Tras el tremendo éxito que cosechó tanto de crítica como público “Intocable” cualquier ocasión es buena para aprovecharlo. Ejemplo de ello es “El chef. La receta de la felicidad”, una comedia francesa que más que ligera habría que decir ligerísima debido a un guión bastante flojete que arroja un constante Deja vu con aquella comedia española, “Fuera de Carta”, pero que para sopesar esto e intentar hacer más llamativo el cartel, se inserta el texto que dice: “Una deliciosa comedia de los productores de Intocable”…

   Con mejor o peor fortuna pero siempre con un mínimo de calidad el cine francés durante los últimos años se ha sabido mover estupendamente por la cartelera: “Intocable”, “Nada que declarar”, “Los chicos del coro”, “La guerra de los botones”, “22 balas”, “Los seductores”, “Les Lyonnais”. “El Chef, la receta de la felicidad” no es una mala película ya que es ligera, divertida (sensacional la escena de los disfraces o el cameo de Santiago Segura (Torrente, La chispa de la vida, El oro de Moscú)) y amena, pero se nota que el guión que escribe Daniel Cohen (Les deux monde), además de dirigir, plantea unos conflictos muy básicos y los desarrolla de manera muy parecida a la estupenda comedia de Javier Cámara. Los vimos aquella película podemos de una manera fácil ir adivinando lo que va a ocurrir, paso por paso, ahora en esta. En cambio, lo bueno que tiene el cine francés, y relacionándolo con el inicio de este párrafo, es que a pesar de tener un guión pobre y con reminiscencia a… sabe, sea bien por los actores, ritmo o la forma de plantear las situaciones salvar una película, salvar esta película. Con esto pongo de ejemplo esa escena en la cual el personaje de Jacky da clase de cocina mediante una web cam a los cocineros de una residencia y es pillado por su mujer. Es una escena muy sencillita, tremendamente divertida, muy bien planteada y funciona muy bien. Detalles que hace que uno no pierda el interés.

   En el apartado interpretativo siempre es un placer volver a encontrarse con el un tanto desaparecido Jean Reno (León, Ronin, 22 balas) que hace una estupenda pareja con Michael Youn (Lucky Luke, Fatal) cuyo humor surge precisamente del contraste de personalidades, el cínico y el idealista, el duro y el blando, Bud Spencer y Terence Hill.

   Es corta, tiene humor y ayuda a desconectar de las ajetreadas compras navideñas. Bon appetit!

   Alocada comedia desarrollada por los responsables de la “saga del Resacón” (con tercera parte en preproducción) en la que tres amigos con un bajo grado de popularidad deciden realizar la mayor fiesta de la década aprovechando que uno de ellos cumple años y sus padres no están en casa.

   Hay innumerables recuerdos de películas en las que adolescentes imberbes, y no tan adolescentes, realizan fiestas descontroladas para lograr popularidad, conseguir a la chica de sus sueños o  revivir los mejores momentos de su vida (Aquellas juergas universitarias, Desmadre a la americana, Risky Bussines, etc…) de todas ellas bebe ésta película sin llegar a parecérseles en casi ningún momento.

   El debutante Nima Nourizadeh  opta por rodar cámara en mano (usando la misma técnica que en Paranormal Activity o Chronicle) un guion de, entre otros, Michael Bacall (Infiltrados en clase, Scott Pilgrim contra el mundo). El problema que hay es que el guion no existe. La película está plagada de tópicos adolescentes, el protagonista que busca el amor inocente, el protagonista con problemas de aceptación y popularidad, y el protagonista charlatán que está de vuelta de todo (clara referencia a los protagonistas de Supersalidos). De lo que se trata es de romper cualquier esquema posible y filmar la fiesta más brutal y ruidosa que nadie jamás haya visto. No hay tramas o subtramas, eso es todo.

   Aunque el trio protagonista (los prácticamente noveles Thomas Mann, Oliver Cooper y Jonathan Daniel Brown) está muy bien escogido y tienen muy buena química entre ellos no creo que lo que realizan en la película ninguno sea adecuado denominarlo como interpretaciones, puesto que se limitan a chillar, saltar, bailar, beber, correr…..en definitiva, a hacer todo lo que se puede hacer en una fiesta así.

   El resultado del experimento son unos 88 minutos que se pasan, relativamente, rápido, en los que nadie se plantea si lo que sucede en pantalla es realista o no, posible o no, sino que en todo momento tienes en mente que te encantaría abandonar la butaca del cine y estar ahí compartiendo con todos los chavales que salen en la película esa brutal y descontrolada fiesta.

   Julianne Moore (Magnolia, Vidas cruzadas, Sobrevivir a Picasso) es probablemente una de las diez mejores actrices de la historia del cine, por ello se le perdonan determinados deslices a la hora de aceptar determinados papeles como éste que tratamos. Todas sus actuaciones tienen un poso de naturalidad y realismo difícilmente conseguible por otra actriz y sólo igualable por monstruos de la talla de Meryl Street, Bette Davis, Joan Crawford o Katharine Hepburn. Sólo por ella merece la pena darle una oportunidad a la película.

