Hace unos años de estrenaba “Attack de Block” una cinta que no llegaba a los 15 millones de presupuesto en donde se narraba de forma original, enérgica y divertida una invasión alienígena pero con la peculiaridad de que el punto de vista optado para contar la historia era la de unos chavales de barrio. Apenas un par de localizaciones y un cartel de actores desconocido si exceptuamos a Nick Frost (Arma fatal, Zombies party) cuya participación se convierte casi en un cameo. El resultado fue una cinta cuyo adjetivo que creo que mejor la define es fresca. Aunque dicen que las comparaciones son odiosas, y muchas veces lo son, esta vez me va a servir para demostrar el famoso dicho de “menos es más”.

   “Los amos del barrio” cuenta exactamente lo mismo que lo hacía “Attack de block” pero con un presupuesto que lo tríplica, un cabeza de cartel donde nos encontramos a la cream de la cream de la comedia: Ben Stiller (Los padres de ella, Tropic Thunder), Vince Vaughn (Cuestión de pelotas, Aquellas juergas universitarias), Jonah Hill (Supersalidos, El canguro) y un poco más atrás en cuanto a cara conocida se refiere, actualmente tiene en cartelera en función de director la interesante “Submarine”, Richard Ayoade. Además, cuenta no con uno, ni dos….sino con hasta tres guionistas y el encargado de llevar la batuta, Akiva Schaffer, pese a no tener una extensa carrera en cine puede presumir de haber dirigidos varios episodios del Saturday night live. Nada de esto lleva a buen puerto esta historia que a pesar de su corta duración, se limita a intentar explotar la supuesta comicidad de su reparto (cuantas películas va a hacer Stiller como líder/mente pensante de un grupo: Un golpe de altura, Noche en el museo, Tropic Thunder…sin darse cuenta que la fórmula se agota) con eternas escenas de verborrea escatológica en donde uno entiende porque se optó por contratar a los mismos guionistas que “Superfumados” o “Supersalidos”. Cierto es que la cinta gana ciertos puntillos debido al señor Hill, recientemente nominado al Oscar por su fantástico trabajo en “Moneyball”, pero a parte de este dato el guión ni da pie a giros y si los tiene o bien los más avispados los van a coger o como la mitad de las veces pasa en este tipo de películas están en el trailer, ni tampoco es ingenioso en su discurso.

   Tal vez mi mayor alegría fue ver aparecer en pantalla al gran R. Lee Ermey (La chaqueta metálica, La matanza de Texas (2003)). Una aparición que en tiempo puede rondar los 5 minutos. Ahí está el listón de la película.

   “El fraude” arranca mostrándonos las vida de Robert Miller, hombre poderoso, influyente, rico, padre de familia y adorable marido, amigo de sus amigos, dueño de una gran multinacional…pero como todo en esta vida no todo lo que brilla es oro.

   Nicholas Jarecki, tras el cortometraje “The weight” y el documental “The outsider”, se estrena con este largometraje, del que también es autor de guión, con una historia y desarrollo bastante plausible pero que denota ciertos fallos de una ópera prima.

   El primero de ellos es un guión que intentar abarcar múltiples tramas y que al final todo se queda un tanto insípido. Trama inmobiliaria, otra policíaca y por último la familiar. El abrir tanto frentes y tratándose de una cinta de algo más de hora y media creo que no llega a cuajar ninguna de ellas.

   Luego tenemos la realización con la que esta narrada la historia. Bajo mi punto de vista poco original y muchas veces vista. En este apartado si que es destacable la música que compone Cliff Martinez (Traffic, Narc) como medio para crear atmósfera y que ya demostró gran capacidad para ello en “Drive” o “Contagio”.

