Un Papa Noel bastante peculiar (Alec Baldwin), el hada de los dientes (Isla Fisher), El conejo de pascua (Hugh Jackman), Jack Escarcha (Chris Pine) y el creador de sueños son los guardianes, encargados de proteger a los niños de la tierra. La existencia de los guardianes depende de que los niños crean en ellos. Cada uno de los guardianes está dotados con determinados poderes que deberán utilizar cuando aparezca Sombra (Jude Law) cuyo poder nace de los miedos de los más peques.

   “El origen de los guardianes” se trata de la adaptación que se hace la serie de libros “The guardians of Childhood” de William Joyce publicados en 2011. David Lindsay- Abaire (Robots, corazón de tinta) junto al propio Joyce escriben una historia que sorprende por su ritmo trepidante, fresco, divertido y ágil, que puede estar fácilmente a la altura de “Como entrenar a tu dragón” (ambos títulos pertenecen a la casa Dreamworks siendo de lo mejor que he visto en película de animación en los últimos años), producida por el mejicano Guillermo del Toro (El laberinto de fauno, Mimic, Cronos) y que sabe conjugar perfectamente el cine que gusta a los más pequeños con un autentico divertimento para los más mayores.

   Si uno observa la filmografía de Guillermo del Toro observa que su tendón de Aquiles es la fantasía, poblado por personajes extraídos de una mente desbordada de imaginación pero todo ello a la vez parte de una realidad tangible: Cronos, Mimic, Hellboy, Blade 2, El laberinto del fauno, No tengas miedo a la oscuridad (productor)… y aquí ocurre lo mismo. Realidad y fantasía se funden en una historia que avanza de manera sensacional. Además, el cine de Del Toro puntualmente se deja llevar por tintes de lo macabro que si se extrapola a esta película infantil llama la atención que aunque nos encontramos con una cinta destinado a un público muy claro, la atmósfera en determinadas ocasiones es puramente expresionista (fabulosa esa escena en la que Jack acude a la guarida de Sombra y sólo le vemos a través su sombra). Una cierta desautomatización del género. También me parece una genialidad como trata temas como el de la muerte con ejemplos que desgraciadamente no puedo poner debido a los spoilers pero que los adultos se darán cuenta cuando lo vean. Por todo esto no es de extrañar que Guillermo haya querido inmiscuirse en esta producción.

   Curtido en el departamento de arte en títulos como “Men in Black”, “Independence Day” o “A.I Inteligencia artificial” o director de segunda unidad en “Godzilla”, este título supone el debut en la dirección de Peter Ramsey. ¡Vaya debut!. El ritmo con el que son encadenadas las secuencias se ve agudizado aún más con el juego que se le da a la cámara donde se opta por extensas tomas donde apenas se corta en lugar del plano y el contraplano, un uso bastante correcto de la tercera dimensión que juega con la climatología (nieves, partículas…) aunque también se trabaja la profundidad siendo la sensación bastante gratificante, elaboradas secuencia como la competición por recoger los dientes (impagable lo del Ratoncito Pérez) y por supuesto la banda sonora que compone el nominado cuatro veces al Oscar Alexandre Desplat (El discurso del rey, Fantástico Sr. Fox).

   Aunque la película fue proyectada doblada se agradece en primer lugar que no hayan cogido “famosos” que suplan las voces originales y que en su gran mayoría la calidad deja mucho que desear. También se agradece que en el caso de el conejo de pascua (en la versión original pone la voz Hugh Jackman) se haya optado por usar al doblador que suele poner la voz a Jackman. Los mas exquisitos en que se respete el trabajo de origen lo van a agradecer.

   “El origen de los guardianes” pega el pistoletazo de la salida a la fiestas navideñas y lo hace con fuerza. Desde aquí, una película que no debéis dejar pasar.