   La sombra de los otros ha tardado dos años en llegar a nuestra cartelera (y viendo el resultado no se entiende muy bien el motivo) por lo que los directores de la película Marlind & Stein ya han estrenado en nuestras pantallas su segunda gran incursión en el cine de Hollywood, Underworld: el despertar. En éste caso plasman, con buen pulso, un irregular guion de Michael Cooney (el cual mantiene determinados hilos conductores con sus anteriores trabajos El despertar y la notable Identidad) que funciona mejor en la primera mitad como drama psicológico que en la segunda como thriller.

   Como protagonista masculino está el guapo Jonathan Rhys Meyers (el cual como no comience a centrarse en su labor como actor va a echarse a perder como tantos otros jóvenes actores con mucho talento y poco cerebro) que deja los ropajes de la serie Los Tudor para convertirse en un paciente con problemas de identidad y eje de casi toda la trama de la película.

   Pese al tiempo que ha tardado en estrenarse en nuestro país La sombra de los otros es una entretenida película por encima de otras memeces que se estrenan de éste estilo y que pretenden ser de género cuando en realidad no son más que copias de miles de ideas ya vistas. Aunque no demasiado, en este caso la premisa es original y cuenta con buenos actores.

ISRAEL LÓPEZ (@Isra_l) 

   Allá por finales de los años ochenta un joven Johnny Deep (Benny & Joon, Donnie Brasco, Don Juan DeMarco) se daba a conocer al gran público en la televisión con una serie llamada Jóvenes policías (después de eso las carpetas forradas con su cara, los posters en las revistas femeninas….), para dichas fans decirles que Deep no protagoniza la película.

   Veinticinco años después, el nominado al Oscar Jonah Hill (Moneyball, Supersalidos, Funny people) rescata la idea, y la rejuvenece, ayudado por el también actor Michael Bacall (Malditos bastardos, Scott Pilgrim contra el mundo). El resultado, a priori, es interesante y una vez vista la película, decepcionante.

   No es decepcionante por el resultado de la película en sí, sino porque tiene unos primeros cincuenta minutos muy, muy bien construidos y conducidos, pero hacia el ecuador de la misma el guión cambia el género y las intenciones de la película, lo que hace que pierda interés y redunde en temas mil veces vistos (y de los que huía hasta ese momento). Pese a esto, Infiltrados en clase es una buena comedia con la que pasar casi dos horas y soltar más de una carcajada.

   Está protagonizada por el propio Hill y por Chaning Tatum (La legión del Águila, Step up, Todos los días de mi vida) y ambos demuestran una química magnífica tanto en las escenas físicas (el primer arresto que hacen) como en las más elaboradas (el baile final o la fiesta en su casa). Dicha química es muy probable que no se quede aquí y dé lugar a alguna continuación de ésta película, puesto que ambos son productores (y la recaudación en Usa ha sido más que decente y probablemente supere los 150 millones de dólares).

   La película está dirigida por Phil Lord y Chris Miller, ambos debutaron en el 2009 con la estupenda Lluvia de albóndigas (en la que también demostraban el humor ácido y directo de ésta película) y son productores ejecutivos de una de las mejores series cómicas que se han hecho desde Friends, Cómo conocí a vuestra madre.

ISRAEL LÓPEZ
 

   Película de suspense y venganzas con reminiscencias de la guerra fría, protagonizada por un sexagenario Richard Gere y un cada vez más soso Topher Grace.

   El guionista Michael Brandt (El tren de las 3:10, Wanted: se busca) debuta en la dirección de largometrajes con éste film de caza al asesino que contiene cierto tufillo a las películas de los años ochenta protagonizadas por los Segal, Van Damme, Norris…(sin un ápice de crítica, sólo como dato puesto que entre aquellas se encuentran auténticos clásicos). Brandt defrauda, tanto como director, con un trabajo completamente plano y aséptico, pero mucho más como guionista. La intriga ha sido mil veces vista, los personajes están desarrollados (Gere hace lo que puede con lo que le dan, pero es que lo de Grace es absolutamente inverosímil) y para más inri el giro final se deduce en los veinte primeros minutos.

   El peso de la película recae en un autómata Gere (creo que es mucho mejor actor de lo que la mayoría de sus películas demuestran) que se limita a pasearse frente a la cámara, en el breve cameo de Martin Sheen y en el poco carisma que manifiesta Topher Grace (en la serie Aquellos maravillosos ´70 es en el único momento en el que ha demostrado algo este chico). Aunque para mí lo más destacable de la película es la preciosa Odette Annable (Monstruoso, La semilla del mal) que pese a tener un papel excesivamente corto siempre contará con mi simpatía por la naturalidad con la afronta todos los personajes (casi como el señor Grace, ejem, ejem…).

ISRAEL LÓPEZ
 

   En 1998 se estrenaba la cinta del ex Monty Python Terry Gilliam (Brasil, 12 monos)  “Miedo y asco en la Vegas” con Johnny Depp (Eduardo manostijeras, Dead man) y Benicio del Toro (21 gramos, Traffic) en cabeza de cartel y cuyo argumento daba pie, dos tíos puestos de drogas hasta los topes, a las interpretaciones más rocambolescas de ambos actores. Aquel título adaptaba la novela del escritor americano Hunter S. Thompson (1937-2005) y ahora se vuelve a tomar como base otra novela del escritor, de nuevo protagonizado por Depp que suma faceta de productor, para contar la historia de Kemp, escritor alcohólico incapaz de acabar nada que se proponga, que decide aceptar un vacante en “La Estrella”, un diario local de Puerto Rico de los años 60. Comenzará a redactar pequeños artículos a la vez que observa un país que con tal de preservar el idílico “sueño americano” será capaz de aplastar todo lo que se ponga por medio, incluyendo la gente del lugar.

