Como si alguien se hubiera dejado el grifo abierto, ahora, gota a gota, nos van llegando proyectos en los que se ha visto inmiscuido con mejor o peor fortuna Adrien Brody (El pianista, King Kong). Fechada en 2008, “Manolete” es el primer ejemplo de lo que hablo que tras peleas legales la película había visto la luz en medio mundo menos en el nuestro que lo hizo en agosto de este año, lo que vienen a ser cuatro años de espera y un resultado desastroso. “El profesor” sería el segundo ejemplo, cinta que narra la experiencia de un profesor sustituto. Esta vez sólo hemos tenido que esperar un año desde que se estrenó por primera vez para poder, esta vez sí, disfrutar de una de las mejores interpretaciones de Brody en su carrera. El tercer ejemplo que quería poner era “High School”, película estrenada en 2010 y que llega ahora con el pretexto de contar la historia de un instituto de secundaria en EE.UU. donde el consumo de drogas entre los alumnos se ha disparado de manera alarmante. Su director, de la noche a la mañana decide pasar un reconocimiento médico a todos los alumnos con el fin de expulsar a los que diesen positivo. Esto le afecta directamente a Henry ya que, de dar positivo, podría manchar su brillante expediente. ¿La solución?, drogar a todo el instituto.

   Estamos ante una película que cuesta imaginarse porque ha hecho falta nada más y nada menos que tres guionistas: John Stalberg, además dirige, Eric Linthorst y Stephen Susco, siendo este último el que más experiencia tiene en guión con “El grito” o la correcta “RED” y presiento que fue el encargado de dar algo de forma al desastroso guión. También cuesta imaginarse porque a Colin Hanks  (King Kong, W.) no le coge su padre, Tom Hanks (Naufrago, Forrest Gump), y le aconseja un poco… pero lo que no imagino pero a la vez me asombra es como puede alguien como Adrien Brody puede acabar en un proyecto como este, hacer una intervención que en minutos da cómo mucho cuarto de hora, que su papel sea el de un pasadísimo camello neurótico de barrio cubierto de trenzas, pero que sea lo único que uno se acuerda de la película. A las dos primera cuestiones os dejo a vosotros que desrrolleis posibles respuestas. A ésta útima creo que está claro: Brody es la película y punto.

   A estas alturas a nadie se le escapa que la llamada “saga del hambre”, compuesta por Los juegos del hambre, En llamas y Sinsajo, es un rotundo éxito editorial y cinematográfico a nivel mundial. Es una novela dirigida a un público juvenil/adulto, ávido de las emociones que otras sagas literarias como Crépúsculo o Harry Potter les ha brindado años atrás (y los productores ávidos de un éxito de esas dimensiones). La novela (y la película, obviamente) es de género distópico (sitúa la acción en un mundo futuro imaginario, en oposición a cualquier tipo de sociedad utópica imaginable) y de ciencia ficción, que mezclado con un impredecible triángulo amoroso (como clara referencia a la saga) hace las delicias de los adolescentes…y no tan adolescentes, que han leído la novela y vean la cinta.

   A priori, es chocante la elección de un director como Gary Ross (Seabiscuit, Pleasantville) para trasladar a la pantalla un “producto” como éste. Sobretodo, porque en todos sus trabajos se ha percibido una personalidad que iba mucho más allá de la industria cinematográfica (en catorce años ha dirigido tres películas, aunque también ha producido y escrito en su carrera títulos como El valiente Despereaux y Big) y para nada conforme con los cánones y estándares comunes en Hollywood. Quizá por esta peculiaridad, el resultado de la película es satisfactorio en las formas (excepto por esa dirección sucia de las escenas de acción en las que no te deja apreciar lo que sucede en pantalla), aunque no el fondo.

