Desde que era pequeña Ada siempre ha sentido curiosidad por el tema del sexo. ¿Qué es lo que se siente?, ¿Con qué se puede comparar?. Ya de mayor ha probado con muchos chicos pero el resultado no es tan placentero como todo el mundo le dice que es, hasta que se vuelve a encontrar con dos amigos de la infancia, Lorenzo y Luís, donde surgirá un trío amoroso a base de mentiras e infidelidades.

   El director Emilio Martínez Lázaro (Las 13 Rosas, Carreteras Secundarias) vuelve a reunirse con Alberto San Juan (Mientras Duermes, La Isla Interior), Ernesto Alterio (Días de Fútbol, Amigos) y Verónica Sánchez (Los Serrano, Gordos) intentado repetir el dudoso éxito de la secuela de la estupenda “El Otro Lado de la Cama”, “Los Dos Lados de la Cama”. El problema es que el guión que escribe Lázaro junto a Daniela Féjerman (Semen, A mi madre le gustan las mujeres) es extremadamente simplón con el único aliciente y a la vez poco original de explotar al máximo la complicidad que existe entre Alterio y San Juan que por otro lado ya vimos en “Días de Fútbol” o la mencionada “Los Dos Lados de la cama”. Verónica Sánchez en títulos como “Los Dos lados de la cama” o la propia serie “Los Serrano” mostraba tener serios problemas en la comedia y aquí vuelve a hacer gala de ello. En esta cinta uno se pregunta que se le ha llevado a escoger este guión en el que se limita a continuas escenas de cama que francamente llegan a cansar más que nada por su excesiva reiteración sin que aporten nada o casi nada.

   Creo que el problema más importante radica en el punto de partida que tal y como está planteado no me parece nada interesante. Que una historia de casi dos horas se construya alrededor de una chica que no disfruta del sexo en la cama y que ello le llegue a afectar a su vida personal y todo ello en clave de comedia, pero una comedia que no tiene reparos en intentar tapar que quieren repetir la fórmula antes mencionada me parece de muy mal gusto. Para colmo de los colmos, la película lleva su consabida moralina que viene a decir algo así como: “Lo siento, los sentimientos no se pueden controlar. Me acuesto con quien mi cuerpo me lo pide sin que yo pueda hacer nada para evitarlo”. Venga ya!.

F.J (@Rocabay) 

   España. 1987. Quedan cinco años para que de comienzo la Exposición Universal en Sevilla. Dentro del cuerpo de la policía se crea el “Grupo 7”, una unidad encargada de erradicar la venta de droga pero, ¿a cualquier costa?. El sevillano Alberto Rodríguez (After, 7 Vírgenes) rueda su quinta película que presenta como denominador común en todos sus trabajos tomar Sevilla como única localización y trabajar junto a Rafael Cobos en el guión (a excepción de “El Traje” y “El Factor Pilgrim”). “Grupo 7” se une a esa lista que poco a poco se va llenando con títulos como “Celda 211”, “Eva”, “Verbo”, “Chico y Rita”…que ambiciona, y lo consigue, mirar el cine que se hace fuera, no sólo el americano sino galo o italiano por tener referentes más cercanos, y estar en igualdad de condiciones para que el espectador pueda comparar.

   Hace un par de semanas se estreno “Cuenta Atrás” un thriller ambientado en Francia, con múltiples persecuciones, pero con la peculiaridad de buscar no tanto las localizaciones clásicas como podrían ser la Torre Eiffel o los Campos Elíseos sino otras más desconocidas entre las que primaban callejones y calles recónditas. Alberto Rodríguez con una factura impecable, aplica lo mismo en Sevilla. La fusión que sale de juntar la fotografía del ganador del Goya Alex Catalán (También la Lluvia, Camino), la edición y el uso de Scope como formato de rodaje nos dan una visión de la ciudad totalmente diferente. Rodríguez ya había relatado los suburbios en “7 Vírgenes” o “After” pero sólo hay que ver la secuencia con que arranca la película para ver a un director mucho más maduro en lo que a técnica se refiere, gran combinación de grúa + Scope al compás de la contundente banda sonora de Julio de la Rosa (Primos, Carne de Neón).

   “Os creéis los hombres de Harrelson”. Con esta frase extraída de la película se puede resumir el espíritu del grupo 7. Antonio de la Torre (Primos, Gordos), Mario Casas (Mentiras y Gordas, A Tres Metros sobre el Cielo), José Manuel Poga y Joaquín Núñez, sus integrantes. El guión hace un dibujo muy fino en cada uno de ellos profundizando algo más en las historias de De la Torre, inmenso, y Casas, actor con una interpretación muy irregular, esto es, calmado me lo creo pero cuando se encara, no.