   “Los diarios del ron” es una película donde esa preciada bebida no falta en casi ninguna de las escenas pero no deja resaca. Esto se debe a que la novela que adapta y se encarga de dirigir el inglés Bruce Robinson, tal vez más conocido en su faceta de guionista (nominado al Oscar por Los gritos del silencio e In dreams) que como director (Jennifer 8), es una historia amena, con cierto toques de humor, buenos actores y las hermosísimas calles de Puerto Rico como telón de fondo.

   La trama que va saltando del drama a la comedia y después a la denuncia social se nos narra a través del personaje que encarna Johnny Depp, un actor en mi opinión sobrevalorado sobre todo por el rollo que tiene eso de ser el pupilo de Tim Burton (Big Fish, Sleepy Hollow). Creo que gran parte de sus interpretaciones son demasiado reiterativas y lo único que cambia es el envoltorio. De hecho me gustan más sus trabajos “al natural” como “Donnie Brasco” o “Descubriendo nunca jamás” que muchos de los elogios a otros papeles como la reciente “Alicia en el país de las maravillas”. Por ello el papel que ahora ofrece me gusta, me convence porque sin ser especialmente destacable, al tener que interpretar en casi todas las escenas un hombre borracho no acude a sus famosos gestos a lo “Jack Sparrow” que francamente ya cansan. Esto tan sólo ocurre en una escena, en cuanto la veáis sabréis de que hablo, pero creo que es necesaria y bien planteada. En el resto de la trama está contenido y lo más importante, creíble. El reparto que arropa a Johnny hace que la cinta funcione bien: Aaron Eckhart (El caballero oscuro, el núcleo), Richard Jenkins (The visitor, ¿Bailamos?) o Michael Rispoli (Rounders, Asalto al Pelham 1,2,3). La actriz Amber Heard (Furia ciega, Bienvenidos a Zombieland) dejando a un lago su innegable belleza y su tremendo parecido a Keira Knightley (Piratas del Caribe) creo que ofrece un papel, sino el mejor en su breve carrera, sí que el más maduro a pesar de un pobre desarrollo. Por último Giovanni Ribisi (60 segundos, Salvar al soldado Ryan) que en lo que a estilismo se refiere le está pasando lo contrario que al camaleónico Nicolas Cage. Si este último cambia de look en cada nuevo y esperado trabajo, Ribisi te puede robar el coche, disparar en la Segunda Guerra Mundial o amenazar a Mark Wahlberg que siempre llevará el mismo corte de pelo y afeitado. Debajo de esta fachada creo que la interpretación no varía mucho de uno a otro proyecto. No me malinterpretéis. No me parece mal actor el muchacho, simplemente veo siempre el mismo personaje.

   Ahora en cartelera tenemos “La fría luz del día” rodada prácticamente en su totalidad en la calles de Madrid. Esta cinta es un ejemplo del valor que tiene el director de fotografía a la hora de escoger la localizaciones, la forma de rodarlas e intentar sacar el máximo partido a una ciudad. Mientras que en este título el trabajo de planificación es desastroso, entiendo que también por problemas con los derechos de donde puedes y donde no puedes rodar y que calles quiero que saques y cuales no, en “Los diarios del ron” el trabajo que hace Dariusz Wolski (Prometheus, Sweeney Todd) apoyado por la partitura de Christopher Young (Arrástrame al infierno, Jóvenes prodigiosos) es cuanto menos destacable. Puerto Rico y sus calles son muy cinematográficas al igual que las calles de Madrid siempre y cuando se sepa hacer.

   Una película ligera, amena, tal vez no diferente a lo ya visto pero si con unos actores que hacen que la función no decaiga.

F.J (@Rocabay)

   Dos tableros, uno vertical y otro horizontal, que encajan en uno de los extremos. Ambos vienen marcados por número y letras que generan una cuadricula a modo de coordenadas. En el horizontal colocamos una serie de barcos de distintas tamaños. Delante de nosotros un jugador en idénticas condiciones. Comienza la partida. “Batalla Naval”, “Hundir la flota”…estamos hablando del juego de mesa que ha estado en casas de más de 40 países y que ahora da el salto a la gran pantalla, como ya lo hizo hace unos años “Transformers” siendo ambos de la misma casa de juguetes: “Hasbro”, en una película que ha contado con unos vistosos 200 millones de presupuesto. El californiano Peter Berg (Luces de viernes noche, La sombra del reino, Tesoro del Amazonas), que a lo largo de su carrera ha sabido compatibilizar labores de dirección con interpretación (Collateral, Leones por corderos) y guión (Los perdedores, Friday Night Light), mediante el libreto escrito por los hermanos Hoeber (RED, Whiteout) que hacen una adaptación puramente inspiratoria de aquel juego de mesa, dirige una cinta que ofrece espectáculo, con semejante presupuesto la cosa se veía venir, pero un show que intenta emular de manera descarada al cine de Michael Bay (Dos policías rebeldes, La roca) dejando en evidencia que, para bien o para mal, Bay sólo hay uno.