   Por último creo que están muy poco tratadas las relaciones humanas lo que dificulta seriamente el creerse las reacciones. Richard Gere (Pretty Woman, Oficial y caballero) con la extensa carrera que tiene a sus espaldas ha demostrado que a excepción de papeles muy concretos como el de “Chicago” su registro actoral es muy corto. Pues bien, si a esto le sumamos que lo que une a unos personajes con otros está excesivamente diluido queda en general unas situaciones poco interesantes. Por poner un ejemplo tenemos a la maravillosa Susan Sarandon (Thelma & Louise, Pena de muerte), ya coincidió con Gere en la simpática “¿Bailamos?”, que queda relegada a dos o tres escenas/frase. Ello provoca que llegados al clímax entre ésta y su marido la cosa no hay por donde cogerla. Lo mismo entre el personaje de Richard y su hija. El único que parece disfrutar, y nosotros con él, es el estupendo y el incomprensiblemente olvidado Tim Roth (Reservoir Dogs, Pulp Fiction).

   Presentada en el reciente Festival de San Sebastián “El fraude” es una cinta que vuelve a demostrar que dar el salto del corto al largo no es tarea fácil. Una liga donde el saber desarrollar una buena historia es clave para salir airoso.

   Andrew Dominik brinda al espectador su tercer trabajo, en doce años, tras la notable Chopper (con un excelente Eric Bana) y la magnífica El asesinato de Jesse James por el cobarde de Robert Ford (en la que también participaba Brad Pitt).

   Dominik tiene un pulso narrativo peculiar, directo, frío, preciso (incluso a veces distante), en el que muestra de manera sobria y soberbia el contexto en el que se mueven los personajes de sus películas. Sumerge al espectador en la trama de manera calculada y quirúrgica mediante un hábil manejo de la cámara y una, a veces, complicada estructura de muchas de las secuencias…Pero hay veces que ese calculado “voyerismo” se torna tan brutal que está impostado en la historia, sobresale por encima de ella y le arrebata protagonismo. Éste es uno de esos casos y hace a la película perder fuerza ya que el director plaga la pantalla de personajes, situaciones, escenarios….y no determina (hasta bien entrada la película) el papel y el protagonismo que tienen cada uno de ellos en la historia.

   Este exceso de verborrea de imágenes, unido a un guion “mejorable” por la originalidad de la trama sobre todo (recuerdo la maravillosa Antes que el diablo sepas que has muerto que con poquito más, hacía mucho más) escrito por el propio Dominik y adaptando una novela de George Higgins, forma un producto complicado de vender y sobretodo de hacer creer al espectador (medio).

   La parte interpretativa es donde la película eleva su nivel de manera exponencial al contar con intérpretes tan consagrados como Ray Liotta (Uno de los nuestros, Identidad, Narc), Richard Jenkins (The visitor, Hermanos por pelotas, El núcleo) James Gandolfini (La genial Los soprano, The mexican, Asesinato en 8mm). Pero obviamente domina la película (irrumpiendo en pantalla a ritmo de Johnny Cash) Brad Pitt (El río de la vida, Una rubia entre dos mundos, Spy game), en un papel que demuestra, una vez más, que es una bestia interpretativa, y que le permite desarrollar su faceta menos comercial y en donde él más a gusto se siente.

   Después de ver la película la sensación que me ha quedado es que es como un gran vino de una añada excelente, que por determinados elementos no llega a ser todo lo que debería ser, pese a contener todos los elementos necesarios. Pese a todo es una propuesta excelente que trata al espectador como adulto y que le propone un arriesgado juego de violencia y moralidad mostrándole una realidad económica paralela a la que la mayoría de la gente tenemos. Imprescindible, pero claramente mejorable.

   Annie, Jean, Claude, Albert y Jeanne son amigos desde hace más de 40 años. Pero cuando la memoria falla, el corazón se descontrola y aparece el fantasma de la residencia de ancianos, se rebelan y deciden irse a vivir juntos. A todas luces, una locura. Pero aunque la falta de espacio moleste y despierte viejos recuerdos, empieza una genial aventura: Compartir casa a los 75 años.

