Para rodar el Bond número 23 (que ha tardado dos años más de lo previsto en llegar a las pantallas) se ha apostado por un peso pesado del mundo de la industria, Sam Mendes (American Beauty, Camino a la perdición). En un película franquicia, como ésta de la saga Bond, que el director sea uno u otro suele tener una importancia relativa, ya que la persona que maneja la producción (Bárbara Broccoli) es quien toma todas y cada una de las decisiones (cuando son para bien y un poco menos cuando son para mal….)

   El acierto (o fortuna) que ha tenido esta entrega del agente 007 es precisamente el inconveniente del retraso que tuvo la producción por la quiebra de MGM. Esto hizo que toda la película estuviera muy, muy trabajada (cosa que se nota en cada plano o secuencia). Este tiempo extra hizo que el guion de la pareja Neal Purvis y Robert Wade (Plunket & Macleane, Casino Royal…Quantum of solace) pudiera ser retocado por John Logan (Rango, El aviador, El último samurái), logrando así mucha más consistencia entre los personajes y la historia, y se plagara el libreto de referencias y guiños a toda la saga. Los tres logran un perfecto equilibrio entre tensión, acción y drama…captando todos y cada uno de los adjetivos que hacen a James Bond ser James Bond y dejando en la retina del espectador un regusto cinéfilo como el que dejan en el paladar los mejores wiskis escoceses (;P).

   Sam Mendes entró por la puerta grande de Hollywood con American Beauty ganando cinco Oscars de la Academia, entre ellos: mejor Director, mejor Película, mejor Guion…. En esta ocasión hace aquello por lo que los hermanos Broccoli le han contratado…pero mejor de lo normal, de la media en este tipo de películas (mejorando a mi parecer la brillante Casino Royal). Mendes consigue su peculiar “Caballero oscuro” en esta entrega de Bond, logrando que el personaje se sumerja hasta los límites humanos a los que es capaz de llegar y entienda su propia naturaleza (por qué hace lo que hace y por quién lo hace). Mendes es capaz de dotar a Skyfall de un alma que se perdió en Quantum y marcar el camino por el que deberían ir el resto de entregas.

   Daniel Craig (Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres , Munich, Sylvia, Lara Coft: Tomb raider) sigue demostrando que es un Bond excepcional se mire por donde se mire y se nota que cada entrega se siente más cómodo con el papel y con el personaje. Le acompañan en la película la ya habitual Judi Dench (Shakespeare in love, Diario de un escándalo, Iris) , Naomie Harris (Ninja Assassin, Dueños de la calle, Piartas del Caribe. En el fin del mundo), Ralph Finnes (El jardinero fiel, Spider, Escondidos en Brujas, El lector), un irreconocible Albert Finney (Big Fish, El legado de Bourne, Tom Jones) y Ben Wishaw (El perfume, El atlas de las nubes, El intruso).

   Pero por encima de todos ellos se erige como un titán…Javier Bardem (Huevos de oro, Días contados, El detective y la muerte, Pasos de baile, No es país para viejos).  Sin ser muy defensor del señor Bardem, en esta ocasión (como ya en varias he hecho) me tengo que quitar el sombrero ante lo que es capaz de hacer con el villano que le ofrecen los guionistas y sobretodo Sam Mendes (por como trata el personaje y por donde le lleva durante todo el metraje y el mimo y cariño con el que le trata ya desde su presentación en pantalla). Bardem compone en los quince primeros minutos de la película uno de los malos más sobrecogedores que ofrece la saga Bond. Pese a las similitudes con otros villanos del cine (más que obvias en el tráiler y casi exclusivamente allí) y el aspecto tan “peculiar” que le dan en maquillaje Alessandro Bertolazzi (Babel, Biutiful) y en peluquería Francesca Crowder (United 93, Amor y otros desastres), Bardem logra cautivar al espectador y hace que se produzca, casi al instante, una necesidad de saber de él y de los motivos que le llevan a hacer lo que hace.

   Por último voy a destacar la magnífica segunda unidad de la película que corre a cargo del chileno Alexander Witt (American Gangster, The town, X-men:primera generación, El invitado) y que forma un equilibrado conjunto que se complementa a la perfección con la dirección de Mendes y a la fotografía del siempre cautivador Roger Deakins (Revolutionary Road, Casa de arena y niebla, Cadena perpetua).

