Un Papa Noel bastante peculiar (Alec Baldwin), el hada de los dientes (Isla Fisher), El conejo de pascua (Hugh Jackman), Jack Escarcha (Chris Pine) y el creador de sueños son los guardianes, encargados de proteger a los niños de la tierra. La existencia de los guardianes depende de que los niños crean en ellos. Cada uno de los guardianes está dotados con determinados poderes que deberán utilizar cuando aparezca Sombra (Jude Law) cuyo poder nace de los miedos de los más peques.

   “El origen de los guardianes” se trata de la adaptación que se hace la serie de libros “The guardians of Childhood” de William Joyce publicados en 2011. David Lindsay- Abaire (Robots, corazón de tinta) junto al propio Joyce escriben una historia que sorprende por su ritmo trepidante, fresco, divertido y ágil, que puede estar fácilmente a la altura de “Como entrenar a tu dragón” (ambos títulos pertenecen a la casa Dreamworks siendo de lo mejor que he visto en película de animación en los últimos años), producida por el mejicano Guillermo del Toro (El laberinto de fauno, Mimic, Cronos) y que sabe conjugar perfectamente el cine que gusta a los más pequeños con un autentico divertimento para los más mayores.

   Si uno observa la filmografía de Guillermo del Toro observa que su tendón de Aquiles es la fantasía, poblado por personajes extraídos de una mente desbordada de imaginación pero todo ello a la vez parte de una realidad tangible: Cronos, Mimic, Hellboy, Blade 2, El laberinto del fauno, No tengas miedo a la oscuridad (productor)… y aquí ocurre lo mismo. Realidad y fantasía se funden en una historia que avanza de manera sensacional. Además, el cine de Del Toro puntualmente se deja llevar por tintes de lo macabro que si se extrapola a esta película infantil llama la atención que aunque nos encontramos con una cinta destinado a un público muy claro, la atmósfera en determinadas ocasiones es puramente expresionista (fabulosa esa escena en la que Jack acude a la guarida de Sombra y sólo le vemos a través su sombra). Una cierta desautomatización del género. También me parece una genialidad como trata temas como el de la muerte con ejemplos que desgraciadamente no puedo poner debido a los spoilers pero que los adultos se darán cuenta cuando lo vean. Por todo esto no es de extrañar que Guillermo haya querido inmiscuirse en esta producción.

   Curtido en el departamento de arte en títulos como “Men in Black”, “Independence Day” o “A.I Inteligencia artificial” o director de segunda unidad en “Godzilla”, este título supone el debut en la dirección de Peter Ramsey. ¡Vaya debut!. El ritmo con el que son encadenadas las secuencias se ve agudizado aún más con el juego que se le da a la cámara donde se opta por extensas tomas donde apenas se corta en lugar del plano y el contraplano, un uso bastante correcto de la tercera dimensión que juega con la climatología (nieves, partículas…) aunque también se trabaja la profundidad siendo la sensación bastante gratificante, elaboradas secuencia como la competición por recoger los dientes (impagable lo del Ratoncito Pérez) y por supuesto la banda sonora que compone el nominado cuatro veces al Oscar Alexandre Desplat (El discurso del rey, Fantástico Sr. Fox).

   Aunque la película fue proyectada doblada se agradece en primer lugar que no hayan cogido “famosos” que suplan las voces originales y que en su gran mayoría la calidad deja mucho que desear. También se agradece que en el caso de el conejo de pascua (en la versión original pone la voz Hugh Jackman) se haya optado por usar al doblador que suele poner la voz a Jackman. Los mas exquisitos en que se respete el trabajo de origen lo van a agradecer.

   “El origen de los guardianes” pega el pistoletazo de la salida a la fiestas navideñas y lo hace con fuerza. Desde aquí, una película que no debéis dejar pasar.

   En 1996 el guionista de origen hindú, Paul Laverty (El viento de agita la cebada, También la lluvia) escribía el primer guión para el inglés Ken Loach (Route Irish, Kes), “La canción de Carla”, y con mayor o menor acierto la relación se ha mantenido hasta hoy. El cine que nos suelen entregar este tandem se caracteriza en su mayoría por unas historias cargadas o bien de denuncia social o de cierto compromiso con personajes marginales. No se si llamarlo genialidad, adjetivo tan vez algo superlativo, pero lo que si se agradece como espectador es que el nuevo trabajo de Loach, premio del jurado en el último Festival de Cannes, aparte de esa denuncia/compromiso social, esta impregnado de humor, personajes realmente entrañables a la par que humanos. Brisa de aire fresco el filmografía de este director.

