Una vuelta a los barrios marginales habitados por personajes marginales. Esto es lo que vuelve a propone el director Tony Kaye después de que en 1998 rodase su título más emblemático, “American History X”, donde consiguió una nominación al Oscar para Edward Norton (El club de la lucha, Las dos cara de la verdad) así como lograr una notable interpretación del olvidado Edward Furlong (Terminador 2). Esta cinta y ahora “El profesor” toman como marco de actuación personajes extremos en situaciones extremas y que Tony demuestra un dominio absoluto.

   Un instituto cualquier en una ciudad cualquiera. Henry Barthes, al que da vida Adrien Brody (El pianista, Hollywoodland, Midnight in Paris), interpreta a un profesor suplente que acude para cubrir una vacante por un breve periodo de tiempo. A través de sus ojos somos testigos de las múltiples situaciones que pueden ocurrir dentro y fuera de esas paredes.

   El guión que escribe el debutante Carl Lund toma la forma de falso reportaje. Sus diálogos y situaciones respiran veracidad. Esta escrito de tal manera que da pie a que tanto actores principales como secundarios tengan sus escenas destacables o en algún caso enmarcables. Empezando por Adrien brody, un tanto olvidado desde que ganase el Oscar en 2002 por “El pianista”, regalando escenas como las del asilo o ese abrazo final a una alumna totalmente hundida que demuestran porque uno es merecedor de la preciada estatuilla. James Caan (El padrino, Misery) posee una única escena que consiste en diálogo tutor/alumna pero dificilmente olvidable. Marcia Gay Harden (La niebla, Mystic River), Christina Hendricks (Drive, Mad men) o Tim Blake Nelson (O Brother, Minority Report). La única capaz de compensar la balanza con respecto a la actuación de Brody es la jovencísima Sami Gayle (Contrarreloj) gracias a la construcción de un personaje que ayuda a crear una deliciosa trama paterno-filial muy similar a la de “León, el profesional”.

   Acostumbrado a conjugar las funciones de director/director de fotografía Kaye no sólo se apoya en un libreto que mediante testimonios a cámara finge ser un documento real. La cámara también favorece esa sensación mediante el uso de una fotografía que busca una luz realista, sin artificios, el uso de un zoom exacerbado y un inteligente uso del gran angular para aislar aún más a los personajes primero dentro de la historia y después entre sí. Por último, aunque la cinta se mueve en el terreno de lo real, esto se rompe en determinadas ocasiones con la inserción de fragmentos del pasado que otorgan a la escena un cierto lirismo.

   No nos encontramos ante una película más de “profesor suplente”. Es una cinta inteligente que si bien es cierto que se le puede achacar el hecho de utilizar excesivos blancos y negros con carencia de grises me parece que las interpretaciones/situaciones logradas aquí logran fácilmente atrapar al espectador y éste lo va a agradecer.

   De cara a la, americana, fiesta de Halloween Sony nos trae un producto enfocado al público infantil y al no tan infantil. Si bien la película funciona muy bien como película para los más pequeños de la casa (aunque no para los pequeñitos…) hará las delicias de los adultos con algún tipo de recuerdo o afición al cine de terror clásico. Aquí es en donde el guion de Peter Baynham (Bruno, Borat, serie Friday Night) y Robert Smigel (Zohan, Saturday Night live) exprime lo mejor de la idea de Todd Durham, Dan Hageman y Kevin Hageman (ambos escritores de la serie Ninjago y en la preproducción de una película sobre los juguetes Lego) y juega con todos los típicos tópicos del cine de terror, haciéndonos ver que no hay que tener miedo a ser diferentes, puesto que en esa diferencia radica nuestra esencia y nos hace únicos y especiales.

   El director Genndy Tartakovsky (series The Clon Wars, Las supernenas, El laboratorio de Dexter) juega muy bien con esos tópicos y realiza una película amena y divertida sin caer en la ñoñería de otras películas infantiles. Si bien no se logra la caidad artística y técnica de las películas Pixar, si que está por encima de la media de las “otras” producciones infantiles.

   Como es habitual en este tipo de producciones lo más granado de la cómica norteamericana presta su voz, y sus rasgos, para crear los personajes principales. En esta ocasión tenemos como Drácula a Adam Sandler/Santiago Segura, como Jonathan a Andy Samberg/Dani Martínez, como Mavis a Selena Gómez/Clara Lago, como Frankenstein a Kevin James/Mario Vaquerizo y como Wanda a Molly Shannon/Alaska.  El doblaje hace que se pierda parte de la interpretación original de la cinta, pero también la acerca al público medio que entenderá mucho mejor los chistes y las gracias “españolizados”.