   Últimamente nos están llegando de nuestro país vecino productos muy interesantes tanto en comedia como en drama. Sin embargo, la cinta que hoy nos ocupa no ha sabido exprimir al máximo la relación entre ambos géneros. Digamos que se mantiene todo en el mismo nivel dramático y cómico, es decir, plano. Una hora y cuarenta minutos de linealidad cuyos puntos de giro son débiles y en la mayoría de las veces les falta intensidad. Y es una pena porque la historia que nos cuenta está llena de posibilidades. Stéphane Robelin dirige y escribe esta historia (coproducción franco-alemana) que supone su segundo largometraje después de estrenar “Real Movie” en 2004.

   Sin duda alguna lo mejor de la cinta es el elenco de actores. Nos encontramos con una fantástica Jane Fonda, un divertida Geraldine Chaplin y grandes hombres de la comedia francesa como el humorista Guy Bedos, Claude Rich y Pierre Richard. Les acompaña el único joven que tendrá como función estudiarles. Un etnólogo alemán llamado Daniel Brühl (Eva, Los Pelayos). Todos ellos funcionan a las mil maravillas y nos recuerdan que la experiencia en esto de la interpretación es un grado.

   Lo más interesante que encontramos en el guión es la forma de presentar la vejez rompiendo con todos los tabúes. El sexo, los escarceos amorosos, la vitalidad frente a las enfermedades y sobre todo, las ganas que tienen de divertirse. La capacidad para reírse de sí mismos ante sus propias limitaciones causadas por la edad. Al fin y al cabo, si dejamos eso de lado podemos compararles con adolescentes ya que tienen los mismos deseos, problemas y necesidades que cualquier joven. Un retrato sobre nuestros mayores contado desde la comicidad.

CRISTINA VARO (@Cris_varo) 

   Película de suspense y venganzas con reminiscencias de la guerra fría, protagonizada por un sexagenario Richard Gere y un cada vez más soso Topher Grace.

   El guionista Michael Brandt (El tren de las 3:10, Wanted: se busca) debuta en la dirección de largometrajes con éste film de caza al asesino que contiene cierto tufillo a las películas de los años ochenta protagonizadas por los Segal, Van Damme, Norris…(sin un ápice de crítica, sólo como dato puesto que entre aquellas se encuentran auténticos clásicos). Brandt defrauda, tanto como director, con un trabajo completamente plano y aséptico, pero mucho más como guionista. La intriga ha sido mil veces vista, los personajes están desarrollados (Gere hace lo que puede con lo que le dan, pero es que lo de Grace es absolutamente inverosímil) y para más inri el giro final se deduce en los veinte primeros minutos.

   El peso de la película recae en un autómata Gere (creo que es mucho mejor actor de lo que la mayoría de sus películas demuestran) que se limita a pasearse frente a la cámara, en el breve cameo de Martin Sheen y en el poco carisma que manifiesta Topher Grace (en la serie Aquellos maravillosos ´70 es en el único momento en el que ha demostrado algo este chico). Aunque para mí lo más destacable de la película es la preciosa Odette Annable (Monstruoso, La semilla del mal) que pese a tener un papel excesivamente corto siempre contará con mi simpatía por la naturalidad con la afronta todos los personajes (casi como el señor Grace, ejem, ejem…).

ISRAEL LÓPEZ
 

   En 1998 se estrenaba la cinta del ex Monty Python Terry Gilliam (Brasil, 12 monos)  “Miedo y asco en la Vegas” con Johnny Depp (Eduardo manostijeras, Dead man) y Benicio del Toro (21 gramos, Traffic) en cabeza de cartel y cuyo argumento daba pie, dos tíos puestos de drogas hasta los topes, a las interpretaciones más rocambolescas de ambos actores. Aquel título adaptaba la novela del escritor americano Hunter S. Thompson (1937-2005) y ahora se vuelve a tomar como base otra novela del escritor, de nuevo protagonizado por Depp que suma faceta de productor, para contar la historia de Kemp, escritor alcohólico incapaz de acabar nada que se proponga, que decide aceptar un vacante en “La Estrella”, un diario local de Puerto Rico de los años 60. Comenzará a redactar pequeños artículos a la vez que observa un país que con tal de preservar el idílico “sueño americano” será capaz de aplastar todo lo que se ponga por medio, incluyendo la gente del lugar.