   El guión se construye utilizando el “teaming-clock” de la llegada de la Expo y esto se concreta en introducir infografía explicita del pasar de los años. La historia presenta como principal virtud el presentarnos un thriller de ritmo apabullante que se lo otorga el cuidado montaje así como el empleo de recursos de cámara (véase esa cámara girando en torno a Mario Casa que acaba con éste gritando: somos el grupo 7) que hacen atractiva la película. La trama principal como thriller de acción funciona a las mil maravillas pero es en las subtramas, en las relaciones personales, donde cojea. La historia de Antonio que recoge a una chica de la calle o la pareja Casas/Cuesta es difícil de creer a la par que vista en muchas cintas del género. También se echa en falta en un cinta que predomina una violencia cruda y seca (en esto De la Torre es un monstruo) un clímax con más garra, emocionante. Que grande la escena en que es obligado a los polis salir de un poblado de yonquis de rodillas y en donde pensaba que la función estaba a punto de concluir. El final no es malo pero no hacer honor a lo sembrado.

   “Grupo 7” hace que el cine patrio arranque el año con más fuerza que nunca. Cinta de género para un director de esos que conviene tener apuntado su nombre y no olvidar. Ojito.

F.J (@Rocabay)

   El Monje, no confundir con aquella cinta de 2003 donde veíamos a un Chow Yun-Fat (Tigre y Dragón, The Killer) pegando brincos, es la tercera adaptación que se hace de la novela homónima del inglés Matthew Lewis (1775-1818) escrita en 1796 y rodeada de una gran polémica cuando en el siglo XVIII se contaba la historia de Ambrosio, monje cisterciense que al nacer es abandonado y acogido en la puerta de un monasterio y como es tentado por Satanás para caer en los vicios del pecado. Como curiosidad decir que la versión que se hizo en 1972 figura entre los títulos de crédito Luís Buñuel (El Perro Andaluz, Los Olvidados, Viridiana) como guionista. El director alemán Dominik Moll se hace cargo de esta nueva revisitación de la novela que adapta junto a Anne-Louise Trividic en una co producción franco-española que a pesar de su cuidadísima factura nos intenta dar gato por liebre

   Toda la cinta esta bañada por una cuidadísima fotografía a cargo de Patrick Blossier (Days of Glory, La Camarera del Titanic). Solamente hay que ver la apertura de la cinta en un confesionario donde los actores entran y salen de las sombras con un Vincent Cassel (El Cisne Negro, Un Método Peligroso, Irreversible) que aguanta perfectamente un primer plano estático mientras enuncia sus discurso. Las localizaciones escogidas, Andalucía, Madrid y Navarra, hacen perfectamente la España del Siglo XVII, aunque a un servidor le chocó que en un monasterio situado a las afueras de Madrid se hable en Francés...¿cosas de las co producciones?. Las transiciones circulares que se usaban en el cine en blanco y negro para pasar de una escena a otro aquí resultan curiosas aunque sin ninguna utilidad práctica aparente a parte de, llamémosle, “look estético”. La música del recientemente nominado al Oscar Alberto Iglesias (El Topo, La Piel que Habito) apoya la puesta en escena y los actores, me chocó encontrarme a Javivi (Ninette, Haz Conmigo lo que Quieras), resultan creíbles en sus roles. Mención aparte para Cassel que construye un Ambrosio con una aparente fortaleza exterior tanto física como ideológica y como nos vamos dando cuenta de que no es oro todo lo que reluce. Además, mencionado antes, la capacidad que tiene de soportar un primerísimo primer plano (el que abre o cierra la película) llegando a conseguir que sea interesante. 

   Pero si la forma no está integrado con un buen contenido lo habitual es que la función no aguante. Es lo que le pasa al monje. La cinta, al igual que la novela, pretende ser una crítica en primer lugar a la Institución Eclesiástica y en segundo lugar a la represión sexual, la debilidad de la carne temas tratados frecuentemente por Buñuel y se ahí se deduce porque se encargó del guión de El Monje (1972). La diferencia es que Buñuel a llegado a ser quien es entre otras muchas cosas porque es rico en matices y sugerencias, dejando al espectador que saque conclusiones mientras que aquí, a parte de tener un ritmo excesivamente lento que creo que va en detrimento de la cinta, se opta por volverse explícito y hortera ( la escena de Vicent con sus alucinaciones o éste después de tener sexo…). La cinta arranca con una realización más o menos clásica donde predomina la cámara estática que acompaña a los actores mediante la panorámica, hasta aquí la cosa funciona, para una vez llegados al punto de giro se crea un empaque de imagenes solapadas, veladas...que intentan acompañar a la locura de Ambrosio y que lejos de conseguirlo, el resultado es logra la risa. Una vez que se ve de que se nos quiere hablar la película se estanca, se repite, aburre. Todo ello provoca que cuando se nos presenta esa pequeña sorpresa final, el espectador cansado de tiempos muertos, reacciona con un gesto de indiferencia.

   Si el mensaje hubiera estado a la altura del envoltorio con que se nos presenta tal vez podríamos estar hablando de un trabajo al menos interesante. Es una pena cuando ves a un actor tan entregado en una causa más bien perdida.