   La historia presenta un grupo de jóvenes que por diferentes motivos deben realizar trabajos sociales. Harry, el cuidador designado, siente especial devoción por Robbie, que acaba de ser padre, y comienza a instruir a los jóvenes en el arte de catar y valorar…whisky.

   Para “La parte de los ángeles” se ha optado, y en mi opinión de manera acertada, por trabajar con actores prácticamente desconocidos. La película habla de la integración social y como esto en determinadas ocasiones se complica cuando uno arrastra el pasado. Esto lo vemos a través del joven Paul Brannigan, siendo este su debut, que interpreta a un chaval que acaba de ser padre y quiere hacer borrón y cuenta nueva para dar el mejor futuro posible a su hijo. El hecho de que tanto él como la mayoría del reparto sea desconocido creo que ayuda a dar una cierta universalidad a la historia que se cuenta, ayuda a una identificación del espectador. Pero dentro de esta historia de personajes marginales subyace un humor basado sobre todo en unos personajes cada cual más peculiar. Un humor basado no tanto en el gag visual sino en la situación y el dialogo. Un humor que ayuda a quitar peso al drama que de por sí tinta a la película, con una fotografía en donde apenas vemos rallos del sol, y que a uno le hace salir con buen pie de la sala.

   Hace unos años de estrenaba “Attack de Block” una cinta que no llegaba a los 15 millones de presupuesto en donde se narraba de forma original, enérgica y divertida una invasión alienígena pero con la peculiaridad de que el punto de vista optado para contar la historia era la de unos chavales de barrio. Apenas un par de localizaciones y un cartel de actores desconocido si exceptuamos a Nick Frost (Arma fatal, Zombies party) cuya participación se convierte casi en un cameo. El resultado fue una cinta cuyo adjetivo que creo que mejor la define es fresca. Aunque dicen que las comparaciones son odiosas, y muchas veces lo son, esta vez me va a servir para demostrar el famoso dicho de “menos es más”.

   “Los amos del barrio” cuenta exactamente lo mismo que lo hacía “Attack de block” pero con un presupuesto que lo tríplica, un cabeza de cartel donde nos encontramos a la cream de la cream de la comedia: Ben Stiller (Los padres de ella, Tropic Thunder), Vince Vaughn (Cuestión de pelotas, Aquellas juergas universitarias), Jonah Hill (Supersalidos, El canguro) y un poco más atrás en cuanto a cara conocida se refiere, actualmente tiene en cartelera en función de director la interesante “Submarine”, Richard Ayoade. Además, cuenta no con uno, ni dos….sino con hasta tres guionistas y el encargado de llevar la batuta, Akiva Schaffer, pese a no tener una extensa carrera en cine puede presumir de haber dirigidos varios episodios del Saturday night live. Nada de esto lleva a buen puerto esta historia que a pesar de su corta duración, se limita a intentar explotar la supuesta comicidad de su reparto (cuantas películas va a hacer Stiller como líder/mente pensante de un grupo: Un golpe de altura, Noche en el museo, Tropic Thunder…sin darse cuenta que la fórmula se agota) con eternas escenas de verborrea escatológica en donde uno entiende porque se optó por contratar a los mismos guionistas que “Superfumados” o “Supersalidos”. Cierto es que la cinta gana ciertos puntillos debido al señor Hill, recientemente nominado al Oscar por su fantástico trabajo en “Moneyball”, pero a parte de este dato el guión ni da pie a giros y si los tiene o bien los más avispados los van a coger o como la mitad de las veces pasa en este tipo de películas están en el trailer, ni tampoco es ingenioso en su discurso.

   Tal vez mi mayor alegría fue ver aparecer en pantalla al gran R. Lee Ermey (La chaqueta metálica, La matanza de Texas (2003)). Una aparición que en tiempo puede rondar los 5 minutos. Ahí está el listón de la película.

