Un Papa Noel bastante peculiar (Alec Baldwin), el hada de los dientes (Isla Fisher), El conejo de pascua (Hugh Jackman), Jack Escarcha (Chris Pine) y el creador de sueños son los guardianes, encargados de proteger a los niños de la tierra. La existencia de los guardianes depende de que los niños crean en ellos. Cada uno de los guardianes está dotados con determinados poderes que deberán utilizar cuando aparezca Sombra (Jude Law) cuyo poder nace de los miedos de los más peques.

   “El origen de los guardianes” se trata de la adaptación que se hace la serie de libros “The guardians of Childhood” de William Joyce publicados en 2011. David Lindsay- Abaire (Robots, corazón de tinta) junto al propio Joyce escriben una historia que sorprende por su ritmo trepidante, fresco, divertido y ágil, que puede estar fácilmente a la altura de “Como entrenar a tu dragón” (ambos títulos pertenecen a la casa Dreamworks siendo de lo mejor que he visto en película de animación en los últimos años), producida por el mejicano Guillermo del Toro (El laberinto de fauno, Mimic, Cronos) y que sabe conjugar perfectamente el cine que gusta a los más pequeños con un autentico divertimento para los más mayores.

   Si uno observa la filmografía de Guillermo del Toro observa que su tendón de Aquiles es la fantasía, poblado por personajes extraídos de una mente desbordada de imaginación pero todo ello a la vez parte de una realidad tangible: Cronos, Mimic, Hellboy, Blade 2, El laberinto del fauno, No tengas miedo a la oscuridad (productor)… y aquí ocurre lo mismo. Realidad y fantasía se funden en una historia que avanza de manera sensacional. Además, el cine de Del Toro puntualmente se deja llevar por tintes de lo macabro que si se extrapola a esta película infantil llama la atención que aunque nos encontramos con una cinta destinado a un público muy claro, la atmósfera en determinadas ocasiones es puramente expresionista (fabulosa esa escena en la que Jack acude a la guarida de Sombra y sólo le vemos a través su sombra). Una cierta desautomatización del género. También me parece una genialidad como trata temas como el de la muerte con ejemplos que desgraciadamente no puedo poner debido a los spoilers pero que los adultos se darán cuenta cuando lo vean. Por todo esto no es de extrañar que Guillermo haya querido inmiscuirse en esta producción.

   Curtido en el departamento de arte en títulos como “Men in Black”, “Independence Day” o “A.I Inteligencia artificial” o director de segunda unidad en “Godzilla”, este título supone el debut en la dirección de Peter Ramsey. ¡Vaya debut!. El ritmo con el que son encadenadas las secuencias se ve agudizado aún más con el juego que se le da a la cámara donde se opta por extensas tomas donde apenas se corta en lugar del plano y el contraplano, un uso bastante correcto de la tercera dimensión que juega con la climatología (nieves, partículas…) aunque también se trabaja la profundidad siendo la sensación bastante gratificante, elaboradas secuencia como la competición por recoger los dientes (impagable lo del Ratoncito Pérez) y por supuesto la banda sonora que compone el nominado cuatro veces al Oscar Alexandre Desplat (El discurso del rey, Fantástico Sr. Fox).

   Aunque la película fue proyectada doblada se agradece en primer lugar que no hayan cogido “famosos” que suplan las voces originales y que en su gran mayoría la calidad deja mucho que desear. También se agradece que en el caso de el conejo de pascua (en la versión original pone la voz Hugh Jackman) se haya optado por usar al doblador que suele poner la voz a Jackman. Los mas exquisitos en que se respete el trabajo de origen lo van a agradecer.

   “El origen de los guardianes” pega el pistoletazo de la salida a la fiestas navideñas y lo hace con fuerza. Desde aquí, una película que no debéis dejar pasar.