   Una oportunidad de saborear toda la esencia de la saga Bond, destilando todo lo bueno que ha habido en la franquicia de James Bond y bebérselo concentrado en los casi ciento cincuenta minutos de amor al cine que suponen este Skyfall.

   Alocada comedia desarrollada por los responsables de la “saga del Resacón” (con tercera parte en preproducción) en la que tres amigos con un bajo grado de popularidad deciden realizar la mayor fiesta de la década aprovechando que uno de ellos cumple años y sus padres no están en casa.

   Hay innumerables recuerdos de películas en las que adolescentes imberbes, y no tan adolescentes, realizan fiestas descontroladas para lograr popularidad, conseguir a la chica de sus sueños o  revivir los mejores momentos de su vida (Aquellas juergas universitarias, Desmadre a la americana, Risky Bussines, etc…) de todas ellas bebe ésta película sin llegar a parecérseles en casi ningún momento.

   El debutante Nima Nourizadeh  opta por rodar cámara en mano (usando la misma técnica que en Paranormal Activity o Chronicle) un guion de, entre otros, Michael Bacall (Infiltrados en clase, Scott Pilgrim contra el mundo). El problema que hay es que el guion no existe. La película está plagada de tópicos adolescentes, el protagonista que busca el amor inocente, el protagonista con problemas de aceptación y popularidad, y el protagonista charlatán que está de vuelta de todo (clara referencia a los protagonistas de Supersalidos). De lo que se trata es de romper cualquier esquema posible y filmar la fiesta más brutal y ruidosa que nadie jamás haya visto. No hay tramas o subtramas, eso es todo.

   Aunque el trio protagonista (los prácticamente noveles Thomas Mann, Oliver Cooper y Jonathan Daniel Brown) está muy bien escogido y tienen muy buena química entre ellos no creo que lo que realizan en la película ninguno sea adecuado denominarlo como interpretaciones, puesto que se limitan a chillar, saltar, bailar, beber, correr…..en definitiva, a hacer todo lo que se puede hacer en una fiesta así.

   El resultado del experimento son unos 88 minutos que se pasan, relativamente, rápido, en los que nadie se plantea si lo que sucede en pantalla es realista o no, posible o no, sino que en todo momento tienes en mente que te encantaría abandonar la butaca del cine y estar ahí compartiendo con todos los chavales que salen en la película esa brutal y descontrolada fiesta.

   Annie, Jean, Claude, Albert y Jeanne son amigos desde hace más de 40 años. Pero cuando la memoria falla, el corazón se descontrola y aparece el fantasma de la residencia de ancianos, se rebelan y deciden irse a vivir juntos. A todas luces, una locura. Pero aunque la falta de espacio moleste y despierte viejos recuerdos, empieza una genial aventura: Compartir casa a los 75 años.

   Últimamente nos están llegando de nuestro país vecino productos muy interesantes tanto en comedia como en drama. Sin embargo, la cinta que hoy nos ocupa no ha sabido exprimir al máximo la relación entre ambos géneros. Digamos que se mantiene todo en el mismo nivel dramático y cómico, es decir, plano. Una hora y cuarenta minutos de linealidad cuyos puntos de giro son débiles y en la mayoría de las veces les falta intensidad. Y es una pena porque la historia que nos cuenta está llena de posibilidades. Stéphane Robelin dirige y escribe esta historia (coproducción franco-alemana) que supone su segundo largometraje después de estrenar “Real Movie” en 2004.

   Sin duda alguna lo mejor de la cinta es el elenco de actores. Nos encontramos con una fantástica Jane Fonda, un divertida Geraldine Chaplin y grandes hombres de la comedia francesa como el humorista Guy Bedos, Claude Rich y Pierre Richard. Les acompaña el único joven que tendrá como función estudiarles. Un etnólogo alemán llamado Daniel Brühl (Eva, Los Pelayos). Todos ellos funcionan a las mil maravillas y nos recuerdan que la experiencia en esto de la interpretación es un grado.

   Lo más interesante que encontramos en el guión es la forma de presentar la vejez rompiendo con todos los tabúes. El sexo, los escarceos amorosos, la vitalidad frente a las enfermedades y sobre todo, las ganas que tienen de divertirse. La capacidad para reírse de sí mismos ante sus propias limitaciones causadas por la edad. Al fin y al cabo, si dejamos eso de lado podemos compararles con adolescentes ya que tienen los mismos deseos, problemas y necesidades que cualquier joven. Un retrato sobre nuestros mayores contado desde la comicidad.