   Una agradable propuesta para ver en familia y humanizar los monstruos que de pequeño nos crearon tantos miedos y pesadillas.

   Andrew Dominik brinda al espectador su tercer trabajo, en doce años, tras la notable Chopper (con un excelente Eric Bana) y la magnífica El asesinato de Jesse James por el cobarde de Robert Ford (en la que también participaba Brad Pitt).

   Dominik tiene un pulso narrativo peculiar, directo, frío, preciso (incluso a veces distante), en el que muestra de manera sobria y soberbia el contexto en el que se mueven los personajes de sus películas. Sumerge al espectador en la trama de manera calculada y quirúrgica mediante un hábil manejo de la cámara y una, a veces, complicada estructura de muchas de las secuencias…Pero hay veces que ese calculado “voyerismo” se torna tan brutal que está impostado en la historia, sobresale por encima de ella y le arrebata protagonismo. Éste es uno de esos casos y hace a la película perder fuerza ya que el director plaga la pantalla de personajes, situaciones, escenarios….y no determina (hasta bien entrada la película) el papel y el protagonismo que tienen cada uno de ellos en la historia.

   Este exceso de verborrea de imágenes, unido a un guion “mejorable” por la originalidad de la trama sobre todo (recuerdo la maravillosa Antes que el diablo sepas que has muerto que con poquito más, hacía mucho más) escrito por el propio Dominik y adaptando una novela de George Higgins, forma un producto complicado de vender y sobretodo de hacer creer al espectador (medio).

   La parte interpretativa es donde la película eleva su nivel de manera exponencial al contar con intérpretes tan consagrados como Ray Liotta (Uno de los nuestros, Identidad, Narc), Richard Jenkins (The visitor, Hermanos por pelotas, El núcleo) James Gandolfini (La genial Los soprano, The mexican, Asesinato en 8mm). Pero obviamente domina la película (irrumpiendo en pantalla a ritmo de Johnny Cash) Brad Pitt (El río de la vida, Una rubia entre dos mundos, Spy game), en un papel que demuestra, una vez más, que es una bestia interpretativa, y que le permite desarrollar su faceta menos comercial y en donde él más a gusto se siente.

   Después de ver la película la sensación que me ha quedado es que es como un gran vino de una añada excelente, que por determinados elementos no llega a ser todo lo que debería ser, pese a contener todos los elementos necesarios. Pese a todo es una propuesta excelente que trata al espectador como adulto y que le propone un arriesgado juego de violencia y moralidad mostrándole una realidad económica paralela a la que la mayoría de la gente tenemos. Imprescindible, pero claramente mejorable.

   A estas alturas a nadie se le escapa que la llamada “saga del hambre”, compuesta por Los juegos del hambre, En llamas y Sinsajo, es un rotundo éxito editorial y cinematográfico a nivel mundial. Es una novela dirigida a un público juvenil/adulto, ávido de las emociones que otras sagas literarias como Crépúsculo o Harry Potter les ha brindado años atrás (y los productores ávidos de un éxito de esas dimensiones). La novela (y la película, obviamente) es de género distópico (sitúa la acción en un mundo futuro imaginario, en oposición a cualquier tipo de sociedad utópica imaginable) y de ciencia ficción, que mezclado con un impredecible triángulo amoroso (como clara referencia a la saga) hace las delicias de los adolescentes…y no tan adolescentes, que han leído la novela y vean la cinta.

   A priori, es chocante la elección de un director como Gary Ross (Seabiscuit, Pleasantville) para trasladar a la pantalla un “producto” como éste. Sobretodo, porque en todos sus trabajos se ha percibido una personalidad que iba mucho más allá de la industria cinematográfica (en catorce años ha dirigido tres películas, aunque también ha producido y escrito en su carrera títulos como El valiente Despereaux y Big) y para nada conforme con los cánones y estándares comunes en Hollywood. Quizá por esta peculiaridad, el resultado de la película es satisfactorio en las formas (excepto por esa dirección sucia de las escenas de acción en las que no te deja apreciar lo que sucede en pantalla), aunque no el fondo.