   “Los diarios del ron” es una película donde esa preciada bebida no falta en casi ninguna de las escenas pero no deja resaca. Esto se debe a que la novela que adapta y se encarga de dirigir el inglés Bruce Robinson, tal vez más conocido en su faceta de guionista (nominado al Oscar por Los gritos del silencio e In dreams) que como director (Jennifer 8), es una historia amena, con cierto toques de humor, buenos actores y las hermosísimas calles de Puerto Rico como telón de fondo.

   La trama que va saltando del drama a la comedia y después a la denuncia social se nos narra a través del personaje que encarna Johnny Depp, un actor en mi opinión sobrevalorado sobre todo por el rollo que tiene eso de ser el pupilo de Tim Burton (Big Fish, Sleepy Hollow). Creo que gran parte de sus interpretaciones son demasiado reiterativas y lo único que cambia es el envoltorio. De hecho me gustan más sus trabajos “al natural” como “Donnie Brasco” o “Descubriendo nunca jamás” que muchos de los elogios a otros papeles como la reciente “Alicia en el país de las maravillas”. Por ello el papel que ahora ofrece me gusta, me convence porque sin ser especialmente destacable, al tener que interpretar en casi todas las escenas un hombre borracho no acude a sus famosos gestos a lo “Jack Sparrow” que francamente ya cansan. Esto tan sólo ocurre en una escena, en cuanto la veáis sabréis de que hablo, pero creo que es necesaria y bien planteada. En el resto de la trama está contenido y lo más importante, creíble. El reparto que arropa a Johnny hace que la cinta funcione bien: Aaron Eckhart (El caballero oscuro, el núcleo), Richard Jenkins (The visitor, ¿Bailamos?) o Michael Rispoli (Rounders, Asalto al Pelham 1,2,3). La actriz Amber Heard (Furia ciega, Bienvenidos a Zombieland) dejando a un lago su innegable belleza y su tremendo parecido a Keira Knightley (Piratas del Caribe) creo que ofrece un papel, sino el mejor en su breve carrera, sí que el más maduro a pesar de un pobre desarrollo. Por último Giovanni Ribisi (60 segundos, Salvar al soldado Ryan) que en lo que a estilismo se refiere le está pasando lo contrario que al camaleónico Nicolas Cage. Si este último cambia de look en cada nuevo y esperado trabajo, Ribisi te puede robar el coche, disparar en la Segunda Guerra Mundial o amenazar a Mark Wahlberg que siempre llevará el mismo corte de pelo y afeitado. Debajo de esta fachada creo que la interpretación no varía mucho de uno a otro proyecto. No me malinterpretéis. No me parece mal actor el muchacho, simplemente veo siempre el mismo personaje.

   Ahora en cartelera tenemos “La fría luz del día” rodada prácticamente en su totalidad en la calles de Madrid. Esta cinta es un ejemplo del valor que tiene el director de fotografía a la hora de escoger la localizaciones, la forma de rodarlas e intentar sacar el máximo partido a una ciudad. Mientras que en este título el trabajo de planificación es desastroso, entiendo que también por problemas con los derechos de donde puedes y donde no puedes rodar y que calles quiero que saques y cuales no, en “Los diarios del ron” el trabajo que hace Dariusz Wolski (Prometheus, Sweeney Todd) apoyado por la partitura de Christopher Young (Arrástrame al infierno, Jóvenes prodigiosos) es cuanto menos destacable. Puerto Rico y sus calles son muy cinematográficas al igual que las calles de Madrid siempre y cuando se sepa hacer.