CRISTINA VARO (@Cris_varo) 

   Muerta la gallina de los huevos de oro o lo que es lo mismo Piratas del Caribe, la factoría Disney vuelve a atacar con lo que dicen será, si todo sale bien, una nueva saga con sus respectivas entregas. John Carter da el pistoletazo de la salida con un presupuesto de 250 millones de dólares y el ganador del Oscar Andrew Stanton (Wall-E, Buscando a Nemo) al frente del proyecto, siendo esta su primera película en acción real, que firma el guión junto a su colega en Pixar Mark Andrews (El Hombre Orquesta) y Michael Chabon (Spiderman 2), adaptando el relato “A Princess of Mars” de Edgar Rice Burroughs (1875-1950). Con este material de partida la película podría haber sido una montaña rusa de palomitas para el disfrute del público masivo en la salas del cine pero desgraciadamente nos encontramos con un guión bastante pobretón, desconozco si por el material de partida que se adapta o por imposición del estudio, que derivada en un dibujo muy limitado de los personajes, secuencia vistas en otras cintas similares, una carencia del uso del 3D pero sobre todo una sensación continua de desorientación, es decir, que uno no sabe que motiva a los protagonistas a hacer esto o aquello.

   Con semejante presupuesto voy a dejar a un lado las connotaciones del tipo “Que bien están hechas las naves” o “Que buenos los Fx” porque parto de que las películas de este calibre en ese sentido no van a decepcionar. John Carter no lo hace. Esta es de las pocas virtudes que se puede sacar a la cinta que parte de una premisa que no justifica el ambientarla en Marte. La película narra las aventuras del soldado John Carter en el planeta Marte (el como llega roza un tanto lo absurdo), donde debe aliarse a la princesa Dejah Thoris para luchar contra el déspota Sab Than. Es una típica historia de héroes y villanos, buenos y malos, guapos y feos pero... ambientada en el planeta rojo. ¿porque?. Cuando arranca la cinta y ve una historia más bien simplona reflexiona el porque de esa localización. Justificar una supuesta espectacularidad en la producción y meter aliens mediante CGI parece la respuesta más evidente. También resulta curioso que el sudafricano Daniel Mindel (Misión Imposible, Enemigo Público) no haya buscado los tonos rojizos propios del planeta donde nos encontramos y su fotografía sea similar al planeta tierra. No veo justificación para el uso de esta paleta de colores y muchas veces las localizaciones de Utah, lugar donde principalmente se llevo a cabo el rodaje, se hace demasiado evidente.

   Si vas a crear historia de buenos y malos, perfecto, pero dale matices. Sino te quedarán caricaturas. La muy justificada nominación de Johnny Depp (Eduardo Manostijeras, Alicia en el país de las maravillas) en la estupenda primera entrega de la saga "Piratas del Caribe" lo consiguió a parte de por la vuelta de tuerca al papel clásico de pirata, por esos pequeños matices y ambigüedades que rodeaban al personaje. Aquí los malos son malisimos y gritan y mucho y los buenos buenisimos.  Dominic West (300, The Wire) como rey déspota y sanguinario, Mark Strong (Red de mentiras, Oro negro) en un papel que recuerda a los “Observadores” de la serie “Fringe”, Ciarán Hinds (La Deuda, La Mujer de Negro) como el rey y padre que lucha por salvar a su pueblo…no ayudan a que te creas la historia (atentos al maquillaje y vestuario). A parte de todos estos está Lynn Collins (Lobezno, El Número 23) que además de interpretar a la chica en un mundo de hombres que se quiere hacer de notar, el trabajo de caracterización y maquillaje es para dar de comer a parte. Ya el personaje es sosete pero a parte tiene un aroma a Xena la guerrera que no mola. Sobre Taylor Kitsch (Lobezno) está correcto pero sin la suficiente fuerza para soportar el liderazgo de una cinta como esta.

   En lo referente a la puesta en escena se nota una carencia de originalidad. La naves beben del diseño que vimos en la también desastrosa “Cowboys contra Aliens” y la escena que sirve como plato principal tanto el trailer como en los banner colocados en los cines donde se ve a Carter luchando contra monos blancos gigantes es un reflejo de “Star Wars: El Ataque de los clones”. El recurso de justificar los saltos del protagonista por la gravedad del planeta, visto la primera secuencia vista todas. Llega a hacerse cansino tanto saltito.