   Poco tiene que ver la Isla de Bastoy que hoy día conocemos con la que esta película nos muestra. Si retrocedemos en el tiempo podemos pasar de la maravillosa cárcel ecológica, de la que aseguran “no querer escapar nunca”, a un correccional dirigido por un déspota. Y es que no podemos olvidar que, La isla de los Olvidados, está basada en unos escalofriantes hechos reales.

  
   Si bien la idea principal de la película no resulta una idea original y/o nueva, al igual que los personajes están algo estereotipados (típico chico rebelde o duro y estricto director), el buen trabajo de profesionales como, Stellan Skarsgård (Los Vengadores, Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres, Los fantasmas de Goya), Benjamin Helstad (serie Angel) y Trond Nilssen (Sons of Norway) otorga la calidad y el atractivo del film.

  
   Otro punto a destacar es la “elegante” dirección de Marius Holst (Cross My Heart and Hope to Die, Libélula) ya que pese a tratar un tema tan duro y deshumano, no abusa en ningún momento de escenas desagradables y explícitas no aptas para susceptibles. Holst dota a la película de un alma y una integridad que llena la pantalla haciendo muy buen uso de los silencios y los paisajes exteriores fríos y nevados. La excelente partitura de Johan Söderqvist (Déjame entrar, En un mundo mejor) ambienta las gélidas y duras escenas, completando así una película más que interesante.

  
   Una película bastante recomendable incluso para aquellos escépticos del cine noruego poco comercial.

   Los hermanos Farrelly (Algo pasa con Mery, Vaya par de idiotas) dan otra vuelta de turca a su peculiar forma de entender el humor, logrando en ésta ocasión un agradable homenaje a los cómicos de primeros de siglo (centrándose en el obvio trio protagonista), con detalles de Los hermanos Marx, Harold Lloyd o Chaplin.

   Los Farrelly logran un ejercicio de hipersurrealismo cómico, en el que lo que menos importa es la historia, lo que se cuenta o como lo cuentan. Lo importante son los gags, los sonidos, las caras….y los horribles peinados de Los Tres chiflados. Los protagonistas están interpretados, adecuadamente, por los televisivos Sean Hayes (Ahora o nunca, Rockefeller plaza), Will Sasso (Las chorradas de mi padre, Cómo conocí a vuestra madre) y Chris Diamantopoulos (24, Los Kennedy), además cuentan con con papeles secundarios Jane Lynch (Glee), Jennifer Hudson (Dreamgirls) y Sofía Vergara (Modern Family).

   Pero la película no va más allá de ser un surrealista homenaje al maravilloso arte de hacer reír que si bien caerá en el vacío de la mayoría de público, hará sonreír y recordar la infancia a los más ancianos o aficionados al cine.

   Julianne Moore (Magnolia, Vidas cruzadas, Sobrevivir a Picasso) es probablemente una de las diez mejores actrices de la historia del cine, por ello se le perdonan determinados deslices a la hora de aceptar determinados papeles como éste que tratamos. Todas sus actuaciones tienen un poso de naturalidad y realismo difícilmente conseguible por otra actriz y sólo igualable por monstruos de la talla de Meryl Street, Bette Davis, Joan Crawford o Katharine Hepburn. Sólo por ella merece la pena darle una oportunidad a la película.

   La sombra de los otros ha tardado dos años en llegar a nuestra cartelera (y viendo el resultado no se entiende muy bien el motivo) por lo que los directores de la película Marlind & Stein ya han estrenado en nuestras pantallas su segunda gran incursión en el cine de Hollywood, Underworld: el despertar. En éste caso plasman, con buen pulso, un irregular guion de Michael Cooney (el cual mantiene determinados hilos conductores con sus anteriores trabajos El despertar y la notable Identidad) que funciona mejor en la primera mitad como drama psicológico que en la segunda como thriller.

   Como protagonista masculino está el guapo Jonathan Rhys Meyers (el cual como no comience a centrarse en su labor como actor va a echarse a perder como tantos otros jóvenes actores con mucho talento y poco cerebro) que deja los ropajes de la serie Los Tudor para convertirse en un paciente con problemas de identidad y eje de casi toda la trama de la película.

   Pese al tiempo que ha tardado en estrenarse en nuestro país La sombra de los otros es una entretenida película por encima de otras memeces que se estrenan de éste estilo y que pretenden ser de género cuando en realidad no son más que copias de miles de ideas ya vistas. Aunque no demasiado, en este caso la premisa es original y cuenta con buenos actores.

