En 1998 se estrenaba la cinta del ex Monty Python Terry Gilliam (Brasil, 12 monos)  “Miedo y asco en la Vegas” con Johnny Depp (Eduardo manostijeras, Dead man) y Benicio del Toro (21 gramos, Traffic) en cabeza de cartel y cuyo argumento daba pie, dos tíos puestos de drogas hasta los topes, a las interpretaciones más rocambolescas de ambos actores. Aquel título adaptaba la novela del escritor americano Hunter S. Thompson (1937-2005) y ahora se vuelve a tomar como base otra novela del escritor, de nuevo protagonizado por Depp que suma faceta de productor, para contar la historia de Kemp, escritor alcohólico incapaz de acabar nada que se proponga, que decide aceptar un vacante en “La Estrella”, un diario local de Puerto Rico de los años 60. Comenzará a redactar pequeños artículos a la vez que observa un país que con tal de preservar el idílico “sueño americano” será capaz de aplastar todo lo que se ponga por medio, incluyendo la gente del lugar.

   “Los diarios del ron” es una película donde esa preciada bebida no falta en casi ninguna de las escenas pero no deja resaca. Esto se debe a que la novela que adapta y se encarga de dirigir el inglés Bruce Robinson, tal vez más conocido en su faceta de guionista (nominado al Oscar por Los gritos del silencio e In dreams) que como director (Jennifer 8), es una historia amena, con cierto toques de humor, buenos actores y las hermosísimas calles de Puerto Rico como telón de fondo.

   La trama que va saltando del drama a la comedia y después a la denuncia social se nos narra a través del personaje que encarna Johnny Depp, un actor en mi opinión sobrevalorado sobre todo por el rollo que tiene eso de ser el pupilo de Tim Burton (Big Fish, Sleepy Hollow). Creo que gran parte de sus interpretaciones son demasiado reiterativas y lo único que cambia es el envoltorio. De hecho me gustan más sus trabajos “al natural” como “Donnie Brasco” o “Descubriendo nunca jamás” que muchos de los elogios a otros papeles como la reciente “Alicia en el país de las maravillas”. Por ello el papel que ahora ofrece me gusta, me convence porque sin ser especialmente destacable, al tener que interpretar en casi todas las escenas un hombre borracho no acude a sus famosos gestos a lo “Jack Sparrow” que francamente ya cansan. Esto tan sólo ocurre en una escena, en cuanto la veáis sabréis de que hablo, pero creo que es necesaria y bien planteada. En el resto de la trama está contenido y lo más importante, creíble. El reparto que arropa a Johnny hace que la cinta funcione bien: Aaron Eckhart (El caballero oscuro, el núcleo), Richard Jenkins (The visitor, ¿Bailamos?) o Michael Rispoli (Rounders, Asalto al Pelham 1,2,3). La actriz Amber Heard (Furia ciega, Bienvenidos a Zombieland) dejando a un lago su innegable belleza y su tremendo parecido a Keira Knightley (Piratas del Caribe) creo que ofrece un papel, sino el mejor en su breve carrera, sí que el más maduro a pesar de un pobre desarrollo. Por último Giovanni Ribisi (60 segundos, Salvar al soldado Ryan) que en lo que a estilismo se refiere le está pasando lo contrario que al camaleónico Nicolas Cage. Si este último cambia de look en cada nuevo y esperado trabajo, Ribisi te puede robar el coche, disparar en la Segunda Guerra Mundial o amenazar a Mark Wahlberg que siempre llevará el mismo corte de pelo y afeitado. Debajo de esta fachada creo que la interpretación no varía mucho de uno a otro proyecto. No me malinterpretéis. No me parece mal actor el muchacho, simplemente veo siempre el mismo personaje.

   Ahora en cartelera tenemos “La fría luz del día” rodada prácticamente en su totalidad en la calles de Madrid. Esta cinta es un ejemplo del valor que tiene el director de fotografía a la hora de escoger la localizaciones, la forma de rodarlas e intentar sacar el máximo partido a una ciudad. Mientras que en este título el trabajo de planificación es desastroso, entiendo que también por problemas con los derechos de donde puedes y donde no puedes rodar y que calles quiero que saques y cuales no, en “Los diarios del ron” el trabajo que hace Dariusz Wolski (Prometheus, Sweeney Todd) apoyado por la partitura de Christopher Young (Arrástrame al infierno, Jóvenes prodigiosos) es cuanto menos destacable. Puerto Rico y sus calles son muy cinematográficas al igual que las calles de Madrid siempre y cuando se sepa hacer.

   Una película ligera, amena, tal vez no diferente a lo ya visto pero si con unos actores que hacen que la función no decaiga.

F.J (@Rocabay)

   Poco sabemos de la vida de Chae Tae-Sik. Solamente que tiene una pequeña tienda de empeños y su único lazo que le une con el exterior es la relación que mantiene con la pequeña So-mi de 10 años, cuya madre trabaja en una bar de stripptis. Cuando la madre de So comete el error de robar a unos mafiosos, ésta y su hija son secuestradas obligando a Chae a entrar en un peligroso juego organizado por un clan que se dedica al tráfico de órganos.

   A los que vimos la magnifica “Oldboy” de Park Chan-wook, uno de los directores favoritos de Quentin Tarantino y cuyo remake ya se cuece en la manos del irregular Spike Lee (Malcolm X, Plan oculto) descubrimos un país, Corea, que si mantenía al nivel de aquel título podía ofrecernos unos thrillers muy interesantes. Llegaron entonces “The Chaser” o recientemente “The Yellow sea” (en medio de ambas está “I saw the devil” que aunque no la he visto he oído cosas muy buenas) y efectivamente se confirma que aquellas tierras son caldo de cultivo de unos directores/guionista con propuestas muy frescas, ambientadas en localizaciones únicas para las historias que cuentan (ese tipo de construcción de las casas, la disposición de las calles, los puestos ambulantes, las luces de neón….) y con un gran equilibrio entre una acción que rezuma el mejor Scorsese o Mann y buenas interpretaciones de unos actores en fase de descubrimiento.

   “El hombre sin pasado” se estrenó en agosto de 2011 en Corea consiguiendo la escalofriante cifra de 6 millones de espectadores con una historia híbrida entre el “El fuego de la venganza” de Tony Scott (Top gun, Domino) y “León, el profesional” de Luc Besson (El quinto elemento). Lo que destaca por encima de todo es la pequeña Kim Sae-ron (A brand new life) que ya ha sido bautizada como la “Dakota Fanning coreana” y que apoyo rotundamente. La estética de la cinta sigue teniendo ese aroma olboniano y la duración se ajusta a lo que la historia pide (en contrapunto a “The yellow sea” que a pesar de determinadas secuencias brillante sus dos horas y media de metraje no son justificables). Las secuencias de acción son las justas y necesarias, bien rodadas y planificadas y me gustaría destacar la que tiene lugar en el clímax en un sensacional trabajo de montaje y sonido.

   Hay un elemento común en los tres títulos que llevo vistos del cine hecho en Corea, aunque se suele dar en todo el cine asiático, que creo que a un público occidental tal vez le haga no entrar en la película o al menos le cueste lo suyo: las interpretaciones. Observo que tienden a ser bipolar. Esto quiere decir que hay personaje que se presenta de manera hierática y otros todo lo contrario. Unos permanecen toda la cinta sin apenas inmutarse o más bien contenidos y otros son exagerados hasta lo sumo siendo tal vez algo irrisorio. Si hacemos de esto un convencionalismo propio del lugar de origen de la película, siendo esto una interpretación mía, la película gustará más.