   Si algo desprenden las novelas de Suzanne Collins es: fuerza y pasión. Viendo la película he tenido la sensación de que aunque tiene mucha fuerza lo que se cuenta (la historia es muy, muy potente) le falta mucha pasión a la hora de narrarlo. La elección de Prim, la hermana de Katniss, como representante del distrito 12 en los juegos del hambre y cómo ésta la sustituye; la relación de la protagonista con la joven Rue (y como termina) o su relación de amor/odio con Peeta….son ejemplos de momentos muy impactantes en la novela, que sin embargo en la película son retratados de una forma más bien distante y fría por Ross.

   Quizá estas percepciones son producidas porque me haya leído los libros y ya tenía formada una idea cinematográfica de lo que debería y cómo debería ser la película sobre esta saga, pero una dirección mucho más “cálida” y cercana, pienso, que hubiera mejorado el resultado final (cinematográficamente hablando, por supuesto, ya que el resultado comercial viendo la recaudación que lleva es prácticamente inmejorable).

   Como adaptación cinematográfica es bastante ejemplar y acertada, ya que Ross con la ayuda de Billy Ray (que con las adaptaciones de El precio de la verdad y La sombra del poder ya demostró un gran talento) y de la propia Collins, ha desentrañado la historia de forma que cupiese en dos horas y veinte de película sin, a priori, dar la sensación en ningún momento de haberse dejado fuera nada importante (y de paso potenciando el papel del presidente Snow en ésta parte de cara a configurar un malo malísimo para la trilogía, un tanto desdibujado en las novelas hasta la parte final) y sin que en ningún momento se tenga la impresión de pesadez.

   La ambientación, la dirección artística y la fotografía de Tom Stern (habitual de Clint Eastwood en películas como Mystic river, Million dollar baby o Gran Torino…) están perfectas en la composición de un futuro apocalíptico en el que predominan los grises y la suciedad en los distritos, frente a la pomposidad y los colores chillones del Capitolio. Pero por otra parte, se produce una exagerada diferencia en la calidad del acabado de los decorados de ambas localizaciones, debido a que mientras que los distritos son recreaciones localizadas en pueblos reales; toda la parte del Capitulo son imágenes hechas mediante ordenador de una ciudad futurista que denota en demasía unos pobres (y probablemente baratos) efectos visuales.

   James Newton Howard (Diamante de sangre, La intérprete) compone una deliciosa partitura que, sin embargo, creo, no está apropiadamente montada en la película. La música no acompaña a la acción en numerosas ocasiones en las que ésta lo pide (sobretodo en los momentos dramáticos), potenciando por otro lado un gran trabajo de edición y montaje de sonido a cargo de Robert Althoff (Malditos bastardos).

   El peso de la película (y mucha culpa de su éxito) recae en un gran elenco de actores, tanto principales como secundarios, en el que se mezclan varias generaciones. Los protagonistas están encarnados por unos magníficos Jennifer Lawrence (nominada al oscar por Winter´s bone y vista en El castor o X-men: nueva generación) y Josh Hutcherson (Viaje al centro de la tierra o Los chicos están bien). Secundándoles (y disfrutando de sus jugosos papeles) están los maravillosos Stanley Tucci (Margin Call, El diablo viste de Prada, La terminal), Woody Harrelson (Bunraku, No es país para viejos, Los blancos no la saben meter), Elizabeth Banks (Los próximos tres días, Barridos por la marea)     y el grandioso Donald Sutherland (MASH, Gente corriente, Klute, Casanova (de Fellini)).

   Aunque las referencias a películas como El señor de las moscas (también basada en una novela, en este caso de William Golding), Perseguido (Running man, película protagonizada por Arnold Schwarzenegger en 1987) y sobre todo Battle Royal (adaptada de una novela que se publicó en 1999) son directas tanto en las novelas como en la película, la mayoría del público potencial de ésta saga no estarán familiarizados con ellos. Y en caso de que lo estén, nunca es un mal momento para pararnos a reflexionar sobre el futuro que nos espera si seguimos actuando como hasta ahora, construyendo puentes hacia la incultura, la incomunicación y primando la involución del individuo, frente al desarrollo cultural e intelectual de la sociedad.