ISRAEL LÓPEZ (@Isra_l) 

   En 1998 se estrenaba la cinta del ex Monty Python Terry Gilliam (Brasil, 12 monos)  “Miedo y asco en la Vegas” con Johnny Depp (Eduardo manostijeras, Dead man) y Benicio del Toro (21 gramos, Traffic) en cabeza de cartel y cuyo argumento daba pie, dos tíos puestos de drogas hasta los topes, a las interpretaciones más rocambolescas de ambos actores. Aquel título adaptaba la novela del escritor americano Hunter S. Thompson (1937-2005) y ahora se vuelve a tomar como base otra novela del escritor, de nuevo protagonizado por Depp que suma faceta de productor, para contar la historia de Kemp, escritor alcohólico incapaz de acabar nada que se proponga, que decide aceptar un vacante en “La Estrella”, un diario local de Puerto Rico de los años 60. Comenzará a redactar pequeños artículos a la vez que observa un país que con tal de preservar el idílico “sueño americano” será capaz de aplastar todo lo que se ponga por medio, incluyendo la gente del lugar.

   “Los diarios del ron” es una película donde esa preciada bebida no falta en casi ninguna de las escenas pero no deja resaca. Esto se debe a que la novela que adapta y se encarga de dirigir el inglés Bruce Robinson, tal vez más conocido en su faceta de guionista (nominado al Oscar por Los gritos del silencio e In dreams) que como director (Jennifer 8), es una historia amena, con cierto toques de humor, buenos actores y las hermosísimas calles de Puerto Rico como telón de fondo.

   La trama que va saltando del drama a la comedia y después a la denuncia social se nos narra a través del personaje que encarna Johnny Depp, un actor en mi opinión sobrevalorado sobre todo por el rollo que tiene eso de ser el pupilo de Tim Burton (Big Fish, Sleepy Hollow). Creo que gran parte de sus interpretaciones son demasiado reiterativas y lo único que cambia es el envoltorio. De hecho me gustan más sus trabajos “al natural” como “Donnie Brasco” o “Descubriendo nunca jamás” que muchos de los elogios a otros papeles como la reciente “Alicia en el país de las maravillas”. Por ello el papel que ahora ofrece me gusta, me convence porque sin ser especialmente destacable, al tener que interpretar en casi todas las escenas un hombre borracho no acude a sus famosos gestos a lo “Jack Sparrow” que francamente ya cansan. Esto tan sólo ocurre en una escena, en cuanto la veáis sabréis de que hablo, pero creo que es necesaria y bien planteada. En el resto de la trama está contenido y lo más importante, creíble. El reparto que arropa a Johnny hace que la cinta funcione bien: Aaron Eckhart (El caballero oscuro, el núcleo), Richard Jenkins (The visitor, ¿Bailamos?) o Michael Rispoli (Rounders, Asalto al Pelham 1,2,3). La actriz Amber Heard (Furia ciega, Bienvenidos a Zombieland) dejando a un lago su innegable belleza y su tremendo parecido a Keira Knightley (Piratas del Caribe) creo que ofrece un papel, sino el mejor en su breve carrera, sí que el más maduro a pesar de un pobre desarrollo. Por último Giovanni Ribisi (60 segundos, Salvar al soldado Ryan) que en lo que a estilismo se refiere le está pasando lo contrario que al camaleónico Nicolas Cage. Si este último cambia de look en cada nuevo y esperado trabajo, Ribisi te puede robar el coche, disparar en la Segunda Guerra Mundial o amenazar a Mark Wahlberg que siempre llevará el mismo corte de pelo y afeitado. Debajo de esta fachada creo que la interpretación no varía mucho de uno a otro proyecto. No me malinterpretéis. No me parece mal actor el muchacho, simplemente veo siempre el mismo personaje.

   Ahora en cartelera tenemos “La fría luz del día” rodada prácticamente en su totalidad en la calles de Madrid. Esta cinta es un ejemplo del valor que tiene el director de fotografía a la hora de escoger la localizaciones, la forma de rodarlas e intentar sacar el máximo partido a una ciudad. Mientras que en este título el trabajo de planificación es desastroso, entiendo que también por problemas con los derechos de donde puedes y donde no puedes rodar y que calles quiero que saques y cuales no, en “Los diarios del ron” el trabajo que hace Dariusz Wolski (Prometheus, Sweeney Todd) apoyado por la partitura de Christopher Young (Arrástrame al infierno, Jóvenes prodigiosos) es cuanto menos destacable. Puerto Rico y sus calles son muy cinematográficas al igual que las calles de Madrid siempre y cuando se sepa hacer.