   A parte de todo esto, no se si fruto de que suena a manido todo lo vemos y los personajes no interesan mucho, en lo referente a la historia una de dos: o yo como espectador no me enteré de lo que se persigue en cada momento o hay demasiados agujeros en el guión que dificultan su seguimiento. He querido dejar esto último para el final porque se trata tal vez de algo más personal el que me costase seguir la película pero intercambiando opiniones creo que se trata más bien de la opción b.

   Un producto fallido de un director que hasta ahora nos había entregado autenticas joyitas. Ojala que en su siguiente proyecto volvamos a ver a un flexo saltarín al inicio de la proyección.

F.J (@Rocabay)

ESTRENO 17/02/2012

   La mujer de negro, basada en la novela homónima de Susan hill, adaptada por Jane Goldman (Stardust, Kick-Ass) colaboradora habitual del director Matthew Vaughn (X-Men: Primera generación) supone la primera película de su director James Watkins (cierto es que antes había rodado Eden Lake pero debido al desconocimiento por una gran mayoría de este título podemos considerar éste su gran debut) así como la prueba de fuego de Daniel Radcliffe (Saga Harry Potter) de ver como se desenvuelve fuera del papel del joven mago que le catapultó. El resultado es una cinta bastante digna, con un acabado que bebe de las producciones de la Hammer que tan populares se hicieron en los años 60 pero que no convence por…ese final. 

   Daniel interpreta a un joven abogado, Arthur Kipps, que tiene que acudir a un pequeño pueblo para cerrar la venta de una antigua casa cuyo dueño acaba de fallecer. Al llegar al lugar, comienza a notar la reticencia de la gente a ayudarle en cualquier tema que tenga que ver con la casa.

   El primer interés al que uno se enfrenta a este título es ver como se desenvuelve el ya no tan joven Daniel en papeles que no tengan nada que ver con Potter. Es cierto que había leído que meses atrás se había subido al escenario para interpretar la obra de teatro Equus de la que recibió buenas críticas no sin cierta controversia por un desnudo…críticos que se escandalizan, lo que ya me hizo vaticinar que el chaval se defendería bien en futuros proyectos. Y así es. El papel que aquí ofrece no es extremadamente complejo pero conjuga bien la fragilidad del personaje por un suceso acaecido en su vida personal con el thriller sobrenatural propiamente dicho. Un apunte que debo hacer como impresión personal es que yo hubiera escogido para el papel que hace, tal vez, a un actor un poco mayor. Se me hace un tanto raro, por su caracterización, que este personaje ya esté casado, en un despacho de abogados bastante prometedor…esto no va en detrimento ni de la historia ni tampoco de la verosimilitud del personaje pero es un dato que un servidor le chocó.  El resto del casting se ha optado por caras más o menos desconocidas a excepción de Ciarán Hinds (Munich, La Deuda) que es el típico secundario que te suena su cara, no sabes muy bien donde le has visto pero que el tío cumple.

   A nivel formal llama la atención el cuidado que ha puesto Tim Maurice-Jones (Snatch, Lock and Stock), Kave Quinn (Trainspotting, Layer Cake) y Marco Beltrami (Scream, La jungla de Cristal 4.0) con la luz, diseño de producción y música respectivamente, para crear la atmósfera que rodea a toda la película. Una atmósfera muy similar a Sleepy Hollow de Tim Burton (sólo hay que ver la escena donde Arthur se despide de su hijo en la puerta de su casa o el ático donde abre la película. Que bien le hubiese venido a La mujer de negro rodarla en blanco y negro, verdad?.). Tanto la de Burton como esta son un homenaje a clásicos producidos por la Hammer como Drácula, Frankenstein o La Momia en donde un alo de irrealidad baña a toda la cinta. En este caso que nos ocupa el homenaje es clarísimo en cuanto que la productora que está detrás del proyecto es la propia Hammer.