   A través de los hermanos Hooper (Taylor Kitsch que le vimos recientemente en John Carter y ya había trabajado con el director en la serie Friday Night Light y Alexander Skarsgard hijo del actor Stellan y visto en el último trabajo de Von Trier “Melancolía”) se nos narra una nueva invasión alienígena esta vez en su mayoría en alta mar con unas maniobra internacionales de la marina como telón de fondo.

   El guión y tratamiento de personajes es salvable. Unos personajes con un desarrollo que se ve venir en algunos casos (caso de Taylor que pasa de no tomar ningún tipo de responsabilidad a tener que dirigir un equipo. Creo que en esta película se defiende mejor que en la desastrosa “John Carter”) y otros personajes que simplemente están al servicio de la funciona (caso de la cantante venida a actriz Rihanna que es una especie de Vásquez en la mítica “Aliens” o Liam Neeson que se embolsa un dinerito mu majete). Tal vez la cinta peque de un excesivo tiempo en presentar los personajes principales con sus respectivos conflictos (hermano inmaduro pero con dotes de liderazgo, pedir la mano al padre…) hasta que empieza la pirotecnia.

   Un producto de esta envergadura se presupone escenas espectaculares y tampoco entraré mucho ahí porque las tiene aunque con un acabado digital bastante cantoso. Pero tal vez se nota demasiado que no es una película de Berg sino de estudio. El equilibrio entre la acción más contundente y el drama personal es lo que me atrajo del trabajo que hizo el director de “Battleship” con “Hancock”. Con “La sombra del reino” se atreve a dotar a la cinta de un estilo observacional/reportaje que le iba muy bien. Pero ambos títulos cuentan con la producción de Michael Mann (El dilema, El último mohicano) que seguramente le iría aconsejando y guiando. Ahora ya no está y en la cinta no se aprecia la figura del director. Todo lo contrario. Se ha copiado de una manera descarada, demasiado en mi opinión, el estilo bahiniano, que tanto adeptos como detractores tiene, no sólo a nivel de rodar la acción (travelling alrededor del actor, panorámicas con ópticas largas, ralentizaciones que rozan el videoclip…) sino que incluso se utilizan parte de los efectos de sonido robóticos que se vieron la en la cinta de Michael Bay “Transformers”. El problema es que Bay sólo hay uno y no vale con imitar. Hay que tener corazón, personalidad y saber meter al público en la acción y creo que Michael esto lo hace mejor.

   Aun así no engaña y entrega las poderosas imágenes que hemos podido ver en trailers, spot o carteles. Un cocktail de palomitas para este fin de bastante digerible.

F.J (@Rocabay)

   Esta semana llega a la cartelera española una película de esas que no deja indiferente a nadie. Se nos presenta un drama con tintes de thriller. Curtis Laforche, marido y padre de clase obrera, comienza a experimentar sueños paranormales que en un primer momento atribuye a una esquizofrenia. Haciendo frente a sus mayores miedos construye un refugio para tornados en la patio de su casa. El problema se presenta cuando su paranoia llega a extremos que comienza a asustar a su mujer Samantha y a su hija Hannah y no sabemos si trata de protegerlas de la tormenta o de sí mismo.

   Ganadora en el festival de Cannes del Gran Premio de la Crítica. Premio especial del jurado en el festival de Gijón. Nominada al Gran premio del Jurado de Sundance y ganadora de treinta premios repartidos entre sus dos protagonistas Michael Shannon (Revolutionary Road, Pearl Harbor, Vanilla Sky), y Jessica Chastain (The Help, The Debt, El Arbol de la Vida). Estos son los credenciales de esta fantástica película.

   “Take Shelter” es el segundo proyecto del director Jeff Nichols que ya con su ópera prima “Shotgun Stories” consiguió muy buen resultado. En ambas películas cuenta con la participación de Shannon, su actor fetiche y la fórmula funciona. En la parte femenina decide incorporar a la actriz del momento Jessica Chastain. Recientemente nominada al Oscar por su papel secundario en “The Help”. Esta actriz viene pisando muy fuerte y a sus treinta y un años ha trabajado con los mejores directores y actores. Este año ha tenido en cartel hasta cinco películas y ha recibido casi una treintena de premios. Cuidadito con esta californiana que tiene todas las papeletas para convertirse en la próxima Meryl Streep. 

   Pero vayamos a lo importante, la película. ¿Cómo describirías algo que durante dos horas os provoca miedo, tensión, angustia y que no veis? Nichols juega muy bien las cartas de mantener la incertidumbre ante lo desconocido, entre lo que puede o no puede ser real. No se sabe qué es lo que provoca este estado de alerta constante.

   Hay una dicotomía ente el contenido del guión y la forma de narrar la cinta. Dentro de la calma con la que está contada la película, planos estáticos, poco diálogo, silencios… hay un contraste muy fuerte con la tensión que provoca la trama. Y como resultado nos induce hacia una sensación de intranquilidad que dura hasta el final. Nichols consigue llevarnos de un lado a otro entre una posible enfermedad mental o entre una predicción apocalíptica. Y la forma de hacerlo es muy sutil. Maneja a su gusto al espectador llevándolo por donde quiere y así sorprenderle con el desenlace de la película.