   Una película ligera, amena, tal vez no diferente a lo ya visto pero si con unos actores que hacen que la función no decaiga.

F.J (@Rocabay)

   Momon celebra con su familia el bautizo de su séptimo sobrino. Atrás quedan los atracos a bancos y furgones que tan popular le hicieron en los años 70 al frente de “Los Lioneses”. Pero la aparición tras trece años de huir de la justicia de Serge y su encarcelamiento hará que Momon tenga que escoger entre la estabilidad que su nueva vida le da junto a su mujer e hijo o la vuelta a las armas.

   Olivier Marchal (MR 73, Asuntos pendientes) adapta junto a Edgar Marie el libro que en clave autobiográfica escribe Edmond Vidal, en pantalla le da vida un contundente Gerard Lanvin (El embolao, Mi hijo y yo), siendo el resultado una cinta que llega fácilmente al notable gracias a unos excelentes actores, una buena dosificación de la información a través del fantástico trabajo de Hubert Persat, pocas pero contundentes secuencias de acción made in france (que gran secuencia el rescate de Serge en el hospital) y por supuesto el sello de calidad que últimamente y de manera asombrosa el cine francófono está dotando a sus producciones.

   ¿Hasta que punto puede llegar una amistad?. ¿Qué estás dispuesto uno a perder por ella?. ¿Dónde empieza y acaba el código de honor dentro de la mafia?. La incógnita o gancho con la que juega el guión es saber que relación une el personaje de Serge, interpretado por un siempre solvente Tcheky Karyo (El patriota, El beso del dragón) y Momon y porque esta dispuesto a sacrificar este último todo lo que con esmero ha ido cultivando con tal de que Serge este a salvo. Esto da pie a un inteligente montaje, la cinta gana mucho por elegir este tipo de discurso, que juega entre un hoy y ayer, entre el nacimiento de “Los Lioneses”, sus primeros atracos, su crecimiento y fin narrado todo ello con exquisita puesta en escena, banda sonora y fotografía y la actualidad, con el retiro de su lider a una vida de paz y tranquilidad. Hay que reconocer que la película tiene un ritmo envidiable arrapado por unos personajes cada cual más interesante y juega bien a la carta: nada es lo que parece.

   Inspirada en la vida real de Edmond Vidal, “Los Lioneses” o "Les Lyonnais" es una propuesta aconsejable de un país que no deja de sorprender.

F.J (@Rocabay) 

   A estas alturas a nadie se le escapa que la llamada “saga del hambre”, compuesta por Los juegos del hambre, En llamas y Sinsajo, es un rotundo éxito editorial y cinematográfico a nivel mundial. Es una novela dirigida a un público juvenil/adulto, ávido de las emociones que otras sagas literarias como Crépúsculo o Harry Potter les ha brindado años atrás (y los productores ávidos de un éxito de esas dimensiones). La novela (y la película, obviamente) es de género distópico (sitúa la acción en un mundo futuro imaginario, en oposición a cualquier tipo de sociedad utópica imaginable) y de ciencia ficción, que mezclado con un impredecible triángulo amoroso (como clara referencia a la saga) hace las delicias de los adolescentes…y no tan adolescentes, que han leído la novela y vean la cinta.

   A priori, es chocante la elección de un director como Gary Ross (Seabiscuit, Pleasantville) para trasladar a la pantalla un “producto” como éste. Sobretodo, porque en todos sus trabajos se ha percibido una personalidad que iba mucho más allá de la industria cinematográfica (en catorce años ha dirigido tres películas, aunque también ha producido y escrito en su carrera títulos como El valiente Despereaux y Big) y para nada conforme con los cánones y estándares comunes en Hollywood. Quizá por esta peculiaridad, el resultado de la película es satisfactorio en las formas (excepto por esa dirección sucia de las escenas de acción en las que no te deja apreciar lo que sucede en pantalla), aunque no el fondo.

