirigir actores, nominación al Oscar para Jeremy Renner (En tierra hostil, Misión:Imposible: Protocolo fantasma), así como mezclar esa realización artesanal con buenas secuencias de acción. Y como se suele decir: a la tercera va la vencida. El tercer largometraje de este californiano es “Argo” cinta con tintes políticos cuyo detonante es el asalto a la embajada de EE.UU. en Irán.

   A mi modo de ver es la cinta más completa de Ben. Es la más completa a nivel narrativo, interpretativo, de tempo y de desarrollo. Toda la historia se apoya en un guión que sorprendentemente ha escrito Chris Terrio basándose en el artículo “Escape from Teherán” de Joshuah Bearman. Digo sorprendentemente  porque supone su debut en el cine y consigue lo que pocas veces se ven: un planteamiento como detonante original pero con un desarrollo logrado o muy logrado donde los nexos que unen unas secuencias con otras están tan bien escritos que hace que la trama fluya por sus dos horas de duración. Además, el guión pese a tener una parte de ámbito político (razón por la que pienso que George Clooney (Syriana, El americano) figura como productor) sabe fusionarlo con otra de humor, humor ácido y la unión de ambas vertientes convierten a la historia en una delicia para el espectador. También el guión tiene el mérito de lograr un “in crescendo” a lo largo de la trama hasta desembocar en esa pista de aterrizaje que nos arrastra a nosotros como espectadores.

   Como ya venía ocurriendo con anterioridad en los trabajos de Affleck, la dirección de actores es otro de los puntos fuertes de la cinta. El eterno secundario Bryan Cranston (Breaking Bad), John Goodman (El bar coyote, El gran Lebowski), Alan Arkin (Pequeña Miss Sunshine) o Victor Garber (Titanic, Alias). Como en “The Town”, Ben Affleck se vuelve a reservar el papel protagonista pero esta vez no cojea como sí que lo hacía en aquella cinta. A parte de una caracterización bastante llamativa, su interpretación logra un equilibrio entre lo que dice y lo que quiere decir, entre el texto y el subtexto, entre el dialogo y los silencios.

   Aunque la película se desarrolla en Teherán por motivos obvios se optó por rodar la gran mayoría en California. Destacable la paleta de colores, en su mayoría tonos apagados o verdes, que logra el mejicano Rodrigo Prieto (Amores perros, 21 gramos) así como un diseño de producción que cuida hasta el último detalle.

   “Argo” llega este viernes a nuestras carteleras siendo uno de los primeros títulos con fuertes aspiraciones de cara a la próxima gala de los Oscar. Una cinta que permite ver la madurez de un director que avanza a pasos agigantados y que se marca un tres de tres en su filmografía. Alguna lenguas hablan por ahí del heredero del gran Eastwood…

   Looper. Mercenario. Asesinos del presente encargados de eliminar criminales del futuro y de esta manera borrar toda huella de sus existencia. Un trabajo muy bien pagado pero con una única condición: No dejes que tu objetivo escape con vida.

   Ganar premios en Festivales como el de Sundance, Sitges, San Francisco o Chicago es una forma de llamar la atención y de esta manera poder llevar a cabo proyectos más personales/complejos. “Brick” ha sido la llave que le ha permitido al director Rian Johnson poder llevar a puerto este proyecto siendo esta la tercera colaboración que hace con el actor en alza Joseph Gordon-Levitt, actor que sabe conjugar el cine más independiente, “Hesher” aún inédita en España, con el cine más comercial sin descuidar la calidad de éste como es el caso de “Origen” o “Batman: La leyenda renace”. En la otra cara de la moneda encontramos a Bruce Willis (Jungla de cristal, El sexto sentido) y Emily Blunt (Eternamente comprometidos, El diablo viste de Prada) en un intento de cambiar tanto de color de pelo como de género.

   Los viajes en el tiempo siempre es un filón para hacer una buena historia si se sabe hacer bien. Puedes hacer genialidades como “Regreso al futuro” o “Terminador” o autenticas birrias como “El sonido del trueno” o “Timeline”. Este sería un caso hibrido de ambos mundos. Rian sabe plantear interesantes cuestiones del tipo moral pero se queda en la superficie. Una vez planteadas uno espera una cierta profundización que nunca llega. Pero más grave aún es que tampoco llegan respuestas o todo se queda tan abierto que le deja a uno con dos opciones: A) volver a verla en busca de ellas o B) pajas mentales con tus amigos a la salida. En definitiva, que uno se queda con el buen hacer del dueto protagonista, Willis haciendo de Willis y Joseph que con un gran trabajo de caracterización sin caer en “Muchachada Nui” lograr captar la esencia del primero.

   “Looper” tiene el problema de que no sorprende. No se puede negar que de forma aislada tiene escenas muy bien desarrolladas como el encuentre entre Willis/Joseph en la cafetería (ingeniosa la manera de hacer coincidir a los dos en ese lugar) o la forma en que uno de los personajes intenta ponerse en contacto mientras se va desintegrando. También se agradece que con un presupuesto modesto para tratarse de ciencia ficción se haya buscado un diseño de producción muy próximo al mundo en el que vivimos actualmente pero a la vez creíble que pueda tratarse del 2072!!, pero todo ello peca de un desarrollo que apenas sorprende tras ser presentadas las fichas sobre el tablero.