   En 1996 el guionista de origen hindú, Paul Laverty (El viento de agita la cebada, También la lluvia) escribía el primer guión para el inglés Ken Loach (Route Irish, Kes), “La canción de Carla”, y con mayor o menor acierto la relación se ha mantenido hasta hoy. El cine que nos suelen entregar este tandem se caracteriza en su mayoría por unas historias cargadas o bien de denuncia social o de cierto compromiso con personajes marginales. No se si llamarlo genialidad, adjetivo tan vez algo superlativo, pero lo que si se agradece como espectador es que el nuevo trabajo de Loach, premio del jurado en el último Festival de Cannes, aparte de esa denuncia/compromiso social, esta impregnado de humor, personajes realmente entrañables a la par que humanos. Brisa de aire fresco el filmografía de este director.

   La historia presenta un grupo de jóvenes que por diferentes motivos deben realizar trabajos sociales. Harry, el cuidador designado, siente especial devoción por Robbie, que acaba de ser padre, y comienza a instruir a los jóvenes en el arte de catar y valorar…whisky.

   Para “La parte de los ángeles” se ha optado, y en mi opinión de manera acertada, por trabajar con actores prácticamente desconocidos. La película habla de la integración social y como esto en determinadas ocasiones se complica cuando uno arrastra el pasado. Esto lo vemos a través del joven Paul Brannigan, siendo este su debut, que interpreta a un chaval que acaba de ser padre y quiere hacer borrón y cuenta nueva para dar el mejor futuro posible a su hijo. El hecho de que tanto él como la mayoría del reparto sea desconocido creo que ayuda a dar una cierta universalidad a la historia que se cuenta, ayuda a una identificación del espectador. Pero dentro de esta historia de personajes marginales subyace un humor basado sobre todo en unos personajes cada cual más peculiar. Un humor basado no tanto en el gag visual sino en la situación y el dialogo. Un humor que ayuda a quitar peso al drama que de por sí tinta a la película, con una fotografía en donde apenas vemos rallos del sol, y que a uno le hace salir con buen pie de la sala.

   Cuando un proyecto lleva en su cartel los nombres de estrellas en ciernes como Bradley Cooper (El equipo A, Resacón en Las Vegas, Sin límites), Zoe Saldana (Avatar, Colombiana) y Olivia Wilde (In time, Tron legacy, Cowboys & Aliens); y de estrellas consagradas como Jeremy Irons (Dragones y mazmorras, M. Butterfly, El misterio Von Bulow, La caja china), Dennis Quaid (Lejos del cielo, Gran bola de fuego, Frequency) y JK Simmons (Young adult, Quemar después de leer; saga Spiderman), lo que se espera de ella suele ser una buena película en la que depositas unas altas expectativas.

   Los noveles directores Brian Klugman y Lee Sternthal (tienen en su haber el guion de Tron legacy) han logrado reunir a este espectacular reparto para una película dividida en tres historias (el guion también está a cargo de Klugman y Sternhal), en la que un escritor de éxito  narra la historia de un escritor fracasado que tiene la fortuna de encontrar un manuscrito. Lo publica como suyo y obtiene un éxito espectacular que lo convierte en uno de los mejores escritores de su tiempo. El autor del manuscrito resulta ser un anciano que lo escribió durante su juventud, cuando estuvo destinado en París tras la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), época en la que encontró al amor de su vida.

   Partiendo de que la premisa no es demasiado original, sólo nos queda que lo original sea el planteamiento y la forma de contarnos las cosas; pero la poca destreza de los directores (inexperiencia obviamente) hace que durante todo el metraje las historias se entrecrucen sin un equilibrio, que es capital en este tipo de películas corales, que hace que el espectador no se pierda en la trama, pero si que pierda interés en parte de ella. Un desequilibrio que, además, deja en evidencia lo que cada vez más obvio: Bradley Cooper es un actor demasiado limitado para llevar el peso de una producción de estas características.

   Cooper interpreta permanentemente el mismo personaje y papel (en muchos momentos no se sabría decir si lo que se ve en pantalla es El ladrón de palabras o Sin límites o Qué les pasa a los hombres…) lo que acentúa más aún el desequilibrio entre las historias. Además, si como compañeros de reparto tienes a un excepcional Jeremy Irons y a un resultón Dennis Quaid, pues la película se queda en un curioso quiero y no puedo que te hace pensar que habría podido salir de manos de otro director una propuesta de estas características.

   Poco tiene que ver la Isla de Bastoy que hoy día conocemos con la que esta película nos muestra. Si retrocedemos en el tiempo podemos pasar de la maravillosa cárcel ecológica, de la que aseguran “no querer escapar nunca”, a un correccional dirigido por un déspota. Y es que no podemos olvidar que, La isla de los Olvidados, está basada en unos escalofriantes hechos reales.

  
   Si bien la idea principal de la película no resulta una idea original y/o nueva, al igual que los personajes están algo estereotipados (típico chico rebelde o duro y estricto director), el buen trabajo de profesionales como, Stellan Skarsgård (Los Vengadores, Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres, Los fantasmas de Goya), Benjamin Helstad (serie Angel) y Trond Nilssen (Sons of Norway) otorga la calidad y el atractivo del film.

  
   Otro punto a destacar es la “elegante” dirección de Marius Holst (Cross My Heart and Hope to Die, Libélula) ya que pese a tratar un tema tan duro y deshumano, no abusa en ningún momento de escenas desagradables y explícitas no aptas para susceptibles. Holst dota a la película de un alma y una integridad que llena la pantalla haciendo muy buen uso de los silencios y los paisajes exteriores fríos y nevados. La excelente partitura de Johan Söderqvist (Déjame entrar, En un mundo mejor) ambienta las gélidas y duras escenas, completando así una película más que interesante.

  
   Una película bastante recomendable incluso para aquellos escépticos del cine noruego poco comercial.

   El desconocido, en nuestra cartelera, director francés Bertrand Bonello (De la guerre, Tiresia) realiza un plástico ejercicio de dirección en ésta película, en la que nos muestra las vivencias, problemas, sensaciones, sueños y pesadillas de un grupo de mujeres que trabajan en un burdel de principios del siglo XX.

   Usando una narración partida, que pienso perjudica el conjunto de la película, pero que cumple su función en determinados momentos (como en el que una de las prostitutas es marcada para el resto de sus días), Bonello sabe rodearse de grandes actrices, entre las que destaca Hafsia Herzi (La fuente de las mujeres), para recrear el ambiente que se viviría en este tipo de locales de principios de siglo. A esto ayuda la excelente ambientación de manos de Alain Guffroy (Indochina, Chèri) y la preciosista fotografía de Josée Deshaies (Yuki & Nina).

   La película falla en su conjunto por un simplista guion (también obra de Bonello), que si bien describe, e indaga en los miedos y la personalidad de cada personaje de una manera bastante creíble, no profundiza más allá y se queda a medio camino entre una posible crítica social y un ejercicio de voyeurismo.

   Un director muy a tener en cuenta por como es capaz de plasmar determinadas secuencias y la forma en la que trata a los personajes que invaden su historia. Una oportunidad para abrir la mente y darle una oportunidad a otro tipo de cinematografía algo más elitista y sesuda de la que invade nuestras carteleras.

   El próximo viernes ocho de junio aterriza en nuestra cartelera una comedia francesa con mucho sabor español, ya que en el reparto encontramos nada más y nada menos que a seis grandes actrices: Carmen Maura, Natalia Verbeke, Lola Dueñas, Concha Galán, Berta Ojea y Nuria Solé. Eso sí, todo lo demás lo pone Francia.

   La dirección corre a cargo de Philipe Le Guay que además escribe el guión junto a Jérôme Tonnerre (Un corazón en invierno, Confidencias muy íntimas). Los otros dos protagonistas, Fabrice Luchini (Las aventuras amorosas del joven Molière) y Sandrine Kimberlain (Polisse) no se quedan atrás y ayudan a que esta película casi coral funcione como la seda.

   La cinta está llena de tópicos españoles pero contados con mucha naturalidad y sobre todo con mucha gracia. Si aquí ya estamos cansados de que se nos conozca por la paella, el vino, el baile, el cante, la fiesta y la pasión de las españolas… Philipe Le Guay consigue que todo esto sea la alegría que inunde la vida de Jean-Louis y a la vez, de los espectadores haciendo que pasemos un buen rato y nos riamos de nuestros propios tópicos.

   El guión es muy sencillo, pero todo lo que tiene de sencillo lo tiene de efectivo. Los diálogos están muy bien escritos y la comicidad puesta en el lugar perfecto de la situación. Una bonita historia de amor, bien dirigida y bien interpretada. El conjunto funciona, está bien encajada y ningún elemento desentona. Quisiera destacar la música del compositor chileno Jorge Arriagada. Mezclando las dos culturas consigue ritmos flamencos que nos dan ganas de bailar. El vestuario de Christian Gasc (Adiós a la Reina) y la fotografía de Jean-Claude Larrieu (Elegy, Paris Je t‘aime, Mi vida sin mi) merecen mucho la pena.

   Como curiosidades destacar que Carmen Maura recibió el premio César a la Mejor Actriz de Reparto. Pero la interpretación de Natalia Verbeke y sobre todo del actor Fabrice Luchini, bien podrían haber sido reconocidas.

CRISTINA VARO (@Cris_varo) 

   No es ni la primera vez, ni seguramente será la última, que una producción de cine es financiada, directa o indirectamente, por su gobierno para dar una determinada imagen del país. El caso más recordado es la película realizada en 1986 Top Gun (Tony Scott) y que hizo que miles de jóvenes quisieran alistarse en la marina para poder combatir a los mandos de un caza F-14.

   Acto de valor es muy similar a la película protagonizada por Tom Cruise (La era del rock, Magnolia) pero con la diferencia de que no está rodada por un genio como Scott (El fuego de la venganza, Spy game, El último boy scout) ni producida por el señor Jerry Bruckheimer (Saga Transformers, Saga Piratas del Caribe, Saga Superdetective en Hollywood). Esta película está mucho más cerca de producciones menores con base artística en videojuegos del estilo de Call of Duty o Battlefield. Con una importante diferencia: aquí los actores son marines de verdad y lo que sucede en pantalla, en principio, son acciones reales, actos reales de valor (en teoría el equipo de la película es el mismo, o muy similar, a los que llevaron a cabo la captura de Osama Bin Laden).

   Para dirigir éste panfleto de reclutamiento se ha optado por dos directores noveles, aunque con experiencia en el documental, como son Mike McCoy y Scott Waugh (Navy SWCC). Éste es el primer y gran error de la producción, ya que hay determinados momentos en los que la narrativa que tiene la película es inexistente (el confuso comienzo), por lo que por mucho que las imágenes de los marines que se nos muestran sean espectaculares, la idea y el concepto del film pierde interés en el momento en el que no están luchando.

   Por otra parte, hay que reconocer que la película tiene momentos brillantemente construidos como el asalto y rescate de una colaboradora de la CIA por parte de los protagonistas o el abordaje de un barco en el que se encuentra uno de los aliados de los terroristas. Pero esos, pocos, brillantes momentos se pierden entre el aluvión de diálogos infames, secuencias de compañerismo impostadas y edulcoradas, la horrible voz en off que guía la historia, etc…que son los que construyen y llenan las casi dos horas de película.

   Una película que a los fans de lo bélico (tanto en películas, en videojuegos o en la vida real) les fascinará por lo que muestra de real (aunque dicho sea que excepto un par de momentos como el del rescate antes comentado, no hay nada en la película que me haga pensar que Cuando éramos soldados o Black Hawk Derribado no sean grandes traslaciones del mundo militar a la pantalla y mucho mejor rodadas). Una película que entiende su existencia en las fronteras de EE.UU. y que no deja de ser una curiosidad fuera de ellas.

ISRAEL LÓPEZ (@Isra_l) 

   Julianne Moore (Magnolia, Vidas cruzadas, Sobrevivir a Picasso) es probablemente una de las diez mejores actrices de la historia del cine, por ello se le perdonan determinados deslices a la hora de aceptar determinados papeles como éste que tratamos. Todas sus actuaciones tienen un poso de naturalidad y realismo difícilmente conseguible por otra actriz y sólo igualable por monstruos de la talla de Meryl Street, Bette Davis, Joan Crawford o Katharine Hepburn. Sólo por ella merece la pena darle una oportunidad a la película.

   La sombra de los otros ha tardado dos años en llegar a nuestra cartelera (y viendo el resultado no se entiende muy bien el motivo) por lo que los directores de la película Marlind & Stein ya han estrenado en nuestras pantallas su segunda gran incursión en el cine de Hollywood, Underworld: el despertar. En éste caso plasman, con buen pulso, un irregular guion de Michael Cooney (el cual mantiene determinados hilos conductores con sus anteriores trabajos El despertar y la notable Identidad) que funciona mejor en la primera mitad como drama psicológico que en la segunda como thriller.

   Como protagonista masculino está el guapo Jonathan Rhys Meyers (el cual como no comience a centrarse en su labor como actor va a echarse a perder como tantos otros jóvenes actores con mucho talento y poco cerebro) que deja los ropajes de la serie Los Tudor para convertirse en un paciente con problemas de identidad y eje de casi toda la trama de la película.

   Pese al tiempo que ha tardado en estrenarse en nuestro país La sombra de los otros es una entretenida película por encima de otras memeces que se estrenan de éste estilo y que pretenden ser de género cuando en realidad no son más que copias de miles de ideas ya vistas. Aunque no demasiado, en este caso la premisa es original y cuenta con buenos actores.

ISRAEL LÓPEZ (@Isra_l) 

   Película de suspense y venganzas con reminiscencias de la guerra fría, protagonizada por un sexagenario Richard Gere y un cada vez más soso Topher Grace.

   El guionista Michael Brandt (El tren de las 3:10, Wanted: se busca) debuta en la dirección de largometrajes con éste film de caza al asesino que contiene cierto tufillo a las películas de los años ochenta protagonizadas por los Segal, Van Damme, Norris…(sin un ápice de crítica, sólo como dato puesto que entre aquellas se encuentran auténticos clásicos). Brandt defrauda, tanto como director, con un trabajo completamente plano y aséptico, pero mucho más como guionista. La intriga ha sido mil veces vista, los personajes están desarrollados (Gere hace lo que puede con lo que le dan, pero es que lo de Grace es absolutamente inverosímil) y para más inri el giro final se deduce en los veinte primeros minutos.

   El peso de la película recae en un autómata Gere (creo que es mucho mejor actor de lo que la mayoría de sus películas demuestran) que se limita a pasearse frente a la cámara, en el breve cameo de Martin Sheen y en el poco carisma que manifiesta Topher Grace (en la serie Aquellos maravillosos ´70 es en el único momento en el que ha demostrado algo este chico). Aunque para mí lo más destacable de la película es la preciosa Odette Annable (Monstruoso, La semilla del mal) que pese a tener un papel excesivamente corto siempre contará con mi simpatía por la naturalidad con la afronta todos los personajes (casi como el señor Grace, ejem, ejem…).

ISRAEL LÓPEZ
 

   Dejemos de lado el típico comentario que se suele escuchar cuando estamos ante una película de estas características: “Vaya, otra más sobre la Guerra Civil española”. Y lo dejamos de lado porque no se trata de eso, menos mal, sino de “Otra película más sobre la Posguerra española” Sí, volvemos a las andadas. Desde las últimas incorporaciones a la videoteca de nuestro país sobre el tema de la posguerra, encontramos “Pan Negro” o “La Voz Dormida” (ambas con un gran número de premios Goya). Y este año ya tenemos la última en unirse a la lista.

  Andalucía, años cincuenta. Enrique y Carmen, que acaban de conocerse, se enamoran profundamente. Carmen consigue que su novio se quede a prestar el servicio militar en un juzgado de la ciudad. Enrique, a la vista de las injusticias que presencia cada día, se da cuenta de que para cambiar el rumbo de las cosas tiene que actuar. Pronto se verá involucrado en arriesgadas acciones que pondrán en peligro su vida y la de sus compañeros.

   Recién estrenada en el festival de Málaga, la nueva creación de Imanol Uribe (La carta Esférica, El viaje de Carol, Días contados) llegará a los cines el próximo 18 de Mayo. El guión corre a cargo de Remedios Crespo Casado, ganadora del VI Premio SGAE de Guión Julio Alejandro en el 2009.

   El primer contraste importante lo encontramos en los actores. Interpretaciones fantásticas por parte de todos menos de los jóvenes protagonistas. Iban Garate y Blanca Suárez carecen de química en escena. No hay una conexión entre ellos, cada uno va por su lado. De hecho, la historia de amor entre los secundarios es más interesante que la principal. El peso de la película recae sobre él (ella casi es secundaria) y no termina de conectar ni convencer, no transmite nada. Da la sensación de que este papel le viene grande. Por otro lado, Karra Elejalde (También la Lluvia, Biutiful) está sublime interpretando a Don Eladio. Carlos Santos (El Perfecto Desconocido, Fuga de Cerebros) es, sin ninguna duda, una de las mejores actuaciones del film. Eduard Fernández lo borda y Ángela Molina, con una colaboración de poco más de cinco minutos, se come la pantalla. El resto de secundarios están acorde con los principales. Personajes intensos, con mucha fuerza, y lo más importante, creíbles. Superan incluso a los protagonistas y aquí tenemos el problema.

   Imanol Uribe realiza un excelente trabajo de dirección acompañado por el director de fotografía Gonzalo F. Berridi, con el que ya trabajó en “El Viaje de Carol”, “Plenilunio” y “Extraños”. Juntos consiguen una composición perfecta que unido al vestuario, diseño de producción y dirección artística, otorgan a la cinta una gran calidad técnica y estética. Mención aparte merece la música de Nuno Malo, fantástica.

   Otro de los errores que puede tener la película lo encontramos en el guión. Tiene momentos muy brillantes pero falla en lo más importante, en el clímax. Se resuelve muy rápido y deja con el siguiente pensamiento: “¿Ya, así termina?, ¿así es como lo soluciona?”. La historia previa te prepara para algo más espectacular. Todo el trabajo de elaboración del guión de la hora y media anterior lo resuelve de forma demasiado simple para lo que se estaba gestando.

   En resumen, las cuatro cosas que en mi opinión no hacen que estemos hablando de una gran película son: las interpretaciones desiguales, el desarrollo de los personajes protagonistas y el guión. Desde mi punto de vista, estamos ante un proyecto que lo tenía todo para ser una muy buena película, pero que se ha quedado a medio camino.

CRISTINA VARO (@Cris_varo)
 

   En plena campaña electoral del presidente francés Nicolas Sarkozy llega a los cines un biopic sobre su vida desde el momento en el que es nombrado por el anterior presidente Jacques Chirac, ministro del interior. A partir de ahí, nos irá descubriendo los pasos por los que tuvo que atravesar para ser elegido presidente de la República francesa.

   Atendiendo al momento en el que se estrena, en vez de llamarla “película” podríamos aplicarle el calificativo de campaña de marketing político o reclamo publicitario para sus electores. Aunque viendo la forma en la que queda retratado, también para sus detractores.

   Según parece el propio Sarkozy se negó a ver la cinta. Y no me extraña, no paran de hacer chistes sobre su altura y de recibir improperios por ello y le retratan como un hombre cuya ambición se lleva todo lo que tenga por delante, incluido su matrimonio.

   La historia está contada de forma muy lineal, demasiado plana para un biopic sobre un personaje tan importante de la política mundial. Sin emoción y eso que de por medio, y como trama secundaria, está su divorcio. La actriz que da vida a Cécilia, Florence Pernel es de lo mejor de la película. Sin embargo, el poco parecido del actor con Sarkozy no termina de enganchar, eso sí, el peinado lo clava. 

   Hay un detalle que a mi parecer rompe la poca intensidad que queda de la cinta. En los últimos minutos del film cuando parece que termina se va a negro varias veces y vuelve la imagen con más trama, y así hasta en tres o cuatro ocasiones, lo que alarga el final y lo rompe, haciendo que nos preguntemos si en la próxima irá la vencida.

   Sinceramente no creo que la película tenga una buena taquilla en nuestro país, primero porque no es buena, segundo por que últimamente desde Francia, y en concreto desde el propio presidente, no ha dejado muy buenos comentarios sobre España y tercero porque no creo que interese al público español. Pero bueno, eso ya son conjeturas mías y habrá que esperar a este viernes para ver lo que ocurre.

CRISTINA VARO (@Cris_varo) 
 

   Brad Pitt (Seven, Leyendas de Pasión) en la fantástica “Moneyball” decía la siguiente frase que resume la trama de dicha película: “Renovarse o morir”. Esto debe ser lo que pensaron los productores de “Furia de titanes” cuando a pesar de las malas críticas que recibió, tanto por su acabado en 3D como de guión, decidieron dar luz verdes a su secuela. Tal vez los 500 millones que recaudó ayudo a tomar esta decisión. La cuestión es que han renovado a casi todo el equipo técnico, y algún que otro actor, para intentar tapar los agujeros que tenía la primera entrega y ofrecer un producto al menos decente. Louis Leterrier (El increíble Hulk) lo sustituye Jonathan Liebesman (La matanza de Texas: el origen, Invasión a la tierra) y se opta por ceder el guión al debutante Dan Mazeau y David Johnson (La huérfana, The Walking dead) que ofrecen una historia más sencilla pero más directa, mejor enlazada y sobre más entretenida.

   Hades (Ralph Fiennes) está desterrado en el inframundo y los dioses cada vez pierden más fuerza porque la gente ha dejado de creer en ellos. Hades junto a Ares llegan a un acuerdo con Kronos, encerrado en monte Tártaro, para ser liberado y juntos dominar la tierra.

   Estoy de acuerdo. La historia se parece en muchos puntos a la curiosa “Immortals”. Que si los titanes, que si el Tártaro, que si querer liberarlos…totalmente de acuerdo. Pero me gusta que la historia comience prácticamente en el minuto uno y que todo se reduzca a una misión de rescate encabezada por Perseo y una pequeña compañía. En esta entrega las tramas se han reducido prácticamente a una, los personajes también, reduciendo los principales tres o cuatro y sobre todo las diversas escenas donde aparecen extrañas criaturas mitológicas están bien enlazadas e insertadas dentro de la historia al contrario que pasaba en la primera entrega que el empaque era bastante defectuoso. Liebeman es un director que en su último trabajo, Invasión a la tierra, demostró que sabe ofrecer un producto bastante decente en cuanto a espectacularidad/guión se refiere (el año que viene dirigirá la nueva película de las Tortugas Ninja producida por Michael Bay) y aquí vuelve a hacer gala de su buen hacer con escenas como el ataque de las quimeras, cíclopes o el espectacular clímax como broche final cosa que al contrario que en Furia lo despachaba en apenas unos segundos.  

 
   Lo único que a mi me sigue sin funcionar es la caracterización que ofrecen Liam Neeson (Infierno blanco, Sin identidad) como Zeus, Ralph Fiennes (El jardinero fiel, Harry Potter) como Hades, Danny Huston (Hijo de los hombres, Lobezno) como Poseidón y muchísimo menos a Édgar Ramírez (Domino) como Ares todos ellos envueltos en unas barbas y cabellos excesivamente falsos. Gracias a Dios que ahora las armaduras no llevan esa brillantina al estilo "Caballeros del zodiaco". Sobre Sam Worthington (Avatar, Al borde del abismo) creo que “Furia de titanes” fue la respuesta a si este actor puede soportar el peso de una película y esta es su confirmación, desgraciadamente no.