   Si algo desprenden las novelas de Suzanne Collins es: fuerza y pasión. Viendo la película he tenido la sensación de que aunque tiene mucha fuerza lo que se cuenta (la historia es muy, muy potente) le falta mucha pasión a la hora de narrarlo. La elección de Prim, la hermana de Katniss, como representante del distrito 12 en los juegos del hambre y cómo ésta la sustituye; la relación de la protagonista con la joven Rue (y como termina) o su relación de amor/odio con Peeta….son ejemplos de momentos muy impactantes en la novela, que sin embargo en la película son retratados de una forma más bien distante y fría por Ross.

   Quizá estas percepciones son producidas porque me haya leído los libros y ya tenía formada una idea cinematográfica de lo que debería y cómo debería ser la película sobre esta saga, pero una dirección mucho más “cálida” y cercana, pienso, que hubiera mejorado el resultado final (cinematográficamente hablando, por supuesto, ya que el resultado comercial viendo la recaudación que lleva es prácticamente inmejorable).

   Como adaptación cinematográfica es bastante ejemplar y acertada, ya que Ross con la ayuda de Billy Ray (que con las adaptaciones de El precio de la verdad y La sombra del poder ya demostró un gran talento) y de la propia Collins, ha desentrañado la historia de forma que cupiese en dos horas y veinte de película sin, a priori, dar la sensación en ningún momento de haberse dejado fuera nada importante (y de paso potenciando el papel del presidente Snow en ésta parte de cara a configurar un malo malísimo para la trilogía, un tanto desdibujado en las novelas hasta la parte final) y sin que en ningún momento se tenga la impresión de pesadez.

   La ambientación, la dirección artística y la fotografía de Tom Stern (habitual de Clint Eastwood en películas como Mystic river, Million dollar baby o Gran Torino…) están perfectas en la composición de un futuro apocalíptico en el que predominan los grises y la suciedad en los distritos, frente a la pomposidad y los colores chillones del Capitolio. Pero por otra parte, se produce una exagerada diferencia en la calidad del acabado de los decorados de ambas localizaciones, debido a que mientras que los distritos son recreaciones localizadas en pueblos reales; toda la parte del Capitulo son imágenes hechas mediante ordenador de una ciudad futurista que denota en demasía unos pobres (y probablemente baratos) efectos visuales.

   James Newton Howard (Diamante de sangre, La intérprete) compone una deliciosa partitura que, sin embargo, creo, no está apropiadamente montada en la película. La música no acompaña a la acción en numerosas ocasiones en las que ésta lo pide (sobretodo en los momentos dramáticos), potenciando por otro lado un gran trabajo de edición y montaje de sonido a cargo de Robert Althoff (Malditos bastardos).

   El peso de la película (y mucha culpa de su éxito) recae en un gran elenco de actores, tanto principales como secundarios, en el que se mezclan varias generaciones. Los protagonistas están encarnados por unos magníficos Jennifer Lawrence (nominada al oscar por Winter´s bone y vista en El castor o X-men: nueva generación) y Josh Hutcherson (Viaje al centro de la tierra o Los chicos están bien). Secundándoles (y disfrutando de sus jugosos papeles) están los maravillosos Stanley Tucci (Margin Call, El diablo viste de Prada, La terminal), Woody Harrelson (Bunraku, No es país para viejos, Los blancos no la saben meter), Elizabeth Banks (Los próximos tres días, Barridos por la marea)     y el grandioso Donald Sutherland (MASH, Gente corriente, Klute, Casanova (de Fellini)).

   Aunque las referencias a películas como El señor de las moscas (también basada en una novela, en este caso de William Golding), Perseguido (Running man, película protagonizada por Arnold Schwarzenegger en 1987) y sobre todo Battle Royal (adaptada de una novela que se publicó en 1999) son directas tanto en las novelas como en la película, la mayoría del público potencial de ésta saga no estarán familiarizados con ellos. Y en caso de que lo estén, nunca es un mal momento para pararnos a reflexionar sobre el futuro que nos espera si seguimos actuando como hasta ahora, construyendo puentes hacia la incultura, la incomunicación y primando la involución del individuo, frente al desarrollo cultural e intelectual de la sociedad.