   Una película ligera, amena, tal vez no diferente a lo ya visto pero si con unos actores que hacen que la función no decaiga.

F.J (@Rocabay)

 

   Debo comenzar diciendo que considero a Steven Spielberg uno de los mejores directores de la historia del celuloide. Cada película que realiza es un reto (artístico y personal) y esa presión no siempre sabe afrontarla de la mejor manera. No siempre hace películas redondas o quizá ese sea su problema, que no siempre redondee sus películas...y eso le pasa factura.

   En ésta ocasión Spielberg dirige un guion escrito a cuatro manos por Lee Hall (Billy Elliot) y el guionista y realizador británico Richard Curtis (Love Actually, Cuatro bodas y un funeral o Nothing Hill) usando la novela de Michael Morpurgo (una novela que hay que decir es de corte completamente juvenil y eso determina la historia que se cuenta). Quizá ese sea el elemento discordante de ésta película, que el argumento es demasiado infantil, demasiado lacrimógeno, demasiado azucarado, demasiado...Spielberg.

   Curtis, Hall y Spielberg no logran atrapar al espectador. No lo conmueven como deberían (tampoco ayuda la duración de casi dos horas y media) y se pierden entre tantas historias diferentes sin llegar a centrarse en ninguna (el cambiar de protagonista hace que la historia decaiga una vez tras otra, pese a no aburrir en ningún momento), quizá la eliminación de alguna de las partes habría ayudado al espectador a comprender hacia donde va la historia.

   Pero no podemos olvidar que el señor que se sienta tras la cámara es Steven Spielberg. Y que es capaz de plantear secuencias dignas de recordar para siempre en la historia del cine (la secuencia en la que Joey atraviesa las líneas enemigas...sin palabras); qué es capaz de manejar y adaptarse a cualquier género que se le plantee (aunque no siempre con el resultado que se desearía) y sobretodo que tiene la capacidad de hacer emocionar al espectador en cada película.

   La agilidad con la desarrolla determinadas secuencias e historias, hace plantearse que no se centra en cada proyecto como debería (signos de agotamiento emocional) y que se dispersa a la hora de rodar (no sólo le pasa aquí en Inteligencia Artificial, Salvar al soldado Ryan...). Si se tomara tanto tiempo en rodar cada película como ha hecho con, por ejemplo, Las aventuras de Tintín, quizá podríamos disfrutar mucho más del Spielberg autor, creador, innovador, artista, genio...

   Como no podía ser de otra manera, el realizador de Átrapame si puedes, se rodea de un elenco de primer nivel tanto artístico como técnico, pero Spielberg es conocido por apadrinar a futuras estrellas (Drew Barrymore, Christian Bale...). En ésta ocasión el joven Jeremy Irvine (que debuta en el celuloide y sólo había hecho un poco de televisión) fue seleccionado de entre cientos de aspirantes para ser el dueño de Joey (el caballo que recorre la historia pasando de un dueño a otro). Entre los muchos intérpretes que acompañan a Joey en su historia están: Emily Watson (The boxer, Las cenizas de Ángela), Niels Arestrup (Un profeta, La escafandra y la mariposa), David Thewlis (Siete años en el Tibet, El gran Lebowski), Benedict Cumberbatch (El topo, Sherlock (la original propuesta televisiva de la BBC). Pero destaca un hombre que para el que escribe es probablemente "el mejor actor menos reconocido" de la historia: Peter Mullan (Hijos de los hombres, Mi nombre es Joe, Redención (Tyrannosaur)) brillante en su papel de dolido excombatiente que ahoga su dolor, sus penas y sus recuerdos en el alcohol.