   En 1996 el guionista de origen hindú, Paul Laverty (El viento de agita la cebada, También la lluvia) escribía el primer guión para el inglés Ken Loach (Route Irish, Kes), “La canción de Carla”, y con mayor o menor acierto la relación se ha mantenido hasta hoy. El cine que nos suelen entregar este tandem se caracteriza en su mayoría por unas historias cargadas o bien de denuncia social o de cierto compromiso con personajes marginales. No se si llamarlo genialidad, adjetivo tan vez algo superlativo, pero lo que si se agradece como espectador es que el nuevo trabajo de Loach, premio del jurado en el último Festival de Cannes, aparte de esa denuncia/compromiso social, esta impregnado de humor, personajes realmente entrañables a la par que humanos. Brisa de aire fresco el filmografía de este director.

   La historia presenta un grupo de jóvenes que por diferentes motivos deben realizar trabajos sociales. Harry, el cuidador designado, siente especial devoción por Robbie, que acaba de ser padre, y comienza a instruir a los jóvenes en el arte de catar y valorar…whisky.

   Para “La parte de los ángeles” se ha optado, y en mi opinión de manera acertada, por trabajar con actores prácticamente desconocidos. La película habla de la integración social y como esto en determinadas ocasiones se complica cuando uno arrastra el pasado. Esto lo vemos a través del joven Paul Brannigan, siendo este su debut, que interpreta a un chaval que acaba de ser padre y quiere hacer borrón y cuenta nueva para dar el mejor futuro posible a su hijo. El hecho de que tanto él como la mayoría del reparto sea desconocido creo que ayuda a dar una cierta universalidad a la historia que se cuenta, ayuda a una identificación del espectador. Pero dentro de esta historia de personajes marginales subyace un humor basado sobre todo en unos personajes cada cual más peculiar. Un humor basado no tanto en el gag visual sino en la situación y el dialogo. Un humor que ayuda a quitar peso al drama que de por sí tinta a la película, con una fotografía en donde apenas vemos rallos del sol, y que a uno le hace salir con buen pie de la sala.

   Hace unos años de estrenaba “Attack de Block” una cinta que no llegaba a los 15 millones de presupuesto en donde se narraba de forma original, enérgica y divertida una invasión alienígena pero con la peculiaridad de que el punto de vista optado para contar la historia era la de unos chavales de barrio. Apenas un par de localizaciones y un cartel de actores desconocido si exceptuamos a Nick Frost (Arma fatal, Zombies party) cuya participación se convierte casi en un cameo. El resultado fue una cinta cuyo adjetivo que creo que mejor la define es fresca. Aunque dicen que las comparaciones son odiosas, y muchas veces lo son, esta vez me va a servir para demostrar el famoso dicho de “menos es más”.

   “Los amos del barrio” cuenta exactamente lo mismo que lo hacía “Attack de block” pero con un presupuesto que lo tríplica, un cabeza de cartel donde nos encontramos a la cream de la cream de la comedia: Ben Stiller (Los padres de ella, Tropic Thunder), Vince Vaughn (Cuestión de pelotas, Aquellas juergas universitarias), Jonah Hill (Supersalidos, El canguro) y un poco más atrás en cuanto a cara conocida se refiere, actualmente tiene en cartelera en función de director la interesante “Submarine”, Richard Ayoade. Además, cuenta no con uno, ni dos….sino con hasta tres guionistas y el encargado de llevar la batuta, Akiva Schaffer, pese a no tener una extensa carrera en cine puede presumir de haber dirigidos varios episodios del Saturday night live. Nada de esto lleva a buen puerto esta historia que a pesar de su corta duración, se limita a intentar explotar la supuesta comicidad de su reparto (cuantas películas va a hacer Stiller como líder/mente pensante de un grupo: Un golpe de altura, Noche en el museo, Tropic Thunder…sin darse cuenta que la fórmula se agota) con eternas escenas de verborrea escatológica en donde uno entiende porque se optó por contratar a los mismos guionistas que “Superfumados” o “Supersalidos”. Cierto es que la cinta gana ciertos puntillos debido al señor Hill, recientemente nominado al Oscar por su fantástico trabajo en “Moneyball”, pero a parte de este dato el guión ni da pie a giros y si los tiene o bien los más avispados los van a coger o como la mitad de las veces pasa en este tipo de películas están en el trailer, ni tampoco es ingenioso en su discurso.