   “La educación es la clave del futuro, la clave del destino del hombre y de su posibilidad de actuar en un mundo mejor” Robert F. Kennedy

ISRAEL LÓPEZ 

   Comedia francesa en donde reaparecen Jean Dujardin y Michel Hazanavicius tras el éxito de “The Artist”. Pero que esto no os engañe. Se trata de una película de seis episodios y dirigida por ocho directores diferentes entre los que se encuentran los propios actores Dujardin y Gilles Lellouche (Cuenta Atrás, Pequeñas mentiras sin importancia). Como nexo de unión de las seis historias se encuentra la infidelidad de los hombres, la adicción al sexo, las mentiras y engaños hacia sus mujeres y el patetismo de los personajes. En todas ellas los protagonistas son los mismos aunque se enfrentan a situaciones diferentes.

   Esta forma de hacer películas en donde el nexo es la temática y no la trama no convence para nada. Saca al espectador de la película constantemente en cada cambio y no mantiene una línea regular. Se pierde la estructura básica de planteamiento, nudo y desenlace. Si a esto le añadimos que la forma en la que está contado el tema de la infidelidad y de la adicción al sexo deja de ser cómico desde la segunda historia y pasa a ser un drama con poco gusto, quita todas las ganas de seguir viendo la película. Y ya para colmo, la forma de resolver la cinta parece la solución más fácil que han encontrado por no saber como terminar.

   Ocho directores con sus ocho puntos de vista sobre un mismo tema. Creo que es bastante difícil que de ahí salgo algo coherente. Si cada episodio fuese un punto y aparte con actores diferentes se podría salvar, algo parecido a “Paris Je’taime”, pero cada historia pretende ser la continuación de la otra y esa fórmula desde mi perspectiva no funciona.

   La película tiene algunos elementos positivos que se pueden destacar, como la música, las interpretaciones, y algunas historias muy bien contadas. Si las separamos y las analizamos individualmente pueden funcionar. Sobre todo quiero destacar una de ellas dirigida por Emmanuelle Bercot y protagonizada por Dujardin y su mujer (en la vida real) Alexandra Lamy. Este episodio presenta una intensidad dramática y una complicidad entre ambos muy real, perfecta para la situación que narran. De lo mejor de la película.

Cristina Varo (@Cris_varo)

   Michael Sucsy da el salto a la gran pantalla tras haber triunfado en la televisión con la película Grey Gardens (que supuso una nominación al emmy para cada una de sus protagonistas Drew Barrymore y Jessica Lange, aparte de otras 15 nominaciones más). Con un planteamiento mucho más realista que la divertida 50 primeras citas (Peter Segal), la película se basa en una historia real para contar como Paige (McAdams) debido a un accidente de tráfico, pierde la memoria y no recuerda nada de lo vivido con su marido Leo (Tatum), pero si lo anterior a que éste apareciera en su vida.

   El mayor defecto que puedo encontrarle a la cinta es el poco desarrollo que se hace de la trama, y del personaje de Leo. Tanto el propio Sucsy como Jason Katims (Friday night lights) y el dueto de Abby Kohn y Marc Silverstein (Qué les pasa a los hombres, Historias de San Valentín) firman un guion en el que cometen el error de no tratar con equidad a las dos partes implicadas en la película (el desarrollo de Leo es esquemático, escaso e idealista; mientras que el de Paige es todo lo contrario). Aunque la película, en su conjunto, es bastante coherente y lineal, el hecho de no haber tratado en igualdad de condiciones a los dos personajes (es curioso este detalle puesto que todos los guionistas de la película son masculinos...) hace que no sea una apuesta mucho más profunda de lo que han conseguido.

   Tanto Rachael McAdams (Sherlock Holmes, Vuelo nocturno, El diario de Noah) como Channing Tatum (Querido John, Street dance, Memorias de Queens) realizan unas buenas actuaciones y demuestran muy buena química cuando es necesario (su boda en el museo o la secuencia en el taller de esculturas en la que Paige no encuentra la inspiración) y absolutamente ninguna cuando también es necesario para la historia (la fiesta de pedida de la hermana de Paige o cuando ésta se despierta del accidente y no reconoce a Leo). Si además añadimos a dos secundarios de lujo como la maravillosa y rejuvenecida Jessica Lange (El cartero siempre llama dos veces, El cabo del miedo, American Horror Story) y el magnífico Sam Neill (Parque Jurásico, Horizonte final, En la boca del miedo) para ayudarles a llevar la historia, interpretando a los ausentes padres de Paige, está claro que el nivel artístico de la película sobresale por encima del técnico (cosa por otra parte lógica en una producción de estas características).