   En este tipo de cintas un ochenta por cierto del éxito reside en la banda sonora, y en esta ocasión David Wingo consigue el efecto perfecto para conseguir la atmósfera indicada.  Los efectos sonoros y visuales están muy bien conseguidos y la unión de estos tres elementos da como resultado más veracidad y mayor facilidad para dejarse envolver en la situación. Las interpretaciones son fantásticas. Estos dos actores se comen la pantalla.

   En resumen. Es una película sorprendente, muy interesante en los temas que plantea, en los miedos personales de los protagonistas y en la forma de reacción ante los problemas. Perfecta para pasar un buen rato en el cine y salir con la sensación de haber visto un peliculón. Si con su segunda película el director ha conseguido este resultado, que no hará con las siguientes. Estaremos atentos.

CRISTINA VARO (@Cris_varo) 

   Michael Sucsy da el salto a la gran pantalla tras haber triunfado en la televisión con la película Grey Gardens (que supuso una nominación al emmy para cada una de sus protagonistas Drew Barrymore y Jessica Lange, aparte de otras 15 nominaciones más). Con un planteamiento mucho más realista que la divertida 50 primeras citas (Peter Segal), la película se basa en una historia real para contar como Paige (McAdams) debido a un accidente de tráfico, pierde la memoria y no recuerda nada de lo vivido con su marido Leo (Tatum), pero si lo anterior a que éste apareciera en su vida.

   El mayor defecto que puedo encontrarle a la cinta es el poco desarrollo que se hace de la trama, y del personaje de Leo. Tanto el propio Sucsy como Jason Katims (Friday night lights) y el dueto de Abby Kohn y Marc Silverstein (Qué les pasa a los hombres, Historias de San Valentín) firman un guion en el que cometen el error de no tratar con equidad a las dos partes implicadas en la película (el desarrollo de Leo es esquemático, escaso e idealista; mientras que el de Paige es todo lo contrario). Aunque la película, en su conjunto, es bastante coherente y lineal, el hecho de no haber tratado en igualdad de condiciones a los dos personajes (es curioso este detalle puesto que todos los guionistas de la película son masculinos...) hace que no sea una apuesta mucho más profunda de lo que han conseguido.

   Tanto Rachael McAdams (Sherlock Holmes, Vuelo nocturno, El diario de Noah) como Channing Tatum (Querido John, Street dance, Memorias de Queens) realizan unas buenas actuaciones y demuestran muy buena química cuando es necesario (su boda en el museo o la secuencia en el taller de esculturas en la que Paige no encuentra la inspiración) y absolutamente ninguna cuando también es necesario para la historia (la fiesta de pedida de la hermana de Paige o cuando ésta se despierta del accidente y no reconoce a Leo). Si además añadimos a dos secundarios de lujo como la maravillosa y rejuvenecida Jessica Lange (El cartero siempre llama dos veces, El cabo del miedo, American Horror Story) y el magnífico Sam Neill (Parque Jurásico, Horizonte final, En la boca del miedo) para ayudarles a llevar la historia, interpretando a los ausentes padres de Paige, está claro que el nivel artístico de la película sobresale por encima del técnico (cosa por otra parte lógica en una producción de estas características).

   Aunque historias como ésta han sido mil veces contadas, nunca dejará de sorprenderme la emotividad, el amor y el dolor que puede haber en ellas. Todos sabemos, más o menos, por donde se va a desarrollar la trama de la película, pero eso no hace que no te hieran los desprecios que Paige hace hacia Leo (mucho más cuando aparece por medio su antiguo novio interpretado por Scott Speedman) y que no comprendas la frustración y el dolor que se puede sentir cuando un ser al que amas con todo tú alma desaparece para convertirse en un completo desconocido.

   Una buena historia de amor, que pone el listón al género masculino muy, muy alto (lo sé porque pertenezco a ese target) y que debería plantearle a mas de una mujer si las elecciones que toman en la vida son las correctas, las que deben ser…o las que su corazón dice que tiene que ser.

ISRAEL LÓPEZ

   Muerta la gallina de los huevos de oro o lo que es lo mismo Piratas del Caribe, la factoría Disney vuelve a atacar con lo que dicen será, si todo sale bien, una nueva saga con sus respectivas entregas. John Carter da el pistoletazo de la salida con un presupuesto de 250 millones de dólares y el ganador del Oscar Andrew Stanton (Wall-E, Buscando a Nemo) al frente del proyecto, siendo esta su primera película en acción real, que firma el guión junto a su colega en Pixar Mark Andrews (El Hombre Orquesta) y Michael Chabon (Spiderman 2), adaptando el relato “A Princess of Mars” de Edgar Rice Burroughs (1875-1950). Con este material de partida la película podría haber sido una montaña rusa de palomitas para el disfrute del público masivo en la salas del cine pero desgraciadamente nos encontramos con un guión bastante pobretón, desconozco si por el material de partida que se adapta o por imposición del estudio, que derivada en un dibujo muy limitado de los personajes, secuencia vistas en otras cintas similares, una carencia del uso del 3D pero sobre todo una sensación continua de desorientación, es decir, que uno no sabe que motiva a los protagonistas a hacer esto o aquello.