   “La educación es la clave del futuro, la clave del destino del hombre y de su posibilidad de actuar en un mundo mejor” Robert F. Kennedy

ISRAEL LÓPEZ 

   Con “Los Idus de Marzo” la semana pasada y ahora “Tan Fuerte, Tan Cerca” nos terminan de llegar las películas que optaban este año a los principales premios en la última gala de los Oscar. Como nos comentaba nuestro colega, amigo y crítico Israel López en el caso de la George Clooney seis meses hemos tenido que esperar. Con Daldry han sido más generosos y sólo han sido tres. No voy a entrar en reflexiones que no llevan a ningún sitio del estilo “¿Por qué han esperado tanto?” o “¿A que esperaban para estrenarla?”. Solamente diré que la espera ha terminado. Busquen un cine donde proyecten este título, ya que sale con muy pocas copias y yo espero que tengan que rectificar y sacar más, y disfruten de un director que a mi gusto maneja como pocos las interacciones humanas y como ello modifica la realidad en la que viven.

   La nueva cinta del inglés y triplemente nominado Stephen Daldry (Las Horas, El Lector, Billy Elliot) cuenta la historia de Oskar Schell un chaval de nueve años al que le encanta buscar objetos perdidos, experimentar, construir cosas…todo ello apoyado por la tremenda imaginación de su padre. Cuando este último fallece en el atentado de las Torres Gemelas el 11 de septiembre de 2011, una llave que encuentra Oskar por casualidad le abre la oportunidad de vivir una última aventura.

   Tres de las películas que optaban este año al Oscar a mejor película poseen un sutil pero interesante vínculo. Este es el año de los homenajes y viajes de autodescubrimiento. “The Artist” y “Hugo” son claros homenajes que dos directores quieren hacerle a ese fotograma que pasa 24 veces cada segundo. Pero a su vez “Hugo” y “Tan fuerte, tan cerca” comparten un mismo objetivo tomando para ello sendas bien distintas: un niño que a través de un objeto le va a ayudar a conocerse a si mismo, romper con el pasado y seguir adelante. Me parece este apunte una primera reflexión de cómo el cine utiliza géneros y técnicas muy diversas pero chocando en su esencia más pura.

   Thomas Horn hace su debut en esta película con nominación al Globo de Oro incluida. Él es una de las mayores virtudes de la cinta pero a la vez un posible lastre. Una excesiva, aunque en mi opinión necesaria, pedantería rodeada al personaje que encarna. Debo decir que de las dos horas de metraje tardé en entrar en el juego que da su personaje, ponerme a su nivel, entender porque habla como lo hace, porque se expresa y reacciona así…y al final lo conseguí y es una delicia. Entiendo, sobre todo por artículos que leo, que mucha otra gente no entre al juego y se queden en un “Odio a este chaval” o “No me lo creo” pero debo decir a los que lean esto que le den una oportunidad y sobre todo se dejen llevar por este apasionante viaje. Vaticino un gran futuro al joven Horn. Max Von Sydow (El Exorcismo, Shutter Island), éste con nominación pero al Oscar, construye un personaje ambiguo, no sabemos muy bien de donde viene y a donde va aunque pienso que cae un tanto en lo obvio, y toda su interpretación es corporal apoyado por el saber estar y el gesto. Magnifico. Podría estar hablando de todos los personajes que aparecen en pantalla y que de todos daría para unas buenas líneas pero sólo destacaré a Sandra Bullock (Speed, Mientras dormías) que tras ganar el Oscar por “The Blind Side” esta película vuelve a demostrar que la mujer sabe, cuando la dirigen, actuar. Por último, aunque sale más bien poco, Tom Hanks que parece haber enderezado la carrera y olvidarse, al menos un rato, de su Código Da Vinci.