   Tal vez mi mayor alegría fue ver aparecer en pantalla al gran R. Lee Ermey (La chaqueta metálica, La matanza de Texas (2003)). Una aparición que en tiempo puede rondar los 5 minutos. Ahí está el listón de la película.

   Cuando un proyecto lleva en su cartel los nombres de estrellas en ciernes como Bradley Cooper (El equipo A, Resacón en Las Vegas, Sin límites), Zoe Saldana (Avatar, Colombiana) y Olivia Wilde (In time, Tron legacy, Cowboys & Aliens); y de estrellas consagradas como Jeremy Irons (Dragones y mazmorras, M. Butterfly, El misterio Von Bulow, La caja china), Dennis Quaid (Lejos del cielo, Gran bola de fuego, Frequency) y JK Simmons (Young adult, Quemar después de leer; saga Spiderman), lo que se espera de ella suele ser una buena película en la que depositas unas altas expectativas.

   Los noveles directores Brian Klugman y Lee Sternthal (tienen en su haber el guion de Tron legacy) han logrado reunir a este espectacular reparto para una película dividida en tres historias (el guion también está a cargo de Klugman y Sternhal), en la que un escritor de éxito  narra la historia de un escritor fracasado que tiene la fortuna de encontrar un manuscrito. Lo publica como suyo y obtiene un éxito espectacular que lo convierte en uno de los mejores escritores de su tiempo. El autor del manuscrito resulta ser un anciano que lo escribió durante su juventud, cuando estuvo destinado en París tras la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), época en la que encontró al amor de su vida.

   Partiendo de que la premisa no es demasiado original, sólo nos queda que lo original sea el planteamiento y la forma de contarnos las cosas; pero la poca destreza de los directores (inexperiencia obviamente) hace que durante todo el metraje las historias se entrecrucen sin un equilibrio, que es capital en este tipo de películas corales, que hace que el espectador no se pierda en la trama, pero si que pierda interés en parte de ella. Un desequilibrio que, además, deja en evidencia lo que cada vez más obvio: Bradley Cooper es un actor demasiado limitado para llevar el peso de una producción de estas características.

   Cooper interpreta permanentemente el mismo personaje y papel (en muchos momentos no se sabría decir si lo que se ve en pantalla es El ladrón de palabras o Sin límites o Qué les pasa a los hombres…) lo que acentúa más aún el desequilibrio entre las historias. Además, si como compañeros de reparto tienes a un excepcional Jeremy Irons y a un resultón Dennis Quaid, pues la película se queda en un curioso quiero y no puedo que te hace pensar que habría podido salir de manos de otro director una propuesta de estas características.

   Aunque no este pasando por su mejor momento tanto personal como profesional eso no quita para aplaudir la labor de Mel Gibson frente a la cámara: Arma letal, Conexión tequila, Maverick, Payback, Mad Max, el castor… y aplaudir aún con más fuerza su trabajo detrás de las cámaras: La pasión de Cristo, apocalipto y El hombre sin rostro. Un cineasta que tras unas desgraciadas declaraciones antisemitas y alguna que otra grabación se ha visto castigado con el rechazo de gran parte de la industria que a mi modo de ver no está exento de cierta hipocresía. Este desgraciado bache no es inconveniente para que Gibson, junto a Adrian Grunberg y Stacy Perskie (ambos habían coincidido con Mel en “Apocalipto” como ayudantes de dirección), escriban una divertida historia, con una duración muy bien ajustada y de presupuesto discreto pero con unos resultados muy dignos que en ocasiones puede recordar al cine del mariachi Robert Rodríguez (Desperado, Abierto hasta el amanecer, Planet Terror).

   Mel Gibson interpreta a un ladrón de poca monta que en una huida desesperada en la frontera entre EE.UU. y Méjico acaba en este último. Es llevado a “El Pueblito” una ciudad en miniatura que hace las funciones de cárcel y donde sobrevivir será la unión entre astucia y codearse de buenos contactos.