   Un capítulo completamente a parte merece la fotografía que realiza el habitual del director Janusz Kaminski (La terminal, Salvar al soldado Ryan, La escafandra y la mariposa). Dejando a un lado que prácticamente no ha evolucionado en casi nada su técnica en todos estos años (al menos cuando trabaja con Spielberg), hay determinadas secuencias en las que se comenten fallos de iluminación impensables (secuencias enteras en las que en un plano la imagen es soleada y en el contra plano está grisácea, planos generales casi lloviendo y en los planos cortos con sol...) a lo que hay que añadir sus habituales contras que desfiguran la silueta de los personajes para "teóricamente" dotar a la escena de mayor dramatismo y que en este caso, sobretodo el la primera parte de la película, ralentizan la narración en vez de apoyarla.

   War horse es un trabajo complicado de evaluar porque la película tiene todos los elementos posibles para ser imperecedera (la dirección por mucho que duela a sus detractores es prácticamente impoluta) y sin embargo sales con la sensación de que lo que te han contado está muy bien.....si lo hubiéramos visto hace 25 años, hoy en día no nos llegan como espectadores las mismas emociones que antes.

   Una película a la que costará recordar en unos años en la filmografía del director pero que aquellos que aprecien el buen cine deben admirar, degustar y saborear como si de un buen vino se tratara.

ISRAEL LÓPEZ

   Hay títulos que tal vez no aporten al género pero sirven para que el público descubra nuevos talentos y echen un vistazo a su filmografía. Esto es lo que ofrece "El Invitado" del sueco Daniel Espinosa (Dinero fácil), un thriller con espías, secretos, novatos, malos, menos malos, chips subcutáneos pero todo ello de factura impecable y que sirve como carta de presentación al gran público de este joven que aún tiene mucho que decir. Denzel Washington (Training Day, El Mensajero del Miedo) en un papel ambiguo que tanto le gusta y Ryan Reynolds (Buried, Linterna Verde) que tras un extenso casting logró hacerse con el papel son sus protagonistas.

   Denzel lleva años haciendo de Denzel. O bien de bueno, buenazo como el caso de "Asalto al Pelham 1,2,3" o con tonos grises como "Training Day", papel que le dio su merecido Oscar. El caso que nos ocupa estaría en el segundo tipo. Pese a no arriesgar, el carisma de este actor frente a la cámara es innegable de ahí que para darle la réplica en su último trabajo pasaran actores como Sam Worthington (Avatar), Shia LaBeouf (Transformers), James McAvoy (Wanted) o Tom Hardy (Origen). Se necesita de un actor que no sea arroyado por Washington. Ryan Reynolds me parece un decisión acertada como agente de CIA novato que desea que su trabajo sea reconocido y ahora se le presenta la oportunidad. Vera Farmiga (Up in the Air), Brendan Gleeson (Escondidos en Brujas) y el mítico Sam Shepard (Elegidos para la Gloria) cumplen bien el rol de secundarios.

   Una cinta de acción con un director virtuoso rodeado por Oliver Wood (Saga de Bourne) con una fotografía granulada donde se busca quemar la luz y un uso correctísimo de la cámara semi documental, Richard Pearson (United 93, Iron Man 2) con la ruptura espacio/temporal que consigue gracias a la estupenda edición (recordemos que tiene en su haber un BAFTA y nominación al Oscar), y el soundtrack de Ramin Djawadi (Prison Break, Furia de Titanes) es complicado que el espectador no entre de lleno en la acción que bebe de la nueva tendencia del cine de acción iniciada por el inglés Paul Greengrass con "El Mito de Bourne". Sencillamente impresionantes son por ejemplo el ataque al piso franco con persecución incluida o el tiroteo nocturno en las chavolas que recuerda a la cinta de Greengrass, "Green Zone". El resto del guión escrito por David Guggenheim (en breve estrena "Stolen" con el gran Nicolas Cage (La Roca, Bajo amenaza)), juega a la premisa de "me han traicionado y debo averiguar quien". Lo que tardéis en acertar es cosa vuestra.

   Una cinta de una calidad que destaca por encima de la media. Un producto de consumo rápido y muy entretenido para los amantes y no tan amantes del corre que te pillo.

F.J