   Con semejante presupuesto voy a dejar a un lado las connotaciones del tipo “Que bien están hechas las naves” o “Que buenos los Fx” porque parto de que las películas de este calibre en ese sentido no van a decepcionar. John Carter no lo hace. Esta es de las pocas virtudes que se puede sacar a la cinta que parte de una premisa que no justifica el ambientarla en Marte. La película narra las aventuras del soldado John Carter en el planeta Marte (el como llega roza un tanto lo absurdo), donde debe aliarse a la princesa Dejah Thoris para luchar contra el déspota Sab Than. Es una típica historia de héroes y villanos, buenos y malos, guapos y feos pero... ambientada en el planeta rojo. ¿porque?. Cuando arranca la cinta y ve una historia más bien simplona reflexiona el porque de esa localización. Justificar una supuesta espectacularidad en la producción y meter aliens mediante CGI parece la respuesta más evidente. También resulta curioso que el sudafricano Daniel Mindel (Misión Imposible, Enemigo Público) no haya buscado los tonos rojizos propios del planeta donde nos encontramos y su fotografía sea similar al planeta tierra. No veo justificación para el uso de esta paleta de colores y muchas veces las localizaciones de Utah, lugar donde principalmente se llevo a cabo el rodaje, se hace demasiado evidente.

   Si vas a crear historia de buenos y malos, perfecto, pero dale matices. Sino te quedarán caricaturas. La muy justificada nominación de Johnny Depp (Eduardo Manostijeras, Alicia en el país de las maravillas) en la estupenda primera entrega de la saga "Piratas del Caribe" lo consiguió a parte de por la vuelta de tuerca al papel clásico de pirata, por esos pequeños matices y ambigüedades que rodeaban al personaje. Aquí los malos son malisimos y gritan y mucho y los buenos buenisimos.  Dominic West (300, The Wire) como rey déspota y sanguinario, Mark Strong (Red de mentiras, Oro negro) en un papel que recuerda a los “Observadores” de la serie “Fringe”, Ciarán Hinds (La Deuda, La Mujer de Negro) como el rey y padre que lucha por salvar a su pueblo…no ayudan a que te creas la historia (atentos al maquillaje y vestuario). A parte de todos estos está Lynn Collins (Lobezno, El Número 23) que además de interpretar a la chica en un mundo de hombres que se quiere hacer de notar, el trabajo de caracterización y maquillaje es para dar de comer a parte. Ya el personaje es sosete pero a parte tiene un aroma a Xena la guerrera que no mola. Sobre Taylor Kitsch (Lobezno) está correcto pero sin la suficiente fuerza para soportar el liderazgo de una cinta como esta.

   En lo referente a la puesta en escena se nota una carencia de originalidad. La naves beben del diseño que vimos en la también desastrosa “Cowboys contra Aliens” y la escena que sirve como plato principal tanto el trailer como en los banner colocados en los cines donde se ve a Carter luchando contra monos blancos gigantes es un reflejo de “Star Wars: El Ataque de los clones”. El recurso de justificar los saltos del protagonista por la gravedad del planeta, visto la primera secuencia vista todas. Llega a hacerse cansino tanto saltito.

   A parte de todo esto, no se si fruto de que suena a manido todo lo vemos y los personajes no interesan mucho, en lo referente a la historia una de dos: o yo como espectador no me enteré de lo que se persigue en cada momento o hay demasiados agujeros en el guión que dificultan su seguimiento. He querido dejar esto último para el final porque se trata tal vez de algo más personal el que me costase seguir la película pero intercambiando opiniones creo que se trata más bien de la opción b.

   Un producto fallido de un director que hasta ahora nos había entregado autenticas joyitas. Ojala que en su siguiente proyecto volvamos a ver a un flexo saltarín al inicio de la proyección.

F.J (@Rocabay)

   Chronicle es al cine de superhéroes lo que Monstruoso (Cloverfield) es al género de ciencia ficción con monstruo.

   Con un argumento inspirado directamente por las series de televisión Héroes y  Misfits, Max Landis (hijo del maestro John Landis)  y Josh Trank realizan su primer guion para pantalla grande usando como eje central una premisa de sobra conocida: “Un gran poder conlleva una gran responsabilidad”.

   Lo mejor del simple guion, que ni mucho menos simplista, es lo bien que están dibujados los personajes. Cada pequeño detalle que aparece en pantalla tiene un motivo (obvio en algunos momentos) y cada personaje cumple a la perfección lo que se va a pedir de ellos. Los jóvenes protagonistas Dane DeHaan (En Terapia, True Blood), Alex Russell y el más curtido Michael B.Jordan (En Terapia, The wire, Friday Night Lights), acompañados de un magnífico Michael Kelly (Destino oculto, Caza a la espía..) realizan un buen trabajo ante las cámaras, interpretando con curiosa naturalidad casi todas las escenas (alguna de ellas tan increíbles como que dos de los jóvenes estén almorzando en la cornisa de un rascacielos…).

   Imagino que no será casual que Josh Trank debute en el cine con una historia de éstas características, ya que es un género que cualquier adolescente del mundo podría tratar de una u otra manera. Lo destacable, es la fresca realización con la que dirige la película y el crescendo que produce el director (sobretodo con uno de los personajes) a medida que evoluciona la película y los poderes de los protagonistas…. La evidente inspiración televisiva es lo que le resta frescura e impacto a una historia original y sobretodo muy bien desarrollada.