   La dirección a cargo del antes mencionado Adrian Grunberg lucha por no caer en la monotonía al tratarse de una única localización en su mayoría e intentar exprimir al máximo los recursos. Lo primero lo consigue tanto por un montaje fluido como por unos elegantes tiros de cámara cuya máximo exponente lo encontramos en un tiroteo Leone/Rodríguez/Snyder. Lo segundo, optando por rodar con cámaras digitales que generan texturas propias del video (panorámicas) que acompañadas por una iluminación del francés Benoit Debie (Irreversible, The Runaways) que busca un realismo frente a lo preparado consiguen que función y forma se conjuguen.

   El hilo conductor que sostiene la trama es una voz de off. Una voz en off contundente y plagada de frases irónicas con reminiscencias a la fantástica “Payback”. Pero son las situaciones que el guión va generando, la presencia de Mel Gibson y la interesante subtrama entres éste y el jovencísimo Kevin Hernández (El canguro) lo que hace atractiva la cinta. Si estos tres elementos la cinta hubiese pasado totalmente desapercibida.

   “Vacaciones en el infierno” (“Get the Gringo” su título original…) ha sido emitida directamente en la televisión de EE.UU. fruto tal vez de tener a Gibson en cartel. Yo a este lado del charco la aconsejo por las pocas pretensiones que desprende que desemboca en un producto francamente simpático tanto en duración como ejecución.

   Aunque vivimos tiempos peligrosamente políticos, la sátira/parodia/comedia no siempre es la mejor opción para según que temas. Cierto es que el resultado de En campaña todo vale debe ser visto como lo que es, un simple entretenimiento en el que se utiliza a dos políticos para sacar una sonrisa al espectador y, de paso, criticar (avergonzar) a un segmento de la población que ha desarrollado un extraño poder del pueblo, que casi nunca revierten en el pueblo (por mucho que nos pueda sorprender, las disparatadas y extremas situaciones que se muestran en la película no se alejan mucho de la realidad).

   El problema que le veo a la película, es que más allá de un par de gags conseguidos y de las interpretaciones de Ferrel (Aquellas juergas universitarias, Zoolander) y Galifanakis (Resacón en Las Vegas, Salidos de cuentas) la película carece de todo sentido y sentimiento. Sobretodo porque ni Roach (Los padres de ella, Austin Powers), que parece calcarse película tras película, ni el guion de Chris Henchy (Los otros dos) y Shawn Harwell (serie De culo y cuesta abajo)  son capaces de ofrecer nada más que unas cuantas situaciones extremas con personajes demasiado artificiales para funcionar en pantalla.

   Otro despropósito de comedia, americana, que llega a nuestra pantallas y que en vez de haber desarrollado su vena más reivindicativa y satírica (cosa que se hubiera agradecido ahora que los políticos son más “políticos” que nunca), se esfuerza en el desarrollo del “caca, culo, pedo, pis”.

   En plena campaña electoral del presidente francés Nicolas Sarkozy llega a los cines un biopic sobre su vida desde el momento en el que es nombrado por el anterior presidente Jacques Chirac, ministro del interior. A partir de ahí, nos irá descubriendo los pasos por los que tuvo que atravesar para ser elegido presidente de la República francesa.

   Atendiendo al momento en el que se estrena, en vez de llamarla “película” podríamos aplicarle el calificativo de campaña de marketing político o reclamo publicitario para sus electores. Aunque viendo la forma en la que queda retratado, también para sus detractores.

   Según parece el propio Sarkozy se negó a ver la cinta. Y no me extraña, no paran de hacer chistes sobre su altura y de recibir improperios por ello y le retratan como un hombre cuya ambición se lleva todo lo que tenga por delante, incluido su matrimonio.

   La historia está contada de forma muy lineal, demasiado plana para un biopic sobre un personaje tan importante de la política mundial. Sin emoción y eso que de por medio, y como trama secundaria, está su divorcio. La actriz que da vida a Cécilia, Florence Pernel es de lo mejor de la película. Sin embargo, el poco parecido del actor con Sarkozy no termina de enganchar, eso sí, el peinado lo clava. 