   El guión se mueve dentro del género que podríamos llamar “casas encantadas”. En este sentido no aporta nada nuevo a lo ya visto pero lo hace bien, con una realización bastante convencional pero acorde a lo que se cuenta, dosifica bien el suspense (creo que en esto ayuda mucho las localizaciones que se han escogido entre las que destaco por su belleza a la par que un tanto surrealista la carretera que une el pueblo con la casa), el ritmo reconozco que tal vez es algo lento para este género, cercano más al cine europeo que el americano, y predomina más el silencio que el diálogo pero todo va acorde con esos paisajes gélidos donde se nos narra la historia. Es una cinta donde predomina más los momentos carentes de música que sólo entra en momentos muy puntuales, recurso que ayuda a que la tensión vaya in crescendo, pero sobre todo, y esto le veo un logro con respecto a los muchos títulos que pasan por las carteleras y que me dejan indiferente, hay escenas de miedo muy bien conseguidas. En definitiva, es una cinta cuidada, con cierto nivel.

   Pero cual es la sorpresa cuando veo todo tan cuidado, me he pegado un par de sustillos mu majos contempla la forma de concluir la historia. No hablamos de un final malo o inverosímil, porque no lo es, es un final insulso, insípido. Es lógico, pero a la vez te quedas sin saber que pensar. Me parece que todo lo que va sembrando con buenas intenciones a lo largo de la hora y media de duración se desinfla provocando que el espectador no sepa inclinarse entre “me han tomado el pelo” o “Vale!, me gusta….”. Decidlo vosotros. Si os sirve de consuelo escribo esta líneas habiendo dejado un par de días desde su visionado para reflexionar y sigo pensando lo mismo…

F.J

   Hay títulos que tal vez no aporten al género pero sirven para que el público descubra nuevos talentos y echen un vistazo a su filmografía. Esto es lo que ofrece "El Invitado" del sueco Daniel Espinosa (Dinero fácil), un thriller con espías, secretos, novatos, malos, menos malos, chips subcutáneos pero todo ello de factura impecable y que sirve como carta de presentación al gran público de este joven que aún tiene mucho que decir. Denzel Washington (Training Day, El Mensajero del Miedo) en un papel ambiguo que tanto le gusta y Ryan Reynolds (Buried, Linterna Verde) que tras un extenso casting logró hacerse con el papel son sus protagonistas.

   Denzel lleva años haciendo de Denzel. O bien de bueno, buenazo como el caso de "Asalto al Pelham 1,2,3" o con tonos grises como "Training Day", papel que le dio su merecido Oscar. El caso que nos ocupa estaría en el segundo tipo. Pese a no arriesgar, el carisma de este actor frente a la cámara es innegable de ahí que para darle la réplica en su último trabajo pasaran actores como Sam Worthington (Avatar), Shia LaBeouf (Transformers), James McAvoy (Wanted) o Tom Hardy (Origen). Se necesita de un actor que no sea arroyado por Washington. Ryan Reynolds me parece un decisión acertada como agente de CIA novato que desea que su trabajo sea reconocido y ahora se le presenta la oportunidad. Vera Farmiga (Up in the Air), Brendan Gleeson (Escondidos en Brujas) y el mítico Sam Shepard (Elegidos para la Gloria) cumplen bien el rol de secundarios.

   Una cinta de acción con un director virtuoso rodeado por Oliver Wood (Saga de Bourne) con una fotografía granulada donde se busca quemar la luz y un uso correctísimo de la cámara semi documental, Richard Pearson (United 93, Iron Man 2) con la ruptura espacio/temporal que consigue gracias a la estupenda edición (recordemos que tiene en su haber un BAFTA y nominación al Oscar), y el soundtrack de Ramin Djawadi (Prison Break, Furia de Titanes) es complicado que el espectador no entre de lleno en la acción que bebe de la nueva tendencia del cine de acción iniciada por el inglés Paul Greengrass con "El Mito de Bourne". Sencillamente impresionantes son por ejemplo el ataque al piso franco con persecución incluida o el tiroteo nocturno en las chavolas que recuerda a la cinta de Greengrass, "Green Zone". El resto del guión escrito por David Guggenheim (en breve estrena "Stolen" con el gran Nicolas Cage (La Roca, Bajo amenaza)), juega a la premisa de "me han traicionado y debo averiguar quien". Lo que tardéis en acertar es cosa vuestra.

   Una cinta de una calidad que destaca por encima de la media. Un producto de consumo rápido y muy entretenido para los amantes y no tan amantes del corre que te pillo.

F.J