   Si algo desprenden las novelas de Suzanne Collins es: fuerza y pasión. Viendo la película he tenido la sensación de que aunque tiene mucha fuerza lo que se cuenta (la historia es muy, muy potente) le falta mucha pasión a la hora de narrarlo. La elección de Prim, la hermana de Katniss, como representante del distrito 12 en los juegos del hambre y cómo ésta la sustituye; la relación de la protagonista con la joven Rue (y como termina) o su relación de amor/odio con Peeta….son ejemplos de momentos muy impactantes en la novela, que sin embargo en la película son retratados de una forma más bien distante y fría por Ross.

   Quizá estas percepciones son producidas porque me haya leído los libros y ya tenía formada una idea cinematográfica de lo que debería y cómo debería ser la película sobre esta saga, pero una dirección mucho más “cálida” y cercana, pienso, que hubiera mejorado el resultado final (cinematográficamente hablando, por supuesto, ya que el resultado comercial viendo la recaudación que lleva es prácticamente inmejorable).

   Como adaptación cinematográfica es bastante ejemplar y acertada, ya que Ross con la ayuda de Billy Ray (que con las adaptaciones de El precio de la verdad y La sombra del poder ya demostró un gran talento) y de la propia Collins, ha desentrañado la historia de forma que cupiese en dos horas y veinte de película sin, a priori, dar la sensación en ningún momento de haberse dejado fuera nada importante (y de paso potenciando el papel del presidente Snow en ésta parte de cara a configurar un malo malísimo para la trilogía, un tanto desdibujado en las novelas hasta la parte final) y sin que en ningún momento se tenga la impresión de pesadez.

   La ambientación, la dirección artística y la fotografía de Tom Stern (habitual de Clint Eastwood en películas como Mystic river, Million dollar baby o Gran Torino…) están perfectas en la composición de un futuro apocalíptico en el que predominan los grises y la suciedad en los distritos, frente a la pomposidad y los colores chillones del Capitolio. Pero por otra parte, se produce una exagerada diferencia en la calidad del acabado de los decorados de ambas localizaciones, debido a que mientras que los distritos son recreaciones localizadas en pueblos reales; toda la parte del Capitulo son imágenes hechas mediante ordenador de una ciudad futurista que denota en demasía unos pobres (y probablemente baratos) efectos visuales.

   James Newton Howard (Diamante de sangre, La intérprete) compone una deliciosa partitura que, sin embargo, creo, no está apropiadamente montada en la película. La música no acompaña a la acción en numerosas ocasiones en las que ésta lo pide (sobretodo en los momentos dramáticos), potenciando por otro lado un gran trabajo de edición y montaje de sonido a cargo de Robert Althoff (Malditos bastardos).

   El peso de la película (y mucha culpa de su éxito) recae en un gran elenco de actores, tanto principales como secundarios, en el que se mezclan varias generaciones. Los protagonistas están encarnados por unos magníficos Jennifer Lawrence (nominada al oscar por Winter´s bone y vista en El castor o X-men: nueva generación) y Josh Hutcherson (Viaje al centro de la tierra o Los chicos están bien). Secundándoles (y disfrutando de sus jugosos papeles) están los maravillosos Stanley Tucci (Margin Call, El diablo viste de Prada, La terminal), Woody Harrelson (Bunraku, No es país para viejos, Los blancos no la saben meter), Elizabeth Banks (Los próximos tres días, Barridos por la marea)     y el grandioso Donald Sutherland (MASH, Gente corriente, Klute, Casanova (de Fellini)).

   Aunque las referencias a películas como El señor de las moscas (también basada en una novela, en este caso de William Golding), Perseguido (Running man, película protagonizada por Arnold Schwarzenegger en 1987) y sobre todo Battle Royal (adaptada de una novela que se publicó en 1999) son directas tanto en las novelas como en la película, la mayoría del público potencial de ésta saga no estarán familiarizados con ellos. Y en caso de que lo estén, nunca es un mal momento para pararnos a reflexionar sobre el futuro que nos espera si seguimos actuando como hasta ahora, construyendo puentes hacia la incultura, la incomunicación y primando la involución del individuo, frente al desarrollo cultural e intelectual de la sociedad.