   Las coincidencias con la excelente Monstruoso (Cloverfield) (del gurú televisivo J.J Abrahams) parten del magnífico empleo de la cámara en mano para contar todas las situaciones de los personajes, pasando por unos intérpretes solventes pero casi desconocidos, una fotografía fría y realista, hasta llegar a unos efectos especiales más que destacables (sobretodo teniendo en cuenta que la película ha costado 15 millones de dólares…) y que en casi ningún momento son evidentes (hay que destacar los últimos quince minutos de película en la que la historia deja paso a la acción y que está perfectamente dirigida y planificada).

   Trank y Landis han realizado un muy notable trabajo con ésta película y es de recibo tenerles en cuenta para posibles proyectos en los que no haya una huella televisiva tan profunda . Chronicle es una excelente película de aventuras y ciencia ficción para pasar una buena tarde de fin de semana y olvidar nuestras pequeñas responsabilidades.

ISRAEL LÓPEZ

   Si acuñamos el término artesano en el mundo del celuloide a la persona que controla todo el proceso de creación y ello refleja un indiscutible sello personal, para bien o mal el ganador del Oscar Steven Soderbergh (Trilogía Ocean´s, Traffic) es uno de los pocos que aún se mueven en la línea de un cine comercial pero sin rechazar un evidente gusto estético. Acostumbrado en múltiples proyectos a compatibilizar las labores de dirección/fotografía (utilizando el seudónimo de Peter Andrews) en Haywire también lo hace de la edición (como Mary Ann Bernard) logrando que los escasos 23 millones de presupuesto que ha necesitado para esta cinta de acción brillen en sus abundantes secuencias acrobáticas, en su mayoría realizadas por los propios actores. Lastima que el guión de Lem Dobbs (Dark City, The Score) sea un refrito del género y tenga en su casting actores poco a nada inspirados como Antonio Banderas (Oro Negro, La Mascara del Zorro).

   En “The Girlfriend Experience” contrato a la actriz porno Sasha Grey para narrar en forma de falso documental que se esconde detrás de las chicas de alto standing que venden su compañía a cambio de altas sumas de dinero. El resultado fue sumamente estimulante tanto por la temática como la cuidada puesta en escena. Ahora coge a la campeona de lucha libre Gina Carano con apenas experiencia en cine y la pone al frente de este proyecto que juega con la premisa de “agente cazado que busca al cazador” pero en su versión más simplona. Carano se mueve bien en un personaje que es más físico que psicológico, de ahí que Soderbergh la haya escogido. El resto de casting es bueno: Michael Douglas, Ewan McGregor, Channing Tatum, Michael Fassbender o el gran Bill Paxton pero podemos estar hablando más de cameos por su escasa aparición en pantalla que de papeles. Reunión de colegas para hacer algo juntos. El que me asombra es Antonio Banderas, un actor que sin ser excepcional se ha sabido mover por proyectos como “La Mascara del Zorro” o “Femme Fatale” pero que ahora en escenas como la de Marbella parece haber perdido el rumbo de su carrera.

   “Un Romance muy Peligroso” o el estupendo díptico que hizo sobre el Che, Steven Soderbergh rueda bien las puntuales secuencias de acción. Ahora estamos en una cinta de hora y media donde la acción casi no decae. El trabajo de montaje y sonido están muy cuidados, me quedo en la secuencia del rescate de un rehén donde el sonido directo es suprimido por el soundtrack, y debido al bajo presupuesto las peleas denotan un trabajo de planificación previa de storyboard por la precisión con que es colocada la cámara. Estimulante. Habitual en la filmografía del director, se vuelve a hacer uso de rótulos para situarnos así como una gran variedad de dominancias cromáticas dependiendo de la localización. La música de David Holmes (Zoolander, Código 46) recuerda demasiado a la trilogía Ocean´s (véase la secuencia en Dublín).

   A pesar de las carencias evidentes en su estructura, Haywire es cine de acción rodado por alguien con un indiscutible gusto estético que amenaza con una jubilación anticipada. Toco madera para que esto no ocurra.

F.J (@Rocabay)

   Espectacular propuesta del director Steve McQueen sobre un tema complejo donde los haya. Nos presenta su segunda película después de “Hunger” y vuelve a contar con el actor Michael Fassbender (Un Método Peligroso, Jane Eyre)  aunque no será su última colaboración ya que están preparando la tercera película juntos.

   La cinta cuenta la historia de Brandon, un hombre de treinta tantos años que vive solo en su apartamento de Nueva York. Tiene un buen trabajo y en sus ratos libre se dedica a seducir mujeres. Nada serio, encuentros de una noche. Toda esta calma en su vida se ve sacudida con la llegada repentina de su hermana Sissy (Carey Mulligan), chica rebelde y problemática. Su presencia llevará a Brandon a perder el control de su propio mundo.

   McQueen, junto con Abi Morgan, ha escrito este fantástico guión en el que la vida del personaje gira en torno a su adicción, en este caso, al sexo. Una adicción que está presente en todos los aspectos de su vida, en lo persona, social, laboral, familiar. Incontrolable hasta el punto de ser destructiva.

   La cinta nos hace reflexionar sobre los traumas que hemos podido tener en nuestras vidas y la forma en que nos marcan. Es un película de una psicología compleja. Los dos personajes están tocados por un trauma que desconocemos y lo que nos enseña el director es la forma que tiene cada uno de ellos de exteriorizarlo. Brandon mediante el sexo, vive por y para ello. Es meticuloso, controlador en su día a día, mujeriego, superficial en sus relaciones personales y Sissy es todo lo contrario, extrovertida, lanzada, apasionada, con una carencia afectiva y una relación rota que la hace buscar a alguien que le de eso que necesita. Estos dos trenes explosivos se encuentran y se produce el estallido de ambos.