   Hay un detalle que a mi parecer rompe la poca intensidad que queda de la cinta. En los últimos minutos del film cuando parece que termina se va a negro varias veces y vuelve la imagen con más trama, y así hasta en tres o cuatro ocasiones, lo que alarga el final y lo rompe, haciendo que nos preguntemos si en la próxima irá la vencida.

   Sinceramente no creo que la película tenga una buena taquilla en nuestro país, primero porque no es buena, segundo por que últimamente desde Francia, y en concreto desde el propio presidente, no ha dejado muy buenos comentarios sobre España y tercero porque no creo que interese al público español. Pero bueno, eso ya son conjeturas mías y habrá que esperar a este viernes para ver lo que ocurre.

CRISTINA VARO (@Cris_varo) 
 

   Comedia francesa en donde reaparecen Jean Dujardin y Michel Hazanavicius tras el éxito de “The Artist”. Pero que esto no os engañe. Se trata de una película de seis episodios y dirigida por ocho directores diferentes entre los que se encuentran los propios actores Dujardin y Gilles Lellouche (Cuenta Atrás, Pequeñas mentiras sin importancia). Como nexo de unión de las seis historias se encuentra la infidelidad de los hombres, la adicción al sexo, las mentiras y engaños hacia sus mujeres y el patetismo de los personajes. En todas ellas los protagonistas son los mismos aunque se enfrentan a situaciones diferentes.

   Esta forma de hacer películas en donde el nexo es la temática y no la trama no convence para nada. Saca al espectador de la película constantemente en cada cambio y no mantiene una línea regular. Se pierde la estructura básica de planteamiento, nudo y desenlace. Si a esto le añadimos que la forma en la que está contado el tema de la infidelidad y de la adicción al sexo deja de ser cómico desde la segunda historia y pasa a ser un drama con poco gusto, quita todas las ganas de seguir viendo la película. Y ya para colmo, la forma de resolver la cinta parece la solución más fácil que han encontrado por no saber como terminar.

   Ocho directores con sus ocho puntos de vista sobre un mismo tema. Creo que es bastante difícil que de ahí salgo algo coherente. Si cada episodio fuese un punto y aparte con actores diferentes se podría salvar, algo parecido a “Paris Je’taime”, pero cada historia pretende ser la continuación de la otra y esa fórmula desde mi perspectiva no funciona.

   La película tiene algunos elementos positivos que se pueden destacar, como la música, las interpretaciones, y algunas historias muy bien contadas. Si las separamos y las analizamos individualmente pueden funcionar. Sobre todo quiero destacar una de ellas dirigida por Emmanuelle Bercot y protagonizada por Dujardin y su mujer (en la vida real) Alexandra Lamy. Este episodio presenta una intensidad dramática y una complicidad entre ambos muy real, perfecta para la situación que narran. De lo mejor de la película.

Cristina Varo (@Cris_varo)

   Una vez más tenemos el placer de disfrutar en la gran pantalla del actor Liam Neeson (La lista de Schindler, El Equipo A, Love Actually). Con una película de acción, thriller y aventuras bajo cero, The Grey (título original traducido aquí a Infierno Blanco) cuenta la historia de supervivencia de un grupo de trabajadores de una refinería de petróleo que sufre un accidente de avión quedando aislados en las remotas montañas de Alaska. Tendrán que sobrevivir a las gélidas temperaturas y aún peor,  a la amenaza de los lobos que habitan allí. Los mismos lobos que Ottway (Liam Nesson) se encarga de matar para proteger a los trabajadores. La historia del cazador cazado.

 
   Nos enfrentamos a una película de esas en las que el espectador comparte al cien por cien las vivencias de los personajes, la angustia, el dolor, el miedo, e incluso el frío. Por cierto, decir que el rodaje tuvo lugar en Canadá (British Columbia) y tuvieron que rodar a temperaturas extremas de cuarenta grados negativos. Además, las escenas de tormentas no fueron hechas con efectos visuales sino que aprovecharon las inclemencias del tiempo para grabarlas.