   Aunque historias como ésta han sido mil veces contadas, nunca dejará de sorprenderme la emotividad, el amor y el dolor que puede haber en ellas. Todos sabemos, más o menos, por donde se va a desarrollar la trama de la película, pero eso no hace que no te hieran los desprecios que Paige hace hacia Leo (mucho más cuando aparece por medio su antiguo novio interpretado por Scott Speedman) y que no comprendas la frustración y el dolor que se puede sentir cuando un ser al que amas con todo tú alma desaparece para convertirse en un completo desconocido.

   Una buena historia de amor, que pone el listón al género masculino muy, muy alto (lo sé porque pertenezco a ese target) y que debería plantearle a mas de una mujer si las elecciones que toman en la vida son las correctas, las que deben ser…o las que su corazón dice que tiene que ser.

ISRAEL LÓPEZ

   Con seis meses de retraso con respecto a su estreno en USA (9 de Octubre) nos llega el cuarto largometraje de George Clooney como director. Es destacable que un “personaje” tan asentado en la maquinaria de Hollywood, desarrolle proyectos tan arriesgados y comprometidos, tanto a nivel interpretativo como a nivel de realización, y no se deje arrastrar por las poderosas fauces del sedentarismo creativo de la meca del cine.

   Los idus de Marzo supone una vuelta (tras la fallida aunque simpática, Ella es el partido) al cine más comprometido y político (Buenas noches y buena suerte), ése en el que Clooney demuestra todo su poder visual y hace gala de una narrativa clásica que en momentos recuerda a los mejores J.Pakula (Todos los hombres del presidente) o a  Pollack (Los tres días del Cóndor). Una dirección sobria, sin artificios, directa y fría, en la que se le nota mucho más tranquilo y seguro que en la comedia, que hace que los personajes sobresalgan de la pantalla y tomen todo el protagonismo (la presentación de Meyers (Gosling) o el plano inicial de Molly (Evan Rachel Wood) es una muestra de lo bien que dirige al espectador por donde él quiere). Clooney no quiere ser protagonista de nada, ni de la película ni de la dirección de ésta, pero al final es quien mueve los hilos….

   Además de dirigir e interpretar, Clooney, también ha escrito el guion a seis manos junto con Grant Heslov (actor carismático que participó en Mentiras Arriesgadas y con el que también desarrolló Buenas noches y buena suerte) y Beau Willimon autor además de la novela “Farragout North” en la que se basa la película. El único “pero” que le encuentro a la historia, sin haber leído el libro, es que se queda en muy poca cosa la historia. Es decir, me parece que hay un planteamiento tan bueno, de un tema tan interesante y productivo, que el hecho de que al final “sólo” pasen un par de cosas me deja con un sabor agridulce por lo que podría haber sido y no es.

   El desarrollo de los personajes es ínfimo para el gran planteamiento inicial que tiene cada uno de ellos. El argumento es muy teatral y shakesperiano, más quizá de lo que los propios autores pensaron, por eso quizá se queda en poco lo que cuenta (el abanico de posibilidades narrativas que te muestra en los veinte primeros minutos de cinta es abrumador).

   Asimismo el conjunto se completa con unos intérpretes en estado de gracia. A los veteranos Paul Giamatti (La joven del agua, Entrecopas) o Philip Seymour Hoffman (Capote, Moneyball) se les une el propio Clooney (Los descendientes, Syriana), Marisa Tomei (Crazy, stupid, love), Evan Rachel Wood ( Across the universo, El luchador) y el magnífico Ryan Gosling (Drive, Blue Valentine). La pasmosa facilidad con la que Gosling abarca cada personaje hace plantearse, mucho, si no estamos ante un titán interpretativo que por ser guapo nunca va a ser reconocido.

   Una pena que películas tan arriesgadas y comprometidas con el mundo actual no tengan la acogida, por parte del público, que deberían (aunque ha recaudado unos excelentes 40 millones de dólares en USA). Una gran película política que gustará a los no fans de Clooney (apenas aparece quince minutos en pantalla) y maravillará a los amantes del cine político de los setenta y ochenta. Cine en estado puro.

ISRAEL LÓPEZ