   La película está llena de escenas de sexo y bastantes desnudos, entre ellos el del protagonista, pero lo que llama la atención es que todo esto es secundario. No es una simple película sobre sexo, es un película sobre cómo una persona puede vivir con una adicción tan fuerte. Es incapaz de establecer una relación con alguien si no es sexual, no muestra sentimientos ni con su hermana, ni con su jefe. No tiene amigos, es un juguete roto que huye de su “droga”, pero esa huída le provoca reencontrarse con ella una y otra vez.

   Las interpretación son espectaculares. Michael Fassbender ha tenido la oportunidad de “desnudarse” no solo físicamente sino psicológicamente ante una cámara de forma perturbadora. Cautiva al espectador en su mundo de angustia, de tormento, de opresión provocada por él mismo. Estamos ante un monstruo de la interpretación y de ahí mi total incomprensión al olvido de los académicos para los Oscar. Lo mismo pasa con la excelente Carey Mulligan (Drive, Never let me go, An Education). Acostumbrados a verla en papeles en donde muestra una fragilidad casi de porcelana, de niña buena, contenida… en esta película es otro juguete roto, una bomba de relojería y atentos porque tiene una escena que nos deja helados, un primer plano de casi dos minutos en donde vemos al personajes abierto en canal a través de sus ojos y su voz. Brillante.

   La película técnicamente acompaña a la historia, es decir, toda ella está en un azul constante reflejando la frialdad de la vida de los personajes, la falta de calor, de afecto, de cariño. Ausencia de colores cálidos. Un mundo de matices fríos. El director juega mucho con los reflejos, los cristales, los espejos… Vemos muchos planos secuencia. Planos largos muy bien aguantados por los actores. Estos planos aportan una tensión que no se rompe hasta que cambia la escena. La banda sonora merece mención aparte y corre a cargo de Harry Escott. Inquietante, triste, brillante, magnífica.

   En definitiva, es un película perturbadora que muestra un tema tabú en nuestra sociedad en donde mucha gante padece esta enfermedad pero se habla poco de ella. Como cualquier otra, va consumiendo la vida del afectado hasta acabar con todo a su alrededor. Solo queda la solución de pedir ayuda o cargar con ello para toda la vida.

CRISTINA VARO (@Cris_Varo)

ESTRENO 17/02/2012

   “Viaje al Centro de la Tierra 2: La Isla Misteriosa” responde a la continuación de la cinta de 2008 “Viaje al Centro de la Tierra” que hacía una adaptación/inspiración de la novela homónima de Julio Verne y que conseguía embolsar para las arcas 250 millones frente a los 60 que costó. El único que se apunta a esta nueva aventura es el joven Josh Hutcherson (Todos los Chicos están Bien, Un Puente hacia Terabithia) ya que su protagonista Brendan Fraser (La Momia, El Americano Impasible) es sustituido por Dwayne Johnson (Tesoro del Amazonas, A todo Gas 5), ambos coincidieron en “El Regreso de la Momia”, y ahora dirige Brad Peyton (Como Perros y Gatos: La Venganza de Kitty Galore).

   Enfocado hacía un público más infantil que juvenil se agradece que la hora y media que dura la cinta estén bien aprovechados a través de una historia que si bien es excesivamente simple, arranca en su minuto uno con la aventura hacía la isla misteriosa en vez de perderse por los laureles. Estas películas suelen tener un acabado pobre donde el píxel y croma campan a sus anchas pero los casi 80 millones de presupuesto de la cinta a nivel de producción brillan en secuencias como el ataque del lagarto gigante o la persecución de las abejas con ralentizaciones propias de Zack Snyder (Ga´Hoole: La Leyenda de los Guardianes, Sucker Punch). El lugar que ocupa el 3D es el mismo que en la primera entrega, de dentro hacía afuera, logrando que en determinadas ocasiones los “peques” disfruten con los bichejos que pueblan el lugar.

   Michael Caine (Batman Begins) comentó hace un par de años que ya sólo cogía proyectos si le parecían interesantes y no tanto por los dólares. Unos cuantos días de rodaje de Hawai siempre puede ser un handicap para aceptar un proyecto, y ese debe ser el motivo por el que le vemos haciendo de abuelo explorador. “The Rock” intenta conjugar como hizo en sus orígenes Arnold Schwarzenegger (Terminador, Los Mercenarios) la comedia familiar, “Rompedientes”, con la acción más descontrolada, “Sed de Venganza”. El actor tiene gracia y carisma (véase la escena de la vayas saltarinas) aunque con limitaciones. Por último Vanessa Hudgens (High School Musical) cantando, saltando o disparando la chica es mona…muy mona. Aparte de estos, aparece Luís Guzmán (Booggie Nights) que su personaje se convierte en el mayor lastre de este viaje ya que simple y llanamente: sobra.

   Dejando a parte su escasa complejidad y la manera arbitraria en que suceden los acontecimientos, "Viaje al Centro de la Tierra 2" hará pasar buenos momentos a los terremotos de la casa. A los mayores se les recomienda una ración de palomitas…por si acaso.