 
   La película además de la supervivencia física supone una supervivencia personal, mental. El ser humano llevado hasta el límite. El eterno dilema de la fe, de creer cuando más se necesita estar apegado a algo, suplicar por la ayuda divina. Intentar luchar para sobrevivir o rendirse a la muerte perdiendo la última esperanza.

 
   El guión, a priori, parece sencillo. Ya son muchas las historias que nos han contado sobre supervivencia en situaciones extremas, pero si desmenuzamos poco a poco la historia vemos detalles de calidad en las subtramas. La película está llena de paradojas contradictorias. Un hombre que busca como única solución a su vida el suicidio y sobrevive a un accidente. Se gana la vida matando lobos, los mismos que ahora amenazan con matarle. Paisajes maravillosos, idílicos que se convertirán en el cementerio de los supervivientes. Aferrarse a la vida sabiendo que es muy poco probable que sobrevivan.

 
   La dirección corresponde a Joe Carnahan (Ases Calientes), que ya había compartido película con Liam en “El Equipo A”. Carnahan nos deleita con varias escenas dramáticamente muy fuertes e intensas. Destacar el momentazo de la película que a mi entender es lo que engancha al público y lo introduce en la trama de forma magistral y brutal al mismo tiempo. La escena del accidente de avión. No pierdan detalle. Es espeluznante.

 
   Los sonidos y la ausencia de estos son muy importantes, sobre todo cuando aparecen los lobos. Solemos oírlos antes que verlos y el efecto que provoca es de mayor alerta y suspense.

 
   Mención a parte es la interpretación del señor Neelson. Una mezcla de ternura, pena, conformidad, nostalgia, perdida. Tiene la capacidad de hacernos pasar por todas esos sentimientos por los que atraviesa su personaje. Hasta cuando hace de malo nos gusta.

 
   En general es una película emocionante que te mantiene en el filo de línea entre el optimismo y el pesimismo. Tiene momentos de mucha espectacularidad tanto de dirección como de interpretación, sobre todo hacia el final. Aprovechen y vayan a verla ahora que hace este frió polar. Comparado con lo de la peli, esto es un tiempo veraniego.

CRISTINA VARO (@Cris_Varo)

  
   Con más de dos años de retraso llega a nuestra cartelera la ópera prima de  Riad Sattouf (primera y única incursión en la dirección hasta ahora) el cual realiza una especie de American pie europea con influencias de la española Krámpack (de Cesc Gay).

   En "Les beaux gosses" (que significa "Los chicos guapos"), Hervé es un adolescente desbordado por sus impulsos, poco agraciado físicamente y medianamente listo que vive solo con su madre. En el colegio, va tirando, mal que bien, rodeado de sus buenos amigos, que son de lo más variopintos. Salir con una chica, eso es lo que moviliza todo el pensamiento de Hervé. Desgraciadamente en ese campo, acumula fracaso tras fracaso, aunque no pierde la esperanza. Un día, sin entender muy bien cómo, se entera de que Aurore, una de las chicas más guapas de su clase, está por él...

   Sattouf (autor también del guion junto con Marc Syrigas) realiza una radiografía, curiosamente precisa, de la adolescencia masculina. De esos días en que no piensas en cómo vistes, en como te peinas, en como hueles...tan sólo piensas en las chicas, en las mujeres...en el sexo.

   Con un conjunto de actores jóvenes muy convincentes (prácticamente debutantes en el momento en que se realizó la película) el director desarrolla las situaciones del protagonista y su entorno, sin interferir en ellas, pero con un cariño y gusto del que carecen la mayoría de películas de ésta temática (casi todas del mercado americano).

   Pero una correcta dirección y unas notables interpretaciones no son suficientes para desarrollar un guion con más voluntad que corazón. Se queda en una buena intención pero no logra ser lo generacional y rompedora que debería, sobretodo viendo el gran resultado final.

ISRAEL LÓPEZ