   “La educación es la clave del futuro, la clave del destino del hombre y de su posibilidad de actuar en un mundo mejor” Robert F. Kennedy

ISRAEL LÓPEZ 

   Si no está dirigiendo está produciendo o escribiendo. Así es Luc Besson cuyos trabajos más destacables son “León, el profesional” y “El quinto elemento” pero luego tiene otros proyectos interesantes como “Venganza”, “El beso del dragón”, “Desde Paris con amor” o la reciente “Colombiana”. Le gusta apostar por nuevos directores como Pierre Morel (aconsejo ver de este director la fantástica “Distrito 13”) u Olivier Megaton (Transporter 3) pero como en toda apuesta, unas veces aciertas y otras no. Besson en su último trabajo realiza las funciones de producción y escribe el guión junto a los directores James Mather (director de fotografía hasta ahora en cortometrajes y televisión) y Stephen St. Leger siendo el resultado bastante pobre tanto en la idea original como en el desarrollo de la misma. Películas como esta se le pide como mínimo entretener y tras un comienzo que anima a ver la cinta, todo se convierte en un refrito de otros títulos que a continuación expondré.

   Snow es acusado de conspiración y asesinato. Nos encontramos en el año 2078. Washington. La prisión de máxima seguridad MS1 está situada a 50 millas de la tierra y alberga a la escoria más peligrosa de la tierra que se encuentran en un estado de hibernación. Cuando la hija del presidente es tomada como rehén después de que los presos consigan despertar…el único hombre capaz de salvar la situación será Snow.

   En el arranque de la cinta se nos presenta a Snow al que da vida un prácticamente desaparecido Guy Pearce (La maquina del tiempo, Memento) que sin ser lo peor de la cinta llama la atención que prefiera hacer este tipo de papeles que otros del estilo de “L.A Confidencial” que son una gozada. Antihéroe, rudo, sudoroso y sin inmutarse ante la paliza a la que está siendo sometida es el dibujo que se hace de este personaje que me recuerda al John McClane de Willis. La primera secuencia da pie a introducir un flashback con una escena de acción que sin ser muy original esta bien realizada (los efectos especiales parecen sacados de los Minimoys). Pero aquí termina lo bueno y tal vez se deba a que hasta aquí ha llegado la tarea de Luc como director y ahora les da el relevo a la pareja de directores que trabajan sobre un guión que no hace más que evocar otras películas que ya hemos visto. Que si un poco de “Demolition Man” por aquí con el rollo de los presos hibernando, un poquito de la cinta de Stallone “Pánico en el túnel” con el rollo ese de las hélices dando vueltas por las que tiene que pasar Snow rebozado un pelín con “Misión:Imposible”. Un guión que creo podría haber funcionado mejor tomando el camino con el que empieza (el rollo de acusar de algo que no ha cometido y bla, bla, bla…) que sin ser original funciona mejor que el motín en prisión mil veces visto en películas y que además: a) Tiene un villano (Vicent Regan de “300”) y su brother (Joseph Gilgun de “This is England”) que queréis que os diga, me río y b) La forma que tiene de resolver determinadas escenas como esa en la que la chica se está quedando sin oxigeno y el guardaespaldas decide buscar un solución…o el teñido de pelo…no ayudan.

   Lo poco que da esta historia se intenta suplir con el contraste entre el personaje de Guy y la ingenua Emilie interpretada por Maggie Grace (Noche y día, Venganza) que yo la veo un tanto Lost, nunca mejor dicho. Algunos diálogos o situaciones entre ambos pueden hacer esbozar una ligera sonrisa (casi siempre por el lado de Pearce) pero pronto de acaba fruto de alguna situación irrisoria o previsible que se plantea. Aunque no todo va a ser malo ya que en los secundarios tenemos a un autentico peso pesado: el gran Peter Stormare (Asesinato en 8 mm, Minority Report) que siempre es un disfrute verle en pantalla grande.

F.J (@Rocabay)
 

ESTRENO 17/02/2012

   La mujer de negro, basada en la novela homónima de Susan hill, adaptada por Jane Goldman (Stardust, Kick-Ass) colaboradora habitual del director Matthew Vaughn (X-Men: Primera generación) supone la primera película de su director James Watkins (cierto es que antes había rodado Eden Lake pero debido al desconocimiento por una gran mayoría de este título podemos considerar éste su gran debut) así como la prueba de fuego de Daniel Radcliffe (Saga Harry Potter) de ver como se desenvuelve fuera del papel del joven mago que le catapultó. El resultado es una cinta bastante digna, con un acabado que bebe de las producciones de la Hammer que tan populares se hicieron en los años 60 pero que no convence por…ese final. 