   El ganador del Oscar por “Forrest Gump”, Eric Roth, se hace cargo del guión que adapta la novela de Jonathan Safra Foer. Un historia puesta en manos de un director que utiliza los atentados del 11-S como un mero macguffin para contar una historia concreta en unos personajes concretos. Personajes todos ellos desubicados como ya ocurría en “Las Horas” o “El Lector” y que buscan un lugar en este nuestro mundo. Sensacional el trabajo que hace Claire Simpson (El Jardinero Fiel, Platoon) desmembrando la historia para ir dosificándola, el estupendo uso del piano de Alexandre Desplat  (El Discurso del Rey, El Árbol de la Vida) o la fantástica fotografía de Chris Menges (Los Gritos del Silencio, La Misión).

   No dejen de pasar la oportunidad de ver esta sorpresa audio y visual. Encantador y tierna a partes iguales.

F.J (@Rocabay)

   Acción, comedia, romance. Prota guapa y graciosa y dos tipos cachas y muy, muy guapos enamorados de la misma chica. Ya tenemos el lío montado. Dos agentes de la CIA libran una batalla épica el uno contra el otro después de descubrir que están saliendo con la misma mujer.

   Dirigida por McG (Los Ángeles de Charlie, Terminator Salvation, Equipo Marshall) y protagonizada por Reese Witherspoon (En la Cuerda Floja, Una rubia muy legal), Chris Pine (Star Trek, Imparable) y el nuevo chico de moda que veremos en la última película de Christopher Nolan: “El Caballero Oscuro: La leyenda renace” Tom Hardy (Origen, El Topo).

   Una película más de tantas dentro del género de comedia romántica. Lo que aporta este director es la trama de acción donde ya tiene bastante experiencia en este tipo de género. Ha producido series como Sobrenatural, Nikita, Chuck y se nota ese toque de espías y agentes de la CIA que, en este caso, se aprovecharan de su situación para sacar ventaja a la hora de conquistar a la chica. Utilizarán todos los recursos que están a su alcance para investigar la vida de Lauren (Reese). A parte de eso, el guión es un poco flojito, bastante predecible el desarrollo de la trama secundaria. En la principal hay alguna que otra sorpresa, aunque no me termina de convencer. Muchos tópicos y a mi parecer le falta bastante chispa al guión para ser una buena comedia. Es perfecta para lo que es, para pasar el rato y poco más.

CRISTINA VARO (@Cris_Varo) 

 

   El alemán Tom Tykwer (Corre Lola, corre, El perfume (historia de un asesino), The international) rueda con su peculiar estilo, ésta fábula actual sobre la crisis de la mediana edad. Para ello realiza un juego triangular de miedos, angustias, dolor, sexo y pasión en torno a un matrimonio y su amante.

  Antes que nada, recomiendo no leer las sinopsis que se puedan encontrar por ahí ya que básicamente le resuelven la trama argumental de la película en sus reseñas.

   Tykwer es un realizador peculiar tanto por los trabajos que realiza como por la forma que tiene de trasladarlos a la pantalla. En éste caso nos encontramos ante una dirección muy relajada, casi expositiva, en la que esconde la cámara (casi como espectadores de teatro) y muestra las diferentes relaciones y situaciones que se producen ante los protagonistas. Tan sólo en determinados momentos del montaje de Mathilde Bonnefoy (colaboradora habitual en todas sus películas) se extrae dicha pasividad y manipula al espectador (la pantalla partida con diversas situaciones, la voz en off, etc...)

   Aunque es un guion solvente, obra del propio Tykwer, la pasividad y frialdad de determinadas secuencias hace que no sientas muchas de las situaciones y no te involucres con los personajes como se debería en una película de éstas características. Esa falta de conexión con el espectador hace que le falte garra a una historia muy bien contada y con situaciones realmente duras y peculiares (como el eje central de la trama y el desenlace de la misma).

   Pese a lo arriba señalado, el triángulo formado por los semidesconocidos Sophie Rois (atención al parecido con la intérprete española Antonia San Juan), Sebastian Schipper y el algo más experto Devid Striesow ( Los falsificadores, El hundimiento) se convierte en el alma de la película y lo que hace "peculiar" en la filmografía de su director ésta película.

ISRAEL LÓPEZ