   Daniel interpreta a un joven abogado, Arthur Kipps, que tiene que acudir a un pequeño pueblo para cerrar la venta de una antigua casa cuyo dueño acaba de fallecer. Al llegar al lugar, comienza a notar la reticencia de la gente a ayudarle en cualquier tema que tenga que ver con la casa.

   El primer interés al que uno se enfrenta a este título es ver como se desenvuelve el ya no tan joven Daniel en papeles que no tengan nada que ver con Potter. Es cierto que había leído que meses atrás se había subido al escenario para interpretar la obra de teatro Equus de la que recibió buenas críticas no sin cierta controversia por un desnudo…críticos que se escandalizan, lo que ya me hizo vaticinar que el chaval se defendería bien en futuros proyectos. Y así es. El papel que aquí ofrece no es extremadamente complejo pero conjuga bien la fragilidad del personaje por un suceso acaecido en su vida personal con el thriller sobrenatural propiamente dicho. Un apunte que debo hacer como impresión personal es que yo hubiera escogido para el papel que hace, tal vez, a un actor un poco mayor. Se me hace un tanto raro, por su caracterización, que este personaje ya esté casado, en un despacho de abogados bastante prometedor…esto no va en detrimento ni de la historia ni tampoco de la verosimilitud del personaje pero es un dato que un servidor le chocó.  El resto del casting se ha optado por caras más o menos desconocidas a excepción de Ciarán Hinds (Munich, La Deuda) que es el típico secundario que te suena su cara, no sabes muy bien donde le has visto pero que el tío cumple.

   A nivel formal llama la atención el cuidado que ha puesto Tim Maurice-Jones (Snatch, Lock and Stock), Kave Quinn (Trainspotting, Layer Cake) y Marco Beltrami (Scream, La jungla de Cristal 4.0) con la luz, diseño de producción y música respectivamente, para crear la atmósfera que rodea a toda la película. Una atmósfera muy similar a Sleepy Hollow de Tim Burton (sólo hay que ver la escena donde Arthur se despide de su hijo en la puerta de su casa o el ático donde abre la película. Que bien le hubiese venido a La mujer de negro rodarla en blanco y negro, verdad?.). Tanto la de Burton como esta son un homenaje a clásicos producidos por la Hammer como Drácula, Frankenstein o La Momia en donde un alo de irrealidad baña a toda la cinta. En este caso que nos ocupa el homenaje es clarísimo en cuanto que la productora que está detrás del proyecto es la propia Hammer.

   El guión se mueve dentro del género que podríamos llamar “casas encantadas”. En este sentido no aporta nada nuevo a lo ya visto pero lo hace bien, con una realización bastante convencional pero acorde a lo que se cuenta, dosifica bien el suspense (creo que en esto ayuda mucho las localizaciones que se han escogido entre las que destaco por su belleza a la par que un tanto surrealista la carretera que une el pueblo con la casa), el ritmo reconozco que tal vez es algo lento para este género, cercano más al cine europeo que el americano, y predomina más el silencio que el diálogo pero todo va acorde con esos paisajes gélidos donde se nos narra la historia. Es una cinta donde predomina más los momentos carentes de música que sólo entra en momentos muy puntuales, recurso que ayuda a que la tensión vaya in crescendo, pero sobre todo, y esto le veo un logro con respecto a los muchos títulos que pasan por las carteleras y que me dejan indiferente, hay escenas de miedo muy bien conseguidas. En definitiva, es una cinta cuidada, con cierto nivel.

   Pero cual es la sorpresa cuando veo todo tan cuidado, me he pegado un par de sustillos mu majos contempla la forma de concluir la historia. No hablamos de un final malo o inverosímil, porque no lo es, es un final insulso, insípido. Es lógico, pero a la vez te quedas sin saber que pensar. Me parece que todo lo que va sembrando con buenas intenciones a lo largo de la hora y media de duración se desinfla provocando que el espectador no sepa inclinarse entre “me han tomado el pelo” o “Vale!, me gusta….”. Decidlo vosotros. Si os sirve de consuelo escribo esta líneas habiendo dejado un par de días desde su visionado para reflexionar y sigo pensando